Archivo para la categoría ‘CINE. LOS MEJORES DRAMAS’

CINE: “DE VUELTA A LA VIDA”: APRENDIENDO A VIVIR

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TÍTULO ORIGINAL: THE BOYS ARE BACK. EN ARGENTINA: DE VUELTA A LA VIDA. EN ESPAÑA: SÓLO ELLOS. AÑO: 2009. GÉNERO: DRAMA. PAÍS: AUSTRALIA. GUIÓN: ALLAN CUBBIT (NOVELA: SIMON CARR). MÚSICA: HAL LINDES. FOTOGRAFIA: GREG FRASER. REPARTO: CLIVE OWEN, NICHOLAS MCANULTY, GEORGE MACKAY, LAURA FRASER, EMMA BOOTH, JULIA BLAKE, NATASHA LITTLE, EMMA LUNG, ERIK THOMSON. DIRECTOR: SCOTT HICKS. DURACIÓN: 104 MINUTOS.

CALIFICACIÓN “EL DIARIO DE HOY”: 7.50 (BUENA)

 

Finalmente, el bueno de Clive Owen aceptó ese papel que tanto le habían ofrecido y una y otra vez había evadido. Pero la insistencia de Scott Hicks (Sin Reservas, Mientras nieva sobre los cedros) pudo más, y el actor australiano accedió a meterse de lleno en el drama más oscuro que le ha tocado interpretar. En “De vuelta a la vida”, Owen interpreta a Joe Warr, un bastante afamado periodista deportivo –especializado en tenis-, que debe atravesar el momento más complejo de su vida: la pérdida de su esposa (de su segundo matrimonio), víctima de cáncer.

A su cargo ha quedado el pequeño Harry (George Mackay, Resistencia), quien sufre a su modo la brutal noticia, y para colmo de males, el hijo del primer matrimonio, Artie (Nicholas McAnulty), decide pasar unos días -¡justo en ese momento!- junto a su padre. Entonces Joe intenta encontrar el manual de padre y el de madre también, pero pronto se da cuenta, que el mismo está rebasado de páginas en blanco. Deberá aprender junto a ellos cómo será la vida sin el amor de su vida.

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A pesar de ser un género tan denso, el director Scott Hicks, se encargó de no caer en el melodrama barato, ese que apunta directamente al conducto lagrimal de quien decide pasar casi dos horas delante de la pantalla. Entonces, la problemática que nos presenta, se edifica como más verosímil y palpable para el espectador común,  quien finalmente, agradece. Dentro del cast, debo remarcar la labor de Clive Owen, que alejado de los papeles que supieron llevarlo a la fama (Agente Internacional, Sin City, Niños del Hombre, Duplicidad, Shoot’Emp Up) se anima a abordar caminos desconocidos, donde es obligado a explorar otra faceta. Quizá en la línea de Closer, el personaje le exige al máximo esa sensibilidad que hasta aquí no había exhibido. Algunas escenas con su hijo Artie, y una discusión con su suegra (Laura Fraser, Vainilla Sky, Tierra de Sangre) le sirven para imponer una presencia de fuerte impacto, que hace ver su actuación sólidamente remarcable.

Los personajes secundarios no logran trascender en demasía, aunque el papel del hijo mayor encarnado por Nicholas McAnulty, quizá sobresale por sobre los demás. Ni siquiera la bella Emma Booth (Ángeles caídos, Blood Creek) que hace de la nueva pretendiente, logra seducir al espectador pues su personaje no ofrece una evolución que merezca nuestra atención.

En definitiva, “De vuelta a la vida” es un duro aunque recomendable drama familiar, que, alejado de los estereotipos melodramáticos, nos obliga a navegar por aguas turbulentas, que logran adentrarnos en una problemática tan común, como de compleja resolución.

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CINE. “RECUÉRDAME”: CASI TODO LO QUE HACEMOS EN LA VIDA ES INSIGNIFICANTE, PERO ES IMPORTANTE QUE LO HAGAS…

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TÍTULO ORIGINAL: REMEMBER ME. EN ARGENTINA: RECUÉRDAME. PAÍS: EE.UU. AÑO: 2010. GÉNERO: DRAMA. GUIÓN: WILL FETTERS, JENNY LUMET. MÚSICA: MARCELO ZARVOS. FOTOGRAFÍA: JONATHAN FREEMAN. REPARTO: ROBERT PATTINSON, EMILIE DE RAVIN, CHRIS COOPER, LENA OLIN,PIERCE BROSNAN, MARTHA PLIMPTON, AMY ROSOFF, PEYTON LIST, MEGHAN MARKLE, RUBY JERINS Y ELENCO. DIRECTOR: ALLEN COULTER. DURACIÓN: 113 MINUTOS.

CALIFICACIÓN “EL DIARIO DE HOY”: 8 (BUENA)

 

Recuérdame es un drama romántico, ambientado en la ciudad de Nueva York, donde dos adolescentes transcurren una relación que se ve amenazada por el contexto familiar que los rodea. Tyler Roth (Robert Pattinson, de Crepúsculo), es un muchacho de veintiún años que está afectado por el suicidio de su hermano mayor. Ésta situación hará que el matrimonio de sus padres (Pierce Brosnan y Lena Olin) termine en divorcio, al ser incapaces de superar el trauma. Totalmente solo, con el único incentivo de ayudar a su hermana menor que también padece serios problemas psicológicos, el chico conoce a la hermosa Ally (Emile De Ravin, de la serie Lost) que, a pesar de sus propios traumas, le ayudará a salir del pozo donde está sumergido.

El film, que por momentos pareciera naufragar en la intrascendencia de previsibles diálogos, sin embargo de a poco va despertando cierto interés en la audiencia, que se identifica con los conflictos interpersonales, que son por demás de verosímiles. Pattinson, lejos de la imagen sexy de vampiro adolescente de la serie Crepúsculo, edifica un personaje muy complejo de componer, con muchos matices. Le he valorado su trabajo a lo largo de la cinta, aunque quizá le recrimine que en una de las escenas más difíciles, que fue el enfrentamiento con su padre (Brosnan) en su oficina, se muestre un par de escalones por debajo de la versatilidad del ex Bond. Por lo demás, una interpretación elogiable. Igualmente debo reconocer en De Ravin, esa frescura, esa imagen inocente e impactante a la vez, que hace que no le podamos sacar los ojos de encima.

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En cuanto al film, Allen Coulter (de las series Los Soprano y Roma), nos engaña pues creemos que se trata de un drama romántico adolescente, sin demasiadas pretensiones. Sin embargo, de a poco nos sumerge en una reflexión mucho más profunda, que nos hace replantear muchas decisiones que tenemos que afrontar diariamente. Como la cita de Ghandi, expresada en el film: “Casi todo lo que hacemos en la vida es insignificante, pero es muy importante que lo hagas”.

Esa frase, va tomando cuerpo y sentido hacia el final de la película. Un epílogo por demás de impactante y que golpea en lo más frágil de nuestro corazón, pues es totalmente inesperado. En él, tengo que remarcar el guiño del director, con esa inscripción en la pizarra, minutos antes del estruendoso final, que despertará polémicas y que, por razones obvias, no puedo adelantar en esta crítica.

En definitiva, Recuérdame es un llevadero drama romántico, que nos plantea una problemática conocida y atendible, y que sobre el final, nos sorprende con un desenlace totalmente inesperado y demoledor.

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CRITICA. ADELANTO. “HERMANOS”: EN LAS BUENAS Y EN LAS MALAS

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FICHA TÉCNICA: TÍTULO ORIGINAL: BROTHERS. EN ARGENTINA: HERMANOS.PAÍS: EE.UU. AÑO: 2009. ESTRENO EN ARGENTINA: 18 DE FEBRERO 2010. GÉNERO: DRAMA. MÚSICA: THOMAS NEWMAN. FOTOGRAFÍA: FREDERICK ELMES. GUIÓN: DAVID BENIOFF (REMAKE: SUSANNE BIER, ANDERS THOMMAS JENSEN). DIRECTOR: JIM SHERIDAN. REPARTO: JAKE GYLLENHAAL, NATALIE PORTMAN, TOBEY MAGUIRE, MARE WINNINGHAM, SAM SHEPARD, CLIFTON COLLINS JR., BEILEE MADISON, TAYLOR GEARE, PATRICK FLUEGER, CAREY MULLIGAN, JENNY WADE. DURACIÓN: 109 MIN.

CALIFICACIÓN “EL DIARIO DE HOY”: 8,50 (BUENA)

Este film, de próximo estreno en nuestro país (está previsto para el 18 de febrero en Capital Federal), está enmarcado en la Guerra de Afganistán y sus consecuencias psicológicas y sociales alrededor de los soldados que la protagonizan. Hay que destacar que “Hermanos” es una remake de su par danés, rodado en 2004 y que en este 2010 nos llega de la mano de la dirección de Jim Sheridan (el mismo de “En el nombre del Padre” y “Mi pie izquierdo”)

La historia trata de Sam Cahill (Tobey Maguire, de la zaga Spiderman, El buen alemán, Una guerra de película), un Capitán de Marina que es enviado asiduamente a Afganistán a peligrosas misiones. Sam está casado felizmente con Grace (Natalie Portman, Closer, Las Bolena, Regreso a Cold Mountain, La Guerra de las Galaxias), tiene dos hijas hermosas y es el marido perfecto y orgullo de su padre, también ex militar. Sin embargo su hermano menor Tommy (Jake Gyllenhaal, Secreto en la Montaña, Sospechoso, Zodíaco, El día después de mañana) es lo opuesto. Acaba de salir de prisión, lleva una vida errante, sin rumbo o destino definido.

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En una de esas complejas misiones su helicóptero es atacado y derribado y el Ejército lo da por muerto o desaparecido. La vida de la familia cambia por completo. Tommy, de a poco, comienza a sentar cabeza y ayuda a Grace con su casa y sus hijas, se encariña con ellas y las niñas con él. Grace encuentra en él el consuelo y la contención que estaba necesitando para superar el peor momento de su vida. Claro está, que luego ocurre algo que cambiará nuevamente sus vidas y sacudirá la psiquis del espectador, planteándole  interrogantes difíciles de responder.

Obviamente, no puedo contar el resto de la trama, pero puedo adelantar que el film impacta con la virtud de no caer jamás en el golpe bajo, en el sentimentalismo. Muestra lo justo y necesario para que la historia avance y nuestros planteamientos aparezcan.

Cabe remarcar que el trío interpretativo se muestra sólido, principalmente Natalie Portman que logra transmitir todas las emociones que va sintiendo a lo largo del film: amor, esperanza, calma, desconsuelo, desolación, tristeza, sorpresa, esperanza, miedo, curiosidad, o cualquier estado al alcance de su amplio bagaje actoral. También se luce Tobey Maguire padeciendo lo peor de la guerra y sus consecuencias inimaginables, el transmitirle al espectador que su desesperación no es comprendida por su familia, que su sufrimiento es inconmensurable. El reparo con Maguire es que cuesta sacarlo de nuestra imagen como el Hombre Araña. Cuesta verlo como militar, como padre de familia. Quizá es un prejuicio del que suscribe. Jake Gyllenhaal también se muestra verosímil en todo momento aunque su papel no luce como los otros dos.

Y párrafo aparte para la pequeña Bailee Madison, interpretando a la mayor de las hijas del matrimonio que ha debido enfrentar un par de escenas dificilísimas en una niña de su edad, y lo ha hecho en forma brillante.

El final, abierto, es como un puñal que se nos clava en forma descarnada. Y que nos hace sentir en ese preciso segundo una ráfaga del vacío y desequilibrio que puede sufrir una persona que fue sometida a tal castigo físico y emocional.

“Hermanos” es una de esas películas recomendables pues no son presuntuosas, ya que fueron concebidas con los objetivos bien claros. Y si bien es Made in Hollywood o una remake que pudiera sacarle algún crédito, demuestra con sobrados motivos, que fue hecha para formar parte de la galería del mejor cine.

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CRITICA. ADELANTO. “UN SUEÑO POSIBLE”: SANDRA BULLOCK SE REINVENTA

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FICHA TÉCNICA: TÍTULO ORIGINAL: THE BLIND SIDE. EN ARGENTINA: UN SUEÑO POSIBLE. AÑO: 2009, ESTRENO EN ARGENTINA: 25 DE FEBRERO 2010. GÉNERO: DRAMA. GUIÓN: JOHN LEE HANCOCK (LIBRO: MICHAEL LEWIS). MÚSICA: CARTER BURWELL. FOTOGRAFIA: ALAR KIVILO. DIRECTOR: JOHN LEE HANCOCK. REPARTO: QUINTON AARON, SANDRA BULLOCK, TIM McGRAW, JAE HEAD, LILY COLLINS, KATHY BATES, KIM DICKENS, RAY McKINNON, RHODA GRIFFIS, CATHERINE DYER,  ANDY STAHL Y ELENCO. DURACIÓN: 126 MINUTOS.

CALIFICACIÓN “EL DIARIO DE HOY”: 9 (MUY BUENA)

 

Confieso que, desilusionado, me presté a ver esta película de próximo estreno en Argentina (previsto para el 25 de Febrero de 2010) donde la protagonizaba Sandra Bullock. Y digo que “desilusionado” pues acababa de ver “All about Steve” (Alocada obsesión), también protagonizada por nuestra conocida Sandra, donde me aburrí olímpicamente, al extremo de decidir la no inclusión de la crítica de esta película en el DIARIO DE HOY, para no destrozarla. Sin embargo, The Blind Side comienza en forma tibia y tímida, pero minuto a minuto su interés va “in crescendo” hasta atraparnos en forma irremediable.

Es más, la actuación de la ahora rubia, Sandra Bullock, es tan convincente que nos lleva de la mano a través de toda la historia provocando nuestra curiosidad, haciéndonos emocionar y obligándonos a guardar un halo de esperanza dentro de un panorama que muchas veces se muestra desolador.

La historia es una novela basada en hechos reales y cuenta la vida de Michael Oher –Big Mike- (Aaron Quinton, casi en su debut cinematográfico), un joven afroamericano sin hogar, que se encuentra a la deriva. Sin instrucción, sin incentivos de vida, con su padre recién fallecido, y su madre drogadicta, está a expensas de un destino que en la mayoría de las veces, termina de la misma fatal manera.

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Sin embargo Michael es rescatado por Leigh Anne Touhy (Sandra Bullock, Crash -Vidas Cruzadas-, All about Steve, Premonición,  Miss Simpatía, La propuesta), quien junto al apoyo de su marido, Sean Tuohy (Tim McGraw, que es una de las estrellas americanas más importantes de la música country, vendedor de más de cuarenta millones de de discos), quien lo adopta como su hijo, le brinda una educación acorde y la posibilidad de desarrollarse en el deporte. Michael resulta ser que tenía un talento de aquellos para jugar fútbol americano resultando una de las estrellas de la NFL (National Football League, que viene a ser como la Liga de Fútbol Americano). Asimismo, Michael también influirá en los miembros de la familia Touhy, que atravesarán una etapa de descubrimiento y superación personal.

Es claro que en el plano interpretativo, los lauros se los lleva Sandra Bullock que logró interpretar con eficiencia a la Leigh Anne original con la rigidez y calidez (características opuestas pero que forman parte de la personalidad de la responsable de esta historia) necesarias. Y demuestra que cuando se aleja de los estereotipos que abusa en las comedias románticas que integra, para adentrarse en dramas más complejos, es mucho más actriz de lo que muchos creen. Y que a nadie extrañe que termine con un Oscar en sus manos.

Pero lo dicho, al margen de Bullock, debemos rescatar la labor del joven Aaron Quinton que si bien había tenido una fugaz primera experiencia en un film de Jack Black llamado Rebobine, por favor, se muestra aquí como el protagonista de The Blind Side. Con una mirada silenciosa que es capaz de transmitir cientos de sentimientos, con una calidez interpretativa que se compra al espectador desde el primer minuto, logra elaborar un personaje con los matices que eran imprescindibles.

Párrafo aparte para Kathy Bates (Misery, Pos Data Te amo, Titanic, Tomates verdes fritos) que compone a la Sra. Sue que ayudará a la preparación escolástica de Michael. Bates una vez más captura un personaje secundario y con dos o tres escenas, le basta para demostrar su enorme calidad.

En definitiva, Un sueño posible, es una historia de superación personal (esas que gustan tanto los estadounidenses) que si bien está enmarcada en el fútbol americano (lo que podría hacer fracasar su éxito en nuestras tierras), logra establecer un vínculo emocional con el telespectador y hacerlo reflexionar sobre las oportunidades, o la falta de éstas, de ciertos seres humanos, que están a la espera de un destino que puede salvarlos o condenarlos al más cruel de los olvidos.

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CRITICA. “EL SECRETO DE SUS OJOS”: CINE EN ESTADO PURO

TÍTULO ORIGINAL: “EL SECRETO DE SUS OJOS”. PAÍS: ARGENTINA. AÑO: 2009. GÉNERO: DRAMA, THRILLER, SUSPENSO. REPARTO: RICARDO DARÍN, SOLEDAD VILLAMIL, GUILLERMO FRANCELLA, PABLO RAGO, JAVIER GODINO, JOSÉ LUIS GIOIA, MARIO ALARCÓN, MARIANO ARGENTO, RICARDO CERONE, DAVID DI NÁPOLI Y ELENCO. GUIÓN: JUAN JOSÉ CAMPANELLA, EDUARDO SACHERI. MÚSICA: FEDERICO JUSID, EMILIO KAUDERER. FOTOGRAFÍA: FÉLIX MONTI. DIRECTOR: JUAN JOSÉ CAMPANELLA. DURACIÓN: 126 MINUTOS. CALIFICACIÓN “EL DIARIO DE HOY”: 10 (EXCELENTE)

Resulta cuanto menos peligroso ir a ver un film que tiene grandes críticas, que está cosechando premios ante jurado que se presente (siempre que este no sea San Sebastián), y que disfruta la recomendación de un “boca a boca” tan efectivo como efectista. Es por eso que confieso mis reparos al ingresar a la sala a ver este film, temiendo una nueva decepción. Pero está claro que esto no sucedió.

La película seduce desde el primer minuto, con esos fragmentos aparentemente inconexos que nos ofrecen insuficientes pistas de lo que vamos a comenzar a ver. La cinta, a través de constantes flashbacks, cuenta la historia de Benjamín Espósito, un perito mercantil que trabaja de secretario en un Juzgado de Instrucción de la Ciudad de Buenos Aires, y que recién retirado, decide escribir una novela basada en un caso que lo conmovió y marcó veinticinco años atrás. Caso del cual fue testigo y protagonista. Su obsesión con el brutal asesinato acontecido en 1975, lo empuja a revivir los hechos, trayendo al presente no sólo lo descarnado del delito, o la imagen perturbadora del delincuente, sino también su particular relación con Irene, su jefa en el juzgado, interpretada por una brillante Soledad Villamil.

En la oficina también trabaja “Sandoval”, el personaje que esculpió Guillermo Francella, componiendo a un alcohólico lejos de los clichés burdamente edificados en esa clase de papeles. A decir verdad, el encasillamiento al que se entregó el capocómico argentino, le recortó la posibilidad de crecer como un actor capaz de abordar otros géneros como el drama. Y “El secreto de sus ojos” fue la oportunidad perfecta para él, y cabe remarcar, que no la desaprovechó. Su trabajo, para asombro de muchos (entre los cuales me incluyo), fue tan verosímil como brillante.

Pablo Rago compone al esposo de la víctima, y su perfil, tan denso, complejo y profundo, es mostrado en forma palpable gracias a una interpretación solidísima.

Pero, sin dudas, la historia descansa en dos pilares inexpugnables, que hacen salir a flote con una emoción lacrimal, al presuntuoso guión. Claro está, que inclinarse por Ricardo Darín lejos está de ser una apuesta. El actor argentino demostró en innumerables oportunidades (El hijo de la novia, también dirigido por Campanella; Nueve Reinas, El aura y tantas otras) su capacidad actoral, y esa extraña habilidad que tiene de hacer creíble cualquier personaje. Algo que, en particular, me sucede siempre con Dustin Hoffman. Darín está en esa dirección.

Lo de Soledad Villamil, a pesar de su experiencia (No sos vos, soy yo; Un oso rojo; La vida según Muriel), sí evidencia ribetes de apuesta. Sin embargo la química que establece con su par masculino, crea un clima de tensión sexual constante, de misterio, de nostalgia, de amor prohibido, que le aporta una gran cuota de frescura al film.

En definitiva, el equipo de actores elegidos por Juan José Campanella (El Hijo de la novia, Luna de Avellaneda), se muestra monolítico y eficaz. Si hasta el humorista, José Luis Gioia dibuja un papel serio y acorde al resto del elenco, en un lauro que le pertenece más que nada al director, que logra contar una historia diferente a aquellas que nos tenía acostumbrado. Alejado de la sensiblería y la emoción fácil de sus antecesoras (no por esta crítica aquellas dejan de ser buenas películas), decide jugársela en un terreno que pudo haber significado una barrera demasiado alta para sus intereses.

El Secreto… es un drama profundo, una apuesta a los sentimientos más radicales, con el contexto político latente (plausible la decisión de no dejarse ganar por la problemática local por esos años, aunque sí se aprovechó para enmarcar la historia). Es también un collage de situaciones que se van engarzando cuidadosamente a lo largo de veinticinco años, para desembocar en un desenlace brillante, que dejará pasmado al espectador. También es un film de mensajes subliminales constantes. Mi intención no es contar la historia pero cómo no destacar el apunte dejado en la mesita de luz diciendo “TEMO”, y todo lo que ello implica en el personaje encarnado por Darín. O, en las escenas culminantes, el “dígale que al menos me hable” disparado por uno de los coprotagonistas, me parece una de las frases más espectaculares en la historia del cine argentino, demostrando que para torturar a una persona, no puede haber arma más letal que la palabra (o en este caso la ausencia de ella).

La manufactura también es impecable, en la concatenación de las escenas surgidas de los flashbacks, y en registros técnicos envidiables. La toma panorámica y de acercamiento que se hace del estadio Tomás A. Ducó de Huracán, es excepcional y digna de una clase de cine. En definitiva, yo creo que si este film hubiera sido rodado en Estados Unidos y en lugar de Ricardo Darín estaría, efectivamente, Dustin Hoffman; en lugar de Soledad Villamil, Merryl Streep; y por Francella hubiera actuado Al Pacino, sin dudas sería una cinta candidata al Oscar a la Mejor Película del Año, y esos tres papeles se llevarían los tres máximos galardones a la interpretación.

Pero claro, desafortunadamente… perdón, afortunadamente fue rodada en Argentina, y no sabemos si la Academia del país del norte será capaz de apreciar la artesanía que Campanella y su equipo, fueron capaces de rodar en este perdido país sudamericano.

Para quienes estén estudiando cine, para quienes estén transitando los primeros pasos en el séptimo arte, o simplemente para quienes metan la mano en su bolsillo y encuentren diez pesos, no lo duden un solo instante. Inviértanlos en un pasaje a la emoción. O simplemente, en una muestra casi gratis, del mejor cine en estado puro.

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CINE. “TAN SÓLO UN INSTANTE”: EN UN MINUTO PUEDE CAMBIAR TU VIDA

TÍTULO ORIGINAL: WINGED CREATURES (FRAGMENTS). EN ARGENTINA: TAN SÓLO UN INSTANTE. PAÍS: EE.UU. DURACIÓN: 95 MIN. AÑO DE PRODUCCIÓN: 2008 (ESTRENO EN 2009). GÉNERO: DRAMA. CALIFICACIÓN: PM/16. GUIÓN: ROY FREIRICH. FOTOGRAFÍA: ERIC ALAN EDWARDS. DIRECTOR: ROWAN WOODS. REPARTO: KATE BECKINSALE, DAKOTA FANNING, GUY PEARCE, FOREST WHITAKER, JEANNE TIPPLEHORN, EMBETH DAVIDTZ, JENNIFER HUDSON, JACKIE EARLE HALEY, JOSH HUTCHERSON, MARSHALL ALLMAN Y ELENCO. CALIFICACIÓN “EL DIARIO DE HOY”: 5.50 (DISCRETA)

La línea argumental del film no es original aunque ha dado buenos dividendos en la industria del cine. Un grupo de personas, ajenas entre sí, establecerán una particular relación al sobrevivir de un tiroteo en un restaurante de Los Ángeles que los encontró al momento de la tragedia.

Si bien el disparador de la película es muy interesante, el novato Rowan Woods no logra imprimirle el ritmo dramático que la cinta necesitaba. Los baches abundan, los mensajes subliminales no fueron bien marcados y las prestaciones interpretativas son desparejas.

En el reparto nos encontramos con un gran trabajo (una vez más) de Dakota Fanning (¡qué obsesión con hacer estos personajes tan sufridos!), que es una adolescente que pierde a su padre y se vuelve fanática de la religión; un adolescente amigo de la chica que exterioriza su trauma con el silencio (una apagada labor de Josh Hutcherson); un médico desbordado psicológicamente que busca desesperadamente salvar a alguien (un correctísimo Guy Pearce); y un jugador compulsivo que entenderá su “suerte” en la tragedia como una nueva excusa para seguir apostando (un inverosímil Forrest Whitaker en una de las performances más flacas que le he visto).

Pero sin dudas, la labor que se muestra más brillante (a pesar de la solidez de Fanning), es la de Kate Beckinsale, que hace de una camarera que se muestra ajena al mundo y que no puede lidiar con su pobre bebé que no la deja dormir debido a su falta de atención. A Beckinsale ya la había apreciado en “Nada más que la verdad” y debo remarcar que sus actuaciones nos vienen regalando ribetes interesantísimos que tarde o temprano la encontrarán con un gran premio entre sus manos.

Es así que, en lo desparejo de sus interpretaciones se puede encontrar una de las causas de por qué “Tan sólo un instante” no termina de seducir al espectador. Pero la principal razón es la endeblez del guión en plantear relaciones incompletas entre los protagonistas (para ver una obra maestra en “telaraña de relaciones” por favor ver la ganadora del Oscar, Vidas Cruzadas). Hay algunas mini historias bien contadas, como la de Fanning y Beckinsale, pero las restantes no terminan de definirse y la pretensión básica de emocionar y hacer razonar al espectador, se queda a mitad de camino.

La película en sí, es oscura, densa, opresiva, y éste clima no cambia en todo el trayecto del film. Todo este cóctel, anteriormente descripto, desemboca en una propuesta despareja que acierta en algunas interpretaciones pero se pierde en una llamativamente fallida dirección.

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ESTRENO. “DESAFÍO”: LA RESISTENCIA DE LOS HERMANOS BIELSKI

TÍTULO ORIGINAL: DEFIANCE. EN ARGENTINA: “DESAFÍO”. AÑO: 2009. PAÍS: EE.UU. DURACIÓN: 137 MIN. GÉNERO: BÉLICA, DRAMA, HOLOCAUSTO. MÚSICA: JAMES NEWTON HOWARD. FOTOGRAFÍA: EDUARDO SERRA. GUIÓN: EDWARD ZWICK, CLAY FROHMAN (LIBRO: NECHAMA TEC). DIRECTOR: EDWARD ZWICK. REPARTO: DANIEL CRAIG, LIEV SCHREIBER, JAMIE BELL, ALEXA DAVALOS, ALLAN CORDUNER, MARK FEUERSTEIN, MIA WASIKOWSKA, GEORGE MACKAY, IBEN HJEJLE, ALLAN CORDUNER, TOMAS ARANA, JODHI MAY. CALIFICACIÓN “EL DIARIO DE HOY”: 7.50 (BUENA)

A decir verdad, ver una película filmada por Estados Unidos, y su industria “hollywoodense” sobre la Segunda Guerra Mundial, y especialmente, sobre el Holocausto Nazi, a veces da un poco de comezón. Sin embargo, y para mi grata sorpresa, me encontré con una cinta de impecable factura, con una historia basada en hechos reales (sobre la investigación que derivó en el libro de Nechama Tec y dirigida por Edward Zwick, responsable de Diamante de Sangre y El último samurai), con actuaciones sólidas, una banda de sonido interesantísima y una fotografía muy cuidada y presentada sólo para entendidos. Los planos cortos, así también, como los panorámicos en el caso de las escenas de acción, fueron una delicia para el espectador.

Pero… ¿de qué trata Desafío? Es la historia de tres hermanos judíos (los Bielski) que logran escapar de una muerte segura y se refugian en los frondosos bosques de una Bielorrusia ocupada. Allí comienzan una desesperada lucha por sus vidas contra los nazis. Los hermanos pelearán por sobrevivir, en una forma concreta de vengar las muertes de sus seres queridos. Así, ese pequeño grupo de personas se fue convirtiendo en miles de seres humanos con un mismo objetivo. Niños, mujeres, ancianos, embarazadas, dispuestos a arriesgarlo todo por al menos un instante de… libertad.

El film, como era de esperar, nos describe una de las caras más crueles y crudas de la guerra. El dolor inconmensurable por las pérdidas de los afectos, el hambre, las enfermedades, la desolación, la esperanza, las ansias de liberación, el odio, y el amor, se nos presentan en dosis apropiadas edificando una historia que nos atrapa y entretiene.

En el reparto, obviamente sobresale Tuvia Bielski, (Daniel Craig, 007 Casino Royale, 007 Quantum of Solace, Invasores, La Brújula dorada), al que cuesta verlo (por su apariencia) como un judío. Incluso, con grandes inconvenientes para hablar ruso (aprendió sólo su fonética), logra mantener escenas de diálogos muy fuertes, y le brinda a su personaje el carácter y la fuerza interior que necesita para llevar a cabo esta misión casi “imposible”. Zus Bielski (Liev Shreiber, X-Men Orígenes, El amor en tiempos de cólera, Kate & Leopold), el hermano de Tuvia, es su contrafigura en todo sentido, también en el guión. Dos hermanos que se llevan pésimamente, pero que en el foro más íntimo están unidos por el dolor y la sed de revancha. El hermano menor de los Bielski fue interpretado por un crecidito Jamie Bell (aquel eximio bailarín de Billy Elliot), en una actuación sólida que lo posiciona muy bien de frente a la elección de los próximos papeles.

En definitiva, el film llena varios de los casilleros para recibirse de una buena película, aunque se le puede achacar la ausencia de un hilo conductor, o historia principal que mueva a la emoción incontenible. Sí, tiene algunos momentos bien logrados, como por ejemplo la contraposición de dos episodios ferozmente disímiles como lo fueron el casamiento del pequeño Bielski, y el ataque de Zus a una pequeña tropa de nazis. El amor por un lado, y la sangre por el otro, todo matizado con una banda de sonido que se apodera del recinto y nos transporta a uno de los instantes metafóricos más relevantes de la película.

“Desafío” es una cinta totalmente recomendable pero que se muestra bastante permeable a algunas objeciones entendibles y repetidas que solemos tener sobre este género en particular.

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CINE DE COLECCIÓN. “UNA MENTE BRILLANTE”: LAS ALUCINACIONES DE UN GENIO

TITULO ORIGINAL: A BEAUTIFUL MIND. EN ARGENTINA: UNA MENTE BRILLANTE. AÑO: 2001. PAÍS: EE.UU. GÉNERO: DRAMA, BIOGRAFIA. GUIÓN: AKIVA GOLDSMAN. MÚSICA: JAMES HORNER. FOTOGRAFÍA: ROGER DEAKINGS. DIRECTOR: RON HOWARD. DURACIÓN: 130 MIN. REPARTO: RUSSELL CROWE, JENNIFER CONNELLY, ED HARRIS, PAUL BETTANY, ADAM GOLDBERG, CHRISTOPHER PLUMMER, JUDD HIRSCH, JOSH LUCAS, ANTHONY RAPP Y ELENCO. CALIFICACIÓN “EL DIARIO DE HOY”: 10 (EXCELENTE)

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Con este film inauguro una nueva sección en “EL DIARIO DE HOY”. Me parecía que al margen de los estrenos, de las películas contemporáneas, era justo que les volcara mi opinión acerca de las grandes obras filmadas en las últimas dos décadas. Es cierto, son muchas las cintas que merecen el calificativo de “imperdible” o “excelente” y seguramente me llevará mucho tiempo hacerme de una “ciber cineteca” (si se me permite el término), para poder compartir con los lectores de este blog.

Pero qué mejor que comenzar con “Una mente brillante”, film que ganó el Oscar a la Mejor Película en el 2001, junto con otros tres lauros (mejor actriz de reparto y guión adaptado entre otros), y 4 Globos de Oro (mejor película, actor, actriz y guión). Pero más allá de los premios (no siempre los largometrajes premiados son tan buenos), vale la pena repasar de qué trata la cinta.

El genial matemático John Forbes Nash (Crowe) descubrió una teoría cuya aplicación revolucionó varios campos de la ciencia, pero su prodigiosa mente también “le causó” una terrible enfermedad. Su obsesión de estudiante era encontrar una idea matemática original. Así fue como el excéntrico Dr. Nash alcanzó un descubrimiento increíble que lo hizo famoso en todo el mundo. Pero su impactante ascenso sufrió un drástico cambio cuando su mente fue atacada por la esquizofrenia.

Con este reto a sus espaldas, Nash luchó desesperadamente por recuperarse con la inconmensurable ayuda de su esposa Alicia (Connelly), con quien luego de varias décadas de sufrimiento, logró superar su tragedia y recibir el premio Nobel del año 1994.

Es indudable que la película no fue capaz de incluir en su historia todos los logros y avatares de Nash (sería casi imposible describirlo en dos horas), y con ello, quizá el film perdió un poco de valor histórico. Pero esto es espectáculo (“Showbusiness, baby!”), y lo que Ron Howard (Ángeles y Demonios, El código Da Vinci, Apollo 13, Luchador) buscó cristalizar, lo logró con creces. Pero para ello, contó con un elenco híper estelar, que confluyó en esta historia para darle el brillo que todos esperaban. Es más, creo que las flaquezas que pudiera tener este film, son salvadas por las insuperables interpretaciones que brindan sus actores.

La labor de Russell Crowe es descollante, creando un personaje único, muy complejo, con muchos vericuetos mentales que necesitaba plasmar en la pantalla (pero que no era nada sencillo hacerlo). Sin embargo Russell lo fue tallando de a poco, y llegó a un resultado envidiable. Su performance es cuanto menos emocionante y uno no comprende cómo la Academia no le dio el Oscar por esta actuación, siendo una prestación muy superior incluso que la brindada en Gladiador (2000) cuando sí lo reconocieron con la estatuilla. Son las cosas inentendibles de Hollywood. Pero remarco, pocas veces una actuación individual le brinda el lustre inconmensurable que Crowe logra adosarle a “Una mente brillante”.

Sin embargo, Russell no está solo. Jennifer Connelly (Simplemente no te quiere, Diamante de sangre, Réquiem para un sueño) elabora a una esposa sumamente devota pero terriblemente terrenal. Que se replantea sus principios y los por qué de su inquebrantable fidelidad hacia un hombre que perdió la razón.

Ed Harris (Me llaman Radio, Un hombre violento) demuestra que es un excelente actor de reparto y Paul Bettany (El código Da Vinci, Firewall, Wimbledon, Dogville) es el responsable de una actuación solidísima, terminando de conformar un grupo actoral tan granítico como espléndido.

En definitiva, quizá a nivel del ritmo cinematográfico, o del respaldo histórico del film, “Una mente brillante” ofrezca algunos baches. Sin embargo la historia es tan original y las interpretaciones (muy en especial de Russell Crowe) son tan espectaculares, que es imposible no calificar la película con el puntaje máximo. De visión imprescindible.

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EXCLUSIVO. ADELANTO. “EL SOLISTA”: EL DÚO PERFECTO

TÍTULO ORIGINAL: THE SOLOIST. EN ARGENTINA: EL SOLISTA. PAÍS: EE.UU. AÑO: 2009. GÉNERO: DRAMA, BIOGRAFIA. DURACIÓN: 117 MINUTOS. GUIÓN: SUSANNAH GRANT (SOBRE LIBRO DE STEVE LÓPEZ). DIRECTOR: JOE WRIGHT. REPARTO: JAMIE FOXX, ROBERT DOWNEY JR., CATHERINE KEENER, STEPHEN ROOT, ROBYN JEAN SPRINGER, TOM HOLLANDER, LISA GAY HAMILTON. FECHA PROBABLE ESTRENO EN ARGENTINA: 25 DE SETIEMBRE. CALIFICACIÓN “EL DIARIO DE HOY”: 7 (ACEPTABLE)

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Esta es la historia verdadera de Nathaniel Anthony Ayers, un talentoso violinista que en su segundo año de conservatorio sufrió el desarrollo de una esquizofrenia que lo dejó viviendo en la calle.

Allí fue descubierto por Steve López, un columnista del diario Los Angeles Times, que sacó a la luz su historia, y lo hizo famoso hasta hacerlo tocar en el Disney Concert Hall.

Para contar esta simple historia, el director Joe Wright (Expiación, deseo y pecado) eligió a dos de los mejores actores del mundo que estaban a disposición. Robert Downey Jr. (Chaplin, Iron Man) le da vida al periodista con una suficiencia admirable, componiendo un personaje querible y terrenal, aunque cuesta aceptar que una persona llegue a los límites que esta arriba por esta amistad que se fue transformando en obsesión. En tanto, al músico lo interpreta el gran Jamie Foxx (Collateral, Ray) que a pesar de querer remarcar demasiado su perfil esquizofrénico, logra vender con total solvencia al personaje y el espectador “siente” realmente que está viendo en acción a una persona que padece esa enfermedad.

Con esos ingredientes, algún desprevenido sentirá que verá una gran historia que quizá sea candidata al Oscar. ¿Por qué pensar eso? Pues el film es protagonizado por dos actores de peso, cuenta la biografía de uno de ellos que sufre una enfermedad mental que lo imposibilita pero que a la vez es poseedor de un gran talento (¿Algún parecido a “Una mente brillante”, quizás?).

Sin embargo, la química que debe darse para el logro de un GRAN film no se concreta debido a algunas deficiencias propias del guión y el ritmo que éste impone. Cansino, lento, moroso, abúlico por momentos, hace que el interés se disperse y las grandes interpretaciones no logren por sí solas mantener en sintonía al espectador.

Una pena, más sabiendo que el film fue dirigido por el gran Joe Wright que ya nos ha regalado un par de perlas como la ya mencionada “Expiación…” y “Orgullo y prejuicio”. Uno siente que estaban dados todos los ingredientes para disfrutar de una gran película, pero lastimosamente a medida que la cinta va avanzando va perdiendo el interés. Sin embargo, logramos rescatar las dos grandes actuaciones centrales (en especial de Foxx) y el tema que periféricamente trata la historia acerca de la enorme cantidad de personas sin techo que existe en Estados Unidos y específicamente en Los Angeles, exponiendo el lado más crudo de la crisis económica que envuelve al mundo por estos días.

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CINE. “LA DUDA”: ENTRE EL CIELO Y EL INFIERNO

TÍTULO ORIGINAL: DOUBT. EN ARGENTINA: LA DUDA. PAÍS: EE.UU. GÉNERO: DRAMA. AÑO: 2008. DURACIÓN: 104 MINUTOS. ELENCO: MERYL STREEP, PHILIP SEYMOUR HOFFMAN, AMY ADAMS, VIOLA DAVIS, ALICE DRUMMOND, AUDRIE NEENAN, SUSAN BLOMMAERT, JHON COSTELLOE, LLOYD CLAY BROUWN. GUIÓN: BASADO EN LA OBRA DE JOHN PATRICK SHANLEY. FOTOGRAFÍA: ROGER DEAKINGS. VESTUARIO: ANN ROTH. DIRECCIÓN: JOHN PATRICK SHANLEY. CALIFICACIÓN “EL DIARIO DE HOY”: 8 (BUENA)

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Este film es la versión cinematográfica de la aclamada obra teatral homónima de John Patrick Shanley. La historia está situada en 1964, poco antes del asesinato de JFK, en una parroquia de St. Nicholas en el Bronx, donde oficia de cura el carismático padre Flynn (Seymour Hoffman).

El cura quiere cambiar las estrictas normas del colegio, que en los últimos años han sido ferozmente salvaguardadas por la hermana Aloysius Beauvier (Meryl Streep), una directora con mano dura que cree que el mejor camino para los estudiantes es el de la disciplina sin concesiones. Como consecuencia de los vientos de cambio que el padre Flynn quiere instaurar, se decidió el ingreso del joven de piel negra Donnald Miller. Pero cuando la inocente y perturbada hermana James (Amy Adams) le comenta a la directora que el padre Flynn pone “demasiada atención” en Donald, Aloysius comienza una cruzada contra el cura, con el fin de derrumbar los secretos tras las paredes de la parroquia, en una decisión que hará cambiar para siempre la vida de los habitantes del St. Nicholas.

La obra teatral original fue ganadora de un premio Pulitzer y su adaptación al teatro de un Premio Tony, debido a la excelencia de su guión.

Sin dudas, y justamente en estos tiempos tan complicados para la Iglesia contemporánea, es de extrema actualidad el tema que trata el film. Una película cruda, asfixiante y desafiante de las normas éticas y morales que maneja la Iglesia en la actualidad. Sin embargo, y a pesar del peso propio que maneja el guión por sí solo, las estrellas de la cinta son sin dudas sus protagonistas.

El póker de actores que llevan adelante la historia es de primer nivel y todos ellos han sido merecedores de sendas candidaturas al Oscar en febrero de este año. El duelo actoral que establecen Phillip Seymour Hoffman (Truman Capote, Antes que el diablo sepa que estás muerto) y Meryl Streep (Los puentes de Madison, Cosas que importan), es extraordinaria. La alocada carrera que emprende Aloysius Beauvier contra el padre Flynn es tan trepidante como el escabroso matiz que ambos llegan a darle a sus personajes. Un placer verlos en acción, ellos solos valen la película.

Sin embargo no son los únicos. Amy Adams (Atrápame si puedes) le da a la hermana James un perfil tan inocente y una personalidad tan dual como desconcertada, que logra mimetizarse con el pensamiento del espectador acerca de la duda que genera en ella la situación que se nos plantea. Y finalmente, debemos sacarnos el sombrero para destacar la labor de Viola Davis (Noches de tormenta) como la Sra. Miller, quien en una participación que no dura más de seis minutos, le alcanza y sobra para componer a una madre atormentada y decidida, que conmueve y espanta a la vez.

Al film, altamente recomendable, sólo podría achacársele el tufillo a obra de teatro que sin dudas destila, y quizá un final demasiado abrupto. Es como si le hubiera faltado el remate final a la historia. Sin embargo, en el espectador deja el sentimiento que quería impregnarle: el de la duda. Y con ella, el hecho de poder polemizar entre nosotros más allá de la aparición de los créditos finales.

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