TÍTULO ORIGINAL: LETTERS TO JULIET. AÑO: 2010. PAÍS: EE.UU. GÉNERO: COMEDIA ROMÁNTICA. GUIÓN: JOSÉ RIVERA, TIM SULLIVAN. MÚSICA: ANDREA GUERRA. FOTOGRAFÍA: MARCO PONTECORVO. REPARTO: AMANDA SEYFRIED, VANESSA RADGRAVE, GAEL GARCÍA BERNAL, FRANCO NERO, CHRISTOPHER EGAN, MARCIA DEBONIS, GIORDANO FORMENTI, FABIO TESTI, OLIVER PLATT. DIRECTOR: GARY WINICK. DURACIÓN: 105 MINUTOS.
CALIFICACIÓN “EL DIARIO DE HOY”: 6.50 (ACEPTABLE)
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Y finalmente caemos otra vez en la tentación y nos embarcamos en una nueva aventura enmarcada en una flamante comedia romántica. Sé que los defenestradores del género dirán que “Cartas a Julieta” es una de las peores películas que han visto, y los adoradores de esta clase de films asegurarán haberse emocionado hasta las lágrimas… Será la eterna dicotomía de dos polos equidistantes pero de los que siempre hay que tener una visión más meridiana.
Sabido es que, las “comedias románticas” son de mi gusto personal, y es muy difícil que califique con baja nota una cinta de estas características. Ahora bien, con “Cartas…” me pasó algo singular y es que si bien me subyugué con su excelsa fotografía (anótense el nombre de Marco Pontecorvo, que en realidad sobresalió gracias a la materia prima que tenía para explotar), me faltó algo en la historia que me hiciera interesar en una escala más respetable de lo que me pasó en esta oportunidad.
Lo que cuenta es simple. Sophie (Amanda Seyfried, Mamma mia, Querido John) se embarca en una pre-luna de miel con su novio Víctor (Gael Garcia Bernal, Babel, Diarios de Motocicleta, El crimen del padre Amaro) hacia Verona, la tierra de Romeo y Julieta. Allí, Sophie se encuentra con una carta que data de muchos años, donde una mujer, Claire (Vanessa Redgrave, Expiación, deseo y pecado, El atardecer) le escribía a su amor de juventud, Lorenzo (Franco Nero, La salamandra roja, Querelle, la miniserie de TV Bella mafia), tratando de explicarle por qué tuvo que dejarlo para regresarse a Londres. Sophie toma esa carta y trata de encontrar junto a Claire, a Lorenzo, y para ello, y junto al nieto de ésta, recorren gran parte de la Toscana italiana. Allí, la fotografía de Pontecorvo hace estragos, e Italia se luce en forma marcada y esplendorosa.
Sin embargo este peregrinaje apenas seduce al espectador, que oscila entre la admiración por la belleza natural, la simpatía de algunos personajes, y poco más. La falta de una estructura sólida del guión le quita brillo a la historia, que se va desvaneciendo a medida que transcurre. Lo más destacable es la frescura de la joven Seyfried, quien ya se había lucido en Mamma mia, pero sobremanera logran sobresalir Redgrave y por qué no decirlo el mismo Nero. Su esperado encuentro es una clase gratuita de teatro, donde una imagen vale más que mil palabras y la emoción que nos mezquinaron en estos ciento cinco minutos, aparece en escasas aunque poderosas gotas.
El resto del film por momentos hace acordar a otros, emblemas en esto de mostrar Italia y hacerla como su principal estandarte. La efímera “Only you”, con Robert Downey Jr. y Marisa Tomei, y quizá, una de las comedias románticas más recordadas, como lo fue “Bajo el sol de Toscana”, protagonizada por Diane Lane (que recomiendo por las dudas que el lector no la haya aún disfrutado). Pero claro, “Cartas a Julieta” se queda a mitad de camino, y lo edulcorada de sus intenciones le quitó dramatismo y cuerpo a un guión demasiado flaco para hacer de esta propuesta, una experiencia que podamos recordar por mucho tiempo.
TÍTULO: IGUALITA A MI. PAÍS: ARGENTINA. GÉNERO: COMEDIA DRAMÁTICA. GUIÓN: JUAN VERA Y DANIEL CÚPARO. FOTOGRAFÍA: FÉLIX MONTI. SONIDO: JOSÉ LUIS DÍAZ. ELENCO: ADRIÁN SUAR, FLORENCIA BERTOTTI, CLAUDIA FONTÁN, GABIEL CHAME BUENDÍA, ANA MARÍA CASTEL, JUAN CARLOS GALVÁN, ANDRES CIAVAGLIA, ANDREA GOLDBERG. DIRECCIÓN: DIEGO KAPLAN. DURACIÓN: 110 MINUTOS.
CALIFICACIÓN “EL DIARIO DE HOY”: 7.50 (BUENA)
Ante todo, quiero aclarar que hacer una crítica de un film que plantea una situación costumbrista que puede tocar ribetes tan verosímiles que en algún momento encuentra coincidencias con la vida del espectador, es, cuanto menos, incómodo. Digo coincidencias aunque no es necesariamente parecido a algún contexto que le toca vivir a quien suscribe, pero de todas maneras, luego de plasmar en este papel mi opinión, me ocuparé de olvidarla rápidamente.
“Igualita a mi” sigue la característica de las clásicas comedias Made in Suar o, mejor dicho, “Made in Pol-ka”, que significa plantearle al espectador una situación común, quizá algo estereotipada, con la cual sentirse identificado. En la línea de “Un marido para mi mujer” en el cine, o “El sodero de mi vida” en T.V., esta comedia, sin embargo transita de los pasos de comedia del principio, a un melodramatismo facilista en la segunda parte. Sin embargo, Diego Kaplan, su director, ha logrado mantener un ritmo regular, lo que redundó en un interés constante por el seguimiento de la historia.
La trama es simple pues se suscribe a la vida de Freddy (Adrián Suar, Un novio para mi mujer, Comodines, Apariencias), que interpreta a un soltero cuarentón empedernido, que se la pasa de fiesta en fiesta, creyendo que aún puede sobrellevar el descontrol de sus veinte años. Casi sin responsabilidades, ni interés por tenerlas, vive de la empresa de su hermano mayor. Es así que Freddy conoce a Aylin (Florencia Bertotti, Floricienta en T.V.), una fresca y desfachatada joven, que a la postre resulta ser su hija que está… esperando un hijo.
Aquí surge el planteamiento principal de la historia y es el proceso de maduración del protagonista en pos de asumir su realidad y actuar en consecuencia. En este trayecto, el film cuenta con personajes secundarios que ayudan a darle cuerpo al relato, como la siempre rendidora y sólida Claudia Fontán (la peluquera de Freddy, con quien tiene una escena zafada, de las más divertidas de la cinta), o la antigua novia del protagonista, devenida en hippie, que cumple perfectamente su función.
Sin embargo, si el espectador va al cine buscando una comedia divertida, para destornillarse de risa, seguramente saldrá defraudado, pues de esos momentos hay pocos, pues la cinta apunta más a la sensibilidad y a la identificación con cierto sector del público.
Para el final me gustaría resaltar las labores de los protagonistas, que para este género son los más apropiados. Si bien Suar pareciera que siempre “hace de Suar”, su histrionismo le es de suma utilidad a los objetivos de la cinta, y termina redondeando un papel respetable. Quizá su estereotipación es por momentos absurda, quizá forzando algunos giros de comedia, pero de todas formas, logra edificar un personaje carismático y –hacia el final- políticamente correcto. Y Bertotti, aporta su frescura, y sus tics tan característicos, estableciendo junto a Suar una química que redunda en el beneficio del producto final.
“Igualita a mi” no será una comedia que pasará a la historia ni tampoco lo hará reír sin parar, sin embargo, y a su modo, le planteará una situación que suele ofrecer ribetes verosímiles que valdrá la pena seguir.
Ahora si, sin buscar comprometerme demasiado con esta crítica sólo les puedo decir: “Comuníquese, cópiese y archívese”
TÍTULO ORIGINAL: THE BOYS ARE BACK. EN ARGENTINA: DE VUELTA A LA VIDA. EN ESPAÑA: SÓLO ELLOS. AÑO: 2009. GÉNERO: DRAMA. PAÍS: AUSTRALIA. GUIÓN: ALLAN CUBBIT (NOVELA: SIMON CARR). MÚSICA: HAL LINDES. FOTOGRAFIA: GREG FRASER. REPARTO: CLIVE OWEN, NICHOLAS MCANULTY, GEORGE MACKAY, LAURA FRASER, EMMA BOOTH, JULIA BLAKE, NATASHA LITTLE, EMMA LUNG, ERIK THOMSON. DIRECTOR: SCOTT HICKS. DURACIÓN: 104 MINUTOS.
CALIFICACIÓN “EL DIARIO DE HOY”: 7.50 (BUENA)
Finalmente, el bueno de Clive Owen aceptó ese papel que tanto le habían ofrecido y una y otra vez había evadido. Pero la insistencia de Scott Hicks (Sin Reservas, Mientras nieva sobre los cedros) pudo más, y el actor australiano accedió a meterse de lleno en el drama más oscuro que le ha tocado interpretar. En “De vuelta a la vida”, Owen interpreta a Joe Warr, un bastante afamado periodista deportivo –especializado en tenis-, que debe atravesar el momento más complejo de su vida: la pérdida de su esposa (de su segundo matrimonio), víctima de cáncer.
A su cargo ha quedado el pequeño Harry (George Mackay, Resistencia), quien sufre a su modo la brutal noticia, y para colmo de males, el hijo del primer matrimonio, Artie (Nicholas McAnulty), decide pasar unos días -¡justo en ese momento!- junto a su padre. Entonces Joe intenta encontrar el manual de padre y el de madre también, pero pronto se da cuenta, que el mismo está rebasado de páginas en blanco. Deberá aprender junto a ellos cómo será la vida sin el amor de su vida.
A pesar de ser un género tan denso, el director Scott Hicks, se encargó de no caer en el melodrama barato, ese que apunta directamente al conducto lagrimal de quien decide pasar casi dos horas delante de la pantalla. Entonces, la problemática que nos presenta, se edifica como más verosímil y palpable para el espectador común, quien finalmente, agradece. Dentro del cast, debo remarcar la labor de Clive Owen, que alejado de los papeles que supieron llevarlo a la fama (Agente Internacional, Sin City, Niños del Hombre, Duplicidad, Shoot’Emp Up) se anima a abordar caminos desconocidos, donde es obligado a explorar otra faceta. Quizá en la línea de Closer, el personaje le exige al máximo esa sensibilidad que hasta aquí no había exhibido. Algunas escenas con su hijo Artie, y una discusión con su suegra (Laura Fraser, Vainilla Sky, Tierra de Sangre) le sirven para imponer una presencia de fuerte impacto, que hace ver su actuación sólidamente remarcable.
Los personajes secundarios no logran trascender en demasía, aunque el papel del hijo mayor encarnado por Nicholas McAnulty, quizá sobresale por sobre los demás. Ni siquiera la bella Emma Booth (Ángeles caídos, Blood Creek) que hace de la nueva pretendiente, logra seducir al espectador pues su personaje no ofrece una evolución que merezca nuestra atención.
En definitiva, “De vuelta a la vida” es un duro aunque recomendable drama familiar, que, alejado de los estereotipos melodramáticos, nos obliga a navegar por aguas turbulentas, que logran adentrarnos en una problemática tan común, como de compleja resolución.
FICHA TÉCNICA: TÍTULO ORIGINAL: A PERFECT GATAWAY. EN ARGENTINA: IDEM. EN ESPAÑA: “UNA ESCAPADA PERFECTA”. AÑO: 2009. GÉNERO: THRILLER, SUSPENSO. PAÍS: EE.UU. GUIÓN: DAVID TWOHY. MÚSICA: BORIS ELKIS. FOTOGRAFÍA: MARK PLUMMER. REPARTO: MILLA JOVOVICH, TIMOTHY OLYPHANT, KIELE SÁNCHEZ, STEVE ZAHN, MARLEY SHELTON, CHRIS HEMSWORTH, Y ELENCO. DIRECTOR: DAVID TWOHY. DURACIÓN: 97 MINUTOS.
CALIFICACIÓN “EL DIARIO DE HOY”: 6 (DISCRETA)
A perfect Gataway” es un thriller no estrenado en cines de Argentina, que acaba de llegar a la tienda de DVD y BLURAY para que usted pueda disfrutarla tranquilamente en el living de su casa. Y a decir verdad, es un film ideal para entrecasa pues el estreno en una sala cinematográfica le hubiera quedado grande, a no ser por los espectaculares paisajes plasmados genialmente por una fotografía impecable.
Pero vayamos a lo esencial, al guión, que no por simplón merece ignorarse. Cliff (Steve Zahn, Management, Zahara, El empleado del mes) y Cydney (Milla Jovovich, Resident Evil, Ultravioleta) son una pareja de recién casados que deciden pasar su luna de miel en las paradisíacas playas de Hawai. Pero lo que tiene que ser una estadía tranquila y románticamente inolvidable se convierte en una odisea, cuando otra pareja “lunamielera” es asesinada y descuartizada, al parecer por un matrimonio que fue a las islas con otras intenciones.
Cliff y Cydney conocen a otras dos parejas que pudieran ser los sospechosos de ese asesinato, principalmente Nick (Timothy Olyphant) y Gina (Kiele Sánchez), quienes los acompañarán en su recorrida por toda la costa, aunque también se encuentran con Kale y Cleo, quienes tienen todas las características de ser los asesinos pero que el espectador advierte rápidamente que son los anzuelos lanzados por el director para confundirlo.
La trama, algo lenta al principio, se pierde en un recorrido turístico que bien pudo estar a la altura de un video clip promocional de Hawai (aunque en verdad, la mayoría de las escenas fueron rodadas en las playas de Puerto Rico). Pero de a poco, y muy a pesar de los comentarios superfluos desarrollados por nuestros protagonistas, comienza a destilar una tensión que va “in crescendo”. Esta faceta es responsabilidad, principalmente de Steve Zahn, quien siempre me sorprende cuando me topo en algún film con él. Zahn ofrece ni más ni menos lo que el personaje requiere: no estereotipa, no sobreactúa y no se queda en medias tintas. Si bien en la última parte del film pareciera exagerar con algunas actitudes (y no voy a ser más específico para no develar parte de la trama), en líneas generales redondea una labor remarcable. No sucede lo mismo con la bella Milla Jovovich, de irregular performance, y con el impredecible Timothy Olyphant, de quien por momentos se desprende un comediante y por otros un desequilibrado mental. Olyphant no ha logrado a lo largo del film darle una definición exacta a su papel, quizá responsabilidad del director, David Twohy (Las crónicas de Riddick).
Párrafo y mención aparte merece la fotografía de Mark Plummer, que luce especialmente si usted la disfruta en bluray. Los paisajes son tan portentosos que a veces el contexto opaca al contenido, en varios pasajes del film. “Una escapada perfecta” no será una película inolvidable, pero al menos lo mantendrá entretenido por una hora y media en su living, mientras disfruta de un par de porciones de pizza y una cerveza bien helada…
TÍTULO ORIGINAL: REMEMBER ME. EN ARGENTINA: RECUÉRDAME. PAÍS: EE.UU. AÑO: 2010. GÉNERO: DRAMA. GUIÓN: WILL FETTERS, JENNY LUMET. MÚSICA: MARCELO ZARVOS. FOTOGRAFÍA: JONATHAN FREEMAN. REPARTO: ROBERT PATTINSON, EMILIE DE RAVIN, CHRIS COOPER, LENA OLIN,PIERCE BROSNAN, MARTHA PLIMPTON, AMY ROSOFF, PEYTON LIST, MEGHAN MARKLE, RUBY JERINS Y ELENCO. DIRECTOR: ALLEN COULTER. DURACIÓN: 113 MINUTOS.
CALIFICACIÓN “EL DIARIO DE HOY”: 8 (BUENA)
Recuérdame es un drama romántico, ambientado en la ciudad de Nueva York, donde dos adolescentes transcurren una relación que se ve amenazada por el contexto familiar que los rodea. Tyler Roth (Robert Pattinson, de Crepúsculo), es un muchacho de veintiún años que está afectado por el suicidio de su hermano mayor. Ésta situación hará que el matrimonio de sus padres (Pierce Brosnan y Lena Olin) termine en divorcio, al ser incapaces de superar el trauma. Totalmente solo, con el único incentivo de ayudar a su hermana menor que también padece serios problemas psicológicos, el chico conoce a la hermosa Ally (Emile De Ravin, de la serie Lost) que, a pesar de sus propios traumas, le ayudará a salir del pozo donde está sumergido.
El film, que por momentos pareciera naufragar en la intrascendencia de previsibles diálogos, sin embargo de a poco va despertando cierto interés en la audiencia, que se identifica con los conflictos interpersonales, que son por demás de verosímiles. Pattinson, lejos de la imagen sexy de vampiro adolescente de la serie Crepúsculo, edifica un personaje muy complejo de componer, con muchos matices. Le he valorado su trabajo a lo largo de la cinta, aunque quizá le recrimine que en una de las escenas más difíciles, que fue el enfrentamiento con su padre (Brosnan) en su oficina, se muestre un par de escalones por debajo de la versatilidad del ex Bond. Por lo demás, una interpretación elogiable. Igualmente debo reconocer en De Ravin, esa frescura, esa imagen inocente e impactante a la vez, que hace que no le podamos sacar los ojos de encima.
En cuanto al film, Allen Coulter (de las series Los Soprano y Roma), nos engaña pues creemos que se trata de un drama romántico adolescente, sin demasiadas pretensiones. Sin embargo, de a poco nos sumerge en una reflexión mucho más profunda, que nos hace replantear muchas decisiones que tenemos que afrontar diariamente. Como la cita de Ghandi, expresada en el film: “Casi todo lo que hacemos en la vida es insignificante, pero es muy importante que lo hagas”.
Esa frase, va tomando cuerpo y sentido hacia el final de la película. Un epílogo por demás de impactante y que golpea en lo más frágil de nuestro corazón, pues es totalmente inesperado. En él, tengo que remarcar el guiño del director, con esa inscripción en la pizarra, minutos antes del estruendoso final, que despertará polémicas y que, por razones obvias, no puedo adelantar en esta crítica.
En definitiva, Recuérdame es un llevadero drama romántico, que nos plantea una problemática conocida y atendible, y que sobre el final, nos sorprende con un desenlace totalmente inesperado y demoledor.
TÍTULO ORIGINAL: THE BACK-UP PLAN. EN ARGENTINA: EL PLAN B. PAÍS: EE.UU. GÉNERO: COMEDIA ROMÁNTICA. GUIÓN: KATE ANGELO. MÚSICA: STEPHEN TRASK. FOTOGRAFÍA: XAVIER PÉREZ GROBET. DIRECTOR: ALAN POUL. REPARTO: JENNIFER LOPEZ, ALEX O’LOUGHLIN, MICHAELA WATKINS, ERIC CHRISTIAN OLSEN, ANTHONY ANDERSON, NOUREEN DEWULF, MELISSA MCCARTHY, JENNIFER ELISE COX. DURACIÓN: 106 MINUTOS.
CALIFICACIÓN “EL DIARIO DE HOY”: 6.50 (DISCRETA)
El cine hollywoodense, y en especial, ese que se dedica al entretenimiento, ofreciéndonos ese género tan especial que son las comedias románticas, está extrañanado a su reina indiscutida. Me refiero a Meg Ryan, que parece que la crisis de los cuarenta la golpeó fuerte, y no se atreve a contar historias de gente de cuarenta enamorándose (no se por qué alguien que transita esos años no puede vivir una gran historia de amor). Así entonces, con Meg en su propio laberinto, parece que la híper famosa Jennifer López, JLo para los amigos, está decidida a apropiarse de ese cetro vacante.
Si bien, la buena de Jennifer no es una gran actriz (tampoco una cantante de relevancia, es decir hace bien las cosas, pero dudo que pase a la historia por descollar en alguno de esos géneros), se las arregla para componer personajes cálidos, queribles, que enganchan a la platea, más allá de sus innegables y llamativos atributos físicos. En esa instancia se estaciona permanentemente en el mismo papel de chica-buena-soñadora (The Wedding planner, Sucedió en Manhattan, etc) que parece otorgarle grandes réditos.
En esta historia compone a Zoe, una divertida mujer que posee una tienda de mascotas, que viendo cómo su vida ha llegado a un momento cúlmine y no ha podido encontrar a su “príncipe azul”, decide inseminarse artificialmente para cumplir su sueño de tener un hijo. Pero claro, el “plan” en parte, “se arruina”, cuando conoce imprevistamente a Stan (Alex O’Loughlin, actor australiano, estrella televisiva estadounidense), un atractivo vendedor de… quesos, que rápidamente se enamora de ella y le plantea una situación que no estaba para nada en las intenciones iniciales de Zoe.
El guión, a primera vista, parece ser atractivo, pero el film se pierde en resoluciones demasiado previsibles y escenas un poco inverosímiles, que a veces se salvan del naufragio, debido al carisma exhibido por los dos protagonistas de la historia. Es una pena que el director Alan Poul (de las galardonadas series de HBO “Roma” y “Six Feet Under”) no haya podido imprimirle un poco de vértigo y mayor consistencia al relato, que por momentos aburre y cae en algunos pozos irrecuperables.
De todas formas, para los amantes del género, creo que “El Plan B” será una opción por demás de entretenida, ya que cuenta con los estereotipos clásicos de las comedias románticas. Amor, personajes secundarios simpáticos, una mascota querible, buena música, excelente fotografía y una atractiva pareja protagónica con química. Advierta usted, querido lector, que entre los puntos importantes que enumeré no se encuentra el guión. Y es que no estoy exigiendo gran cosa.
Basta repasar algunos títulos recientes, como “Tu última oportunidad” (con Dustin Hoffman y Emma Thompson), para ver qué es lo que yo pido de una buena comedia romántica, sin caer en lo clichés habituales, de los cuales abusan los directores.
Sin embargo, “El plan B” no lo dejará varado en medio de la tormenta. No será un refugio cálido y con servicio de catering, pero al menos, le alcanzará un paraguas para protegerse de la lluvia.
TÍTULO ORIGINAL: AMELIA. EN ARGENTINA: IDEM. AÑO: 2009. PAÍS: EE.UU. GÉNERO: DRAMA. BIOGRÁFICO. GUIÓN: RONALD BASS. MÚSICA: GABRIEL YARED. FOTOGRAFÍA: STUART DRYBURG. REPARTO: HILARY SWANK, RICHARD GERE, EWAN Mc GREGOR, CHRISTOPHER ECCLESTON, MIA WASIKOWSKA, WILLIAM CUDDY, JOE ANDERSON, CHERRY JONES. DURACIÓN: 111 MIN.
CALIFICACIÓN “EL DIARIO DE HOY”: 5 PUNTOS
Luego de un tiempito sin caer en la tentación de criticar películas, he vuelto al ruedo. No se si da para que alguien festeje, más bien todo lo contrario. Y más, si en algún momento al bueno de Gere o a la bella Swank, le traducen esta crítica del film que hoy nos ocupa.
Quizás debiera aclarar de antemano (y no es para abrir mi paraguas) que no soy fanático de las películas biográficas. Me aburren. Y si faltaba algo para convencerme de mi percepción, llegó… “Amelia”.
Amelia es una cinta biográfica que cuenta la vida de la legendaria piloto estadounidense Amelia Earhart (Hilary Swank: Pos Data Te amo, A Million Dollar Baby), que desapareció mientras sobrevolaba el océano Pacífico en 1937, en un intento por viajar alrededor del mundo. En la historia un desteñido Richard Gere (Noches de Tormenta, Bailamos, Chicago, Pretty Woman) encarnó a su esposo, George Putnam, en un personaje tan plano como discreto.
En tanto Ewan McGregor (La isla, Ángeles y Demonios, El sueño de Casandra, El engaño) personificó el gran amor de Amelia, el papel del padre del escritor Gore Vidal, en lo que podría haberse explotado de una diferente forma en esta historia que por momentos peca de extremada previsibilidad. McGregor ha cumplido acertadamente con su labor, pero el guión no ayudó a que la historia tome vuelo en algún momento (aunque parezca contradictorio). Y este defecto, que en definitiva, termina sepultando las aspiraciones del film, es a causa principalmente, de la hibridez de su directora, la india Mira Nair (Salam Bombay).
Nair nunca pudo adosarle a la película la cuota de emoción necesaria para enganchar al espectador. Salvo la escena final, que logra rozar los límites del interés, el film es chato, previsible, lento, y de diálogos aburridísimos. Tan sólo las palabras de Swank en el epílogo, logran levantar un poco de vuelo, cuando afirma: “Las cosas que nunca dije, están ante mis ojos”. Y si usted quiere averiguar a qué se refiere Swank, deberá esperar más de cien minutos abúlicos y disfrutar de la metáfora más bella de la historia.
FICHA TÉCNICA:TÍTULO ORIGINAL: 12 ROUNDS. EN ARGENTINA: 12 DESAFÍOS. PAÍS: EE.UU. GÉNERO: ACCIÓN. AÑO: 2009. GUIÓN: DANIEL KUNKA. MÚSICA: TREVOR RABIN. FOTOGRAFÍA: DAVID BOYD. DIRECTOR: RENNY HARLIN. REPARTO: JOHN CENA, ASHLEY SCOTT, BRIAN J. WHITE, TAYLOR COLE, AIDAN GILLEN, STEVE HARRIS, BRANDY MOON, LOUIS HERTHUM, BILLY SLAUGHTER, GONZALO MENÉNDEZ Y ELENCO. DURACIÓN: 108 MIN.
CALIFICACIÓN “EL DIARIO DE HOY” 7.50 (BUENA)
Antes que cualquier aseveración quiero contarles que me propuse ver esta película sin saber de qué trataba (aunque pudiese sospecharlo). Y para mi sorpresa, me encontré con un “revival” de las cintas de acción de los ochenta y noventa. Por momentos parecía estar viendo Duro de matar, o Máxima velocidad. Y me dio gusto. John Cena, eximio y súper conocida estrella de la lucha libre, se las arregla para componer un personaje de acuerdo a su duro perfil.
Sí, se que los detractores dirán que es poco expresivo, que no sirve para componer Hamlet, y otras yerbas. Pero aquí Cena fue convocado para un rol que le caería de perillas a Mel Gibson, Bruce Willis o al ahora súper cotizado Gerard Butler. Pero qué placer volver a encontrar esos héroes de los noventa en donde eran acuchillados, electrocutados o aplastados por una pared y sin embargo, salían caminando indemnes con una sonrisa cómplice.
Sé que con esta crítica me ganaré algunos enemigos del género de grandes películas, pero créanme que para lo que fue creada, 12 Desafíos cumple su cometido.
La trama es por demás sencilla de comprender. El detective Danny Baxter (John Cena) comienza su calvario cuando detiene al criminal y terrorista Miles Jackson (Aiden Guillen, el mismo de la serie de HBO The Wire), que se ha escapado de prisión, y debido a un accidente en el momento de la detención muere la novia de éste. Entonces Miles secuestra a la pareja de Danny y lo reta a 12 pruebas extremas, que se desarrollan por las calles de Nueva Orleans. Si Danny logra pasar esos 12 retos, Miles asegura que le devolverá a su novia con vida.
Las pruebas no son de las más científicas o rebuscadas. Al contrario, son de simple planteamiento, pero de espectacular resolución. Sí, ya se que cuando usted vea la electrizante escena del tranvía estará pensando en Máxima velocidad, o cuando esté sufriendo observando a Cena colgando de un edificio le vendrá a su memoria Duro de Matar. Pero yo lo tomé como un homenaje al género. Un género perdido y bastardeado, pero que mal que le pese a algunos, ocupa un lugar preponderante.
Al margen, el film está muy bien filmado y dirigido por Renny Harlin (El exorcista, Duro de Matar 2), quien se ha encargado de enlazar los doce desafíos que lo tendrán sentado al borde de su butaca.
TÍTULO ORIGINAL: (500) DAYS OF SUMMER. EN ARGENTINA: 500 DÍAS CON ELLA. AÑO: 2009. GÉNERO: COMEDIA ROMÁNTICA. DURACIÓN: 95 MINUTOS. GUIÓN: SCOTT NEUSTADTER, MICHAEL H. WEBER. MÚSICA: MYCHAEL DANNA, ROB SIMONSEN. FOTOGRAFÍA: ERIC STEELBERG. DIRECTOR: MARC WEBB. REPARTO: JOSEPH GORDON LEVITT, ZOOEY DESCHANEL, GEOFFREY AREND, CHLOE GRACE MORETZ, MATTHEW GRAY GUBLER, CLARK GREGG, PATRICIA BELCHER, RACHEL BOSTON, MINKA KELLY, CHARLES WALKER Y ELENCO.
CALIFICACIÓN “EL DIARIO DE HOY”: 7 (ACEPTABLE)
Una nueva comedia romántica que nos ocupa y con críticas previas favorables, por lo que me dispuse a disfrutar de algo diferente. Y, en cierta manera, debo reconocer que “500 días con ella” no es una comedia romántica clásica. Es un ensayo de las relaciones de pareja y de los avatares que ésta puede sufrir, de los vaivenes, de los altos y bajos y del papel protagónico que el destino puede ejercer en ellas. Cuántas veces hemos escuchado en parejas o matrimonios cómo se han conocido y nos encontramos con la anécdota donde nos confiesan que una serie de hechos fortuitos han contribuido para que el encuentro trascendental se produzca.
Esta comedia ofrece el análisis de estos ribetes si se quieren casuales y su influencia en el desarrollo de una relación amorosa. Y va por más, pues analiza los prejuicios de los protagonistas, los caprichos, los preconceptos y la forma en que éstos se mueven procurando descubrir si ese noviazgo tendrá futuro o será sólo una anécdota en sus vidas.
Dentro de este panorama, se destaca la buena actuación de Joseph Gordon Levitt (Tom, 3er Rock of the Sun), demostrando no sólo buenas dotes de actor sino también de bailarín. Para destacar la brillante secuencia musical con el tema “You make My Dreams” de Hall & Oates, donde Joseph sorprende con su soltura en ese paso de “comedia musical”. A la bellísima Zooey Deschanel (Summer), ya la habíamos descubierto en Sí, Señor! con Jim Carrey, aunque ya venía de un largo camino cinematográfico que comenzó con su debut junto a Jennifer Aniston en Una buena chica. Deschanel se mueve cómoda en este tipo de géneros, pero para crecer deberá elegir otro tipo de papeles que le planteen el desafío de crear interpretaciones más complejas. Por ahora, con su belleza, su gracia y su frescura, le alcanza para cautivar a los telespectadores.
En sí, la comedia romántica lo llevará a entretenerse por una hora y media sin demasiadas ambiciones, aunque su factura y su forma de contar los acontecimientos la señalen como una cinta diferente en su estilo. Entre las críticas podría señalar que le falta un poco de ritmo en algunos momentos específicos y picos de emoción que toda película debe tener. Los personajes secundarios no alcanzan relieve y le quitan volumen a la historia y los momentos cómicos no son tales, sino apenas pueden leerse como simpáticos. Sin embargo, a pesar de estos reparos, el film se deja ver, se saborea, y nos queda alguna que otra enseñanza positiva. Algo que por estos tiempos cinematográficos flacos, no se edifica como algo meramente insignificante.
TÍTULO ORIGINAL: “EL SECRETO DE SUS OJOS”. PAÍS: ARGENTINA. AÑO: 2009. GÉNERO: DRAMA, THRILLER, SUSPENSO. REPARTO: RICARDO DARÍN, SOLEDAD VILLAMIL, GUILLERMO FRANCELLA, PABLO RAGO, JAVIER GODINO, JOSÉ LUIS GIOIA, MARIO ALARCÓN, MARIANO ARGENTO, RICARDO CERONE, DAVID DI NÁPOLIY ELENCO. GUIÓN: JUAN JOSÉ CAMPANELLA, EDUARDO SACHERI. MÚSICA: FEDERICO JUSID, EMILIO KAUDERER. FOTOGRAFÍA: FÉLIX MONTI. DIRECTOR: JUAN JOSÉ CAMPANELLA. DURACIÓN: 126 MINUTOS. CALIFICACIÓN “EL DIARIO DE HOY”: 10 (EXCELENTE)
Resulta cuanto menos peligroso ir a ver un film que tiene grandes críticas, que está cosechando premios ante jurado que se presente (siempre que este no sea San Sebastián), y que disfruta la recomendación de un “boca a boca” tan efectivo como efectista. Es por eso que confieso mis reparos al ingresar a la sala a ver este film, temiendo una nueva decepción. Pero está claro que esto no sucedió.
La película seduce desde el primer minuto, con esos fragmentos aparentemente inconexos que nos ofrecen insuficientes pistas de lo que vamos a comenzar a ver. La cinta, a través de constantes flashbacks, cuenta la historia de Benjamín Espósito, un perito mercantil que trabaja de secretario en un Juzgado de Instrucción de la Ciudad de Buenos Aires, y que recién retirado, decide escribir una novela basada en un caso que lo conmovió ymarcó veinticinco años atrás. Caso del cual fue testigo y protagonista. Su obsesión con el brutal asesinato acontecido en 1975, lo empuja a revivir los hechos, trayendo al presente no sólo lo descarnado del delito, o la imagen perturbadora del delincuente, sino también su particular relación con Irene, su jefa en el juzgado, interpretada por una brillante Soledad Villamil.
En la oficina también trabaja “Sandoval”, el personaje que esculpió Guillermo Francella, componiendo a un alcohólico lejos de los clichés burdamente edificados en esa clase de papeles. A decir verdad, el encasillamiento al que se entregó el capocómico argentino, le recortó la posibilidad de crecer como un actor capaz de abordar otros géneros como el drama. Y “El secreto de sus ojos” fue la oportunidad perfecta para él, y cabe remarcar, que no la desaprovechó. Su trabajo, para asombro de muchos (entre los cuales me incluyo), fue tan verosímil como brillante.
Pablo Rago compone al esposo de la víctima, y su perfil, tan denso, complejo y profundo, es mostrado en forma palpable gracias a una interpretación solidísima.
Pero, sin dudas, la historia descansa en dos pilares inexpugnables, que hacen salir a flote con una emoción lacrimal, al presuntuoso guión. Claro está, que inclinarse por Ricardo Darín lejos está de ser una apuesta. El actor argentino demostró en innumerables oportunidades (El hijo de la novia, también dirigido por Campanella; Nueve Reinas, El aura y tantas otras) su capacidad actoral, y esa extraña habilidad que tiene de hacer creíble cualquier personaje. Algo que, en particular, me sucede siempre con Dustin Hoffman. Darín está en esa dirección.
Lo de Soledad Villamil, a pesar de su experiencia (No sos vos, soy yo; Un oso rojo; La vida según Muriel), sí evidencia ribetes de apuesta. Sin embargo la química que establece con su par masculino, crea un clima de tensión sexual constante, de misterio, de nostalgia, de amor prohibido, que le aporta una gran cuota de frescura al film.
En definitiva, el equipo de actores elegidos por Juan José Campanella (El Hijo de la novia, Luna de Avellaneda), se muestra monolítico y eficaz. Si hasta el humorista, José Luis Gioia dibuja un papel serio y acorde al resto del elenco, en un lauro que le pertenece más que nada al director, que logra contar una historia diferente a aquellas que nos tenía acostumbrado. Alejado de la sensiblería y la emoción fácil de sus antecesoras (no por esta crítica aquellas dejan de ser buenas películas), decide jugársela en un terreno que pudo haber significado una barrera demasiado alta para sus intereses.
El Secreto… es un drama profundo, una apuesta a los sentimientos más radicales, con el contexto político latente (plausible la decisión de no dejarse ganar por la problemática local por esos años, aunque sí se aprovechó para enmarcar la historia). Es también un collage de situaciones que se van engarzando cuidadosamente a lo largo de veinticinco años, para desembocar en un desenlace brillante, que dejará pasmado al espectador. También es un film de mensajes subliminales constantes. Mi intención no es contar la historia pero cómo no destacar el apunte dejado en la mesita de luz diciendo “TEMO”, y todo lo que ello implica en el personaje encarnado por Darín. O, en las escenas culminantes, el “dígale que al menos me hable” disparado por uno de los coprotagonistas, me parece una de las frases más espectaculares en la historia del cine argentino, demostrando que para torturar a una persona, no puede haber arma más letal que la palabra (o en este caso la ausencia de ella).
La manufactura también es impecable, en la concatenación de las escenas surgidas de los flashbacks, y en registros técnicos envidiables. La toma panorámica y de acercamiento que se hace del estadio Tomás A. Ducó de Huracán, es excepcional y digna de una clase de cine. En definitiva, yo creo que si este film hubiera sido rodado en Estados Unidos y en lugar de Ricardo Darín estaría, efectivamente, Dustin Hoffman; en lugar de Soledad Villamil, Merryl Streep; y por Francella hubiera actuado Al Pacino, sin dudas sería una cinta candidata al Oscar a la Mejor Película del Año, y esos tres papeles se llevarían los tres máximos galardones a la interpretación.
Pero claro, desafortunadamente… perdón, afortunadamente fue rodada en Argentina, y no sabemos si la Academia del país del norte será capaz de apreciar la artesanía que Campanella y su equipo, fueron capaces de rodar en este perdido país sudamericano.
Para quienes estén estudiando cine, para quienes estén transitando los primeros pasos en el séptimo arte, o simplemente para quienes metan la mano en su bolsillo y encuentren diez pesos, no lo duden un solo instante. Inviértanlos en un pasaje a la emoción. O simplemente, en una muestra casi gratis, del mejor cine en estado puro.
Antonio es mi nombre, soy periodista desde 1994, he trabajado en numerosos medios de comunicación, entre ellos en FM del Rosario, FM 3 Rosario, LT8 Radio Rosario, Canal 6 Multicanal, Canal 5 Rosario, entre otros. A través de mi profesión quiero compartir con todos (mis amigos y quienes entren gentilmente a mi blog) las cosas que disfruto. Entre ellas, escribir. En mi blog podrán leer comentarios y opiniones de Deportes, Espectáculos (por ejemplo crítica de películas, eventos musicales, programas de tv, etc) y actualidad (noticias y editoriales sobre lo que nos sucede diariamente). Espero les guste y recibiré sus comentarios con agradecimiento y atención. Bienvenidos y gracias por compartir mi mundo.
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En sí, la comedia romántica lo llevará a entretenerse por una hora y media sin demasiadas ambiciones, aunque su factura y su forma de contar los acontecimientos la señalen como una cinta diferente en su estilo. Entre las críticas podría señalar que le falta un poco de ritmo en algunos momentos específicos y picos de emoción que toda película debe tener. Los personajes secundarios no alcanzan relieve y le quitan volumen a la historia y los momentos cómicos no son tales, sino apenas pueden leerse como simpáticos. Sin embargo, a pesar de estos reparos, el film se deja ver, se saborea, y nos queda alguna que otra enseñanza positiva. Algo que por estos tiempos cinematográficos flacos, no se edifica como algo meramente insignificante.
En la oficina también trabaja “Sandoval”, el personaje que esculpió Guillermo Francella, componiendo a un alcohólico lejos de los clichés burdamente edificados en esa clase de papeles. A decir verdad, el encasillamiento al que se entregó el capocómico argentino, le recortó la posibilidad de crecer como un actor capaz de abordar otros géneros como el drama. Y “El secreto de sus ojos” fue la oportunidad perfecta para él, y cabe remarcar, que no la desaprovechó. Su trabajo, para asombro de muchos (entre los cuales me incluyo), fue tan verosímil como brillante.
Lo de Soledad Villamil, a pesar de su experiencia (No sos vos, soy yo; Un oso rojo; La vida según Muriel), sí evidencia ribetes de apuesta. Sin embargo la química que establece con su par masculino, crea un clima de tensión sexual constante, de misterio, de nostalgia, de amor prohibido, que le aporta una gran cuota de frescura al film.
La manufactura también es impecable, en la concatenación de las escenas surgidas de los flashbacks, y en registros técnicos envidiables. La toma panorámica y de acercamiento que se hace del estadio Tomás A. Ducó de Huracán, es excepcional y digna de una clase de cine. En definitiva, yo creo que si este film hubiera sido rodado en Estados Unidos y en lugar de Ricardo Darín estaría, efectivamente, Dustin Hoffman; en lugar de Soledad Villamil, Merryl Streep; y por Francella hubiera actuado Al Pacino, sin dudas sería una cinta candidata al Oscar a la Mejor Película del Año, y esos tres papeles se llevarían los tres máximos galardones a la interpretación.
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