Sara Facio
En el día del Artista Plástico y el Fotógrafo, las palabras de Sara Facio
Una de mis varias lecturas personales, además de recomendar a mis alumnos que vienen a tomar clases de fotografía es Sara Facio, fotógrafa, curadora, crítica, editora y más, que decir sobre Ella, seria poco, además mucho se ha dicho en estos días con la muestra retrospectiva que tuvo lugar en el Centro Cultural Recoleta, ahora con la muestra que se presenta en el Museo Nacional Bellas Artes, con la Colección Rabobank, ya que Ella fue quien creo y dirigió la galería y el patrimonio de MNBA sobre fotografía, como les contaba al principio, Sara Facio publicó varios libros con su sello editorial La Azotea, no son sólo libros de fotos muchos de ellos son ensayos, recopilación de textos que Ella escribió para varios medios por eso voy a transcribir algunos de esos textos que en lo personal me parecen interesantes para compartir con Ustedes.
Fragmentos del libro “Encuadre y Foco”
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“En los últimos años asistimos a un renacer de la fotografía que es utilizada por los artistas plástico como una herramienta más. Esos artistas no son fotógrafos, pero hace uso de la fotografía. Es válido, tienen toda la libertad de hacerlo.
Los fotógrafos en cambio nos expresamos desde la fotografía. Desde el conocimiento técnico e histórico, desde la pasión por la cámara y el laboratorio. Desde el placer de oler el ácido acético o el hiposulfito. Esa pasión por el mundo total de la fotografía en lo técnico, tecnológico, químico, ese amasar y entremezclar, mirar, mirar y mirar es lo que nos hace fotógrafos y al algunos sólo a algunos, les permite producir arte fotográfico.”
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“En mi dura tarea de recibir aspirantes a exponer en espacios públicos podría llenar varias páginas transcribiendo sus disparatadas pretensiones. La más recurrente es la de quienes desconocen la historia, la evolución, las modas y creen, por ejemplo:
Que son los primeros en ver formas humanas en los árboles.
Que son los primeros en observar las sombras proyectadas.
Que son los primeros en fotografiar el Carnaval de Venecia.
Finalmente, el tercer punto del que habla Gisele Freund, es referente a la cultura general y visual que debe tener un fotógrafo serio. Es un punto sobre el que no se habla lo suficiente. Muchos lo creen irritante, otros hasta discriminatoria. Sin embargo, es elemental saber que cada materia tiene sus reglas propias y es necesario entender cómo se insertan en la cultura general.”
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“¿Por qué los grandes fotógrafos -usted incluida- usan sólo blanco y negro?
Siempre respondo lo mismo y siempre me miran como si nunca lo hubieran observado. Porque la vida es en color.
La primera manera que tiene el fotógrafo de diferenciarse de la realidad o de no reflejarla mecánicamente, sino de forma subjetiva, es usando el blanco y negro.
Nada más lejos de lo real que el blanco y negro. La negación del color es la primera rebelión del fotógrafo.
Los aficionados, en cambio, sólo toman color. Les parece maravilloso lo que les ofrece Kodak.
En mi caso, hasta pinto mis fotos con colores de marcador, falsos, arbitrarios, porque me niego al colorido programado por la fábrica.”
Fragmentos del libro “La fotografía en la Argentina”
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“Si bien esa dictadura que involucró el terrorismo de Estado comenzó en 1976, la tragedia argentina se inició en 1966, cuando cayó el gobierno constitucional de Arturo Illia.
Tomó el poder el general Onganía, y su gobierno prohibió una exposición de fotografías en el Museo de Arte Moderno, simplemente porque el escritor Julio Cortázar, que criticó en París el golpe militar, era el autor del texto del libro Buenos Aires Buenos Aires”
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“En 1935, le pidieron que produjera las fotos para las carátulas de la popular revista Radiolandia, y lo siguió haciendo durante cuarenta años, cada semana. En 1947 le solicitaron una foto color para la tapa, en ocasión de publicarse el número mil de la revista. Annemarie Heinrich (de la actriz Zully Moreno) con una placa-dispositivo Kodak, tamaño 10 x 12.”
Fragmentos del libro “Leyendo fotos”
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“En nuestra ciudad, hoy , una muestra de imágenes sobre las recientes inundaciones, que contaba con el auspicio de la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires, fue destruida por manos anónimas. No era una muestra contra ningún sector o sistema. Era un documento sobre una tragedia nacional. ¿Qué pudo motivar a los depredadores? recordamos a los matones de la industria japonesa que rompieron los huesos de W. Eugene Smith por el solo hecho de publicar un libro: Minamata, imágenes sobre las enfermedades que contraen los seres humanos y animales domésticos expuestos a los residuos contaminados de las fábricas de esa ciudad. El trabajo histórico -en m´s de un sentido- de Smith, no fue permitido y no pudo ser mostrado, quizás por aquello de que lo que no se ve, no existe.”
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“En Londres, sin embargo, una señora tomaba fotos a célebres personaje de la cultura de manera “diferente”. Quería hacer esos retratos que hoy llamamos “psicológicos”. Quería llegar al alma del personaje y se acercaba tanto al modelo que creó el Primer Plano, el close up y también el flou. En realidad el flou se debía al apasionamiento de la fotógrafa. El punto de interés en general se evadía del campo focal de la cámara porque quería, literalmente, meterse dentro del personaje.
Julia M Cameron no fue un fotógrafo más. Fue una creadora de sensibilidad apabullante y una de las primeras de demostrar que la personalidad del fotógrafo podía -y debía- superar la fría técnica de la cámara y la óptica que tanto daba que hablar a sus colegas.”
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“Por razones de trabajo viajó a Estados Unidos y a raíz de la guerra debió prolongar involuntariamente su estadía. Comenzó así sus calvario. Se sintió humillado ante la falta de comprensión de los editores. Estaban en plena guerra y era el auge del estilo periodístico que impuso la revista Life. Fotos agresivas en al toma y con el sello de una nueva tecnología electrónica a la que kertész jamás adhirió: fue fiel a sus estilo. Pero su resentimiento persistió hasta el fin de su vida. Miramos las fotos de esta etapa y se enoja como un anciano cascarrabias. Despótica contra aquellos editores y ese estilo: “¿Ve esta foto? -nos pregunta ante el “Tulipán melancólico” (1939)- Es mi autorretrato. Ése era mi estado de ánimo entonces”. Como si el tulipán lo escuchara, al volverse el maestro, el marco se cae en el piso del museo. Kertész ríe pícaramente. “se está expresando” -acota y luego, dirigiéndose a los obreros: “Trátenlo con cariño, es parte de mi vida”.
Fragmentos de la entrevista que salió publicada en la última edición en papel de la Revista Fotomundo, Julio 2012
“¿Siempre peleaste por el derecho de autor?
Todavía sigo luchando, empezando por el Museo Nacional de Bellas Artes donde armé la colección fotográfica. En los 15 años que estuve en la Secretaría de Cultura, he hablado con cada uno de los muchos abogados del departamento legal y no llegan a nada, no entienden lo que es el derecho de autor. Hay una Ley de derecho de autor que dice que es intransferible.
Por ejemplo, el Museo quiere que los autores que donan sus fotos a la colección cedan el derecho de autor y eso es ilegal. yo inventé una fórmula clarísima que dice que el museos (o quien sea) puede publicar las fotos de su colección, citando el nombre del autor, sin pedirle autorización siempre y cuando sean publicaciones institucionales. Pero no pueden dar esa foto para una nota periodística o para un aviso publicitario, comercial. Si pongo una foto de Salgado en la tapa del catálogo del Museo está todo bien, pero si esa obra la utiliza Coca-Cola para un aviso, Salgado tiene que cobrar por el uso de esa imagen. Es algo tan claro….
Todavía hay empresas que no lo entienden. Yo le gané un juicio al diario Ámbito Financiero -que hasta hoy no publica ninguna foto mía- porque tomaron unas fotos sin mi permiso y, sin poner mi nombre, llenaron Buenos Aires con afiches de un nuevo producto que sacaban. No lo nombro porque no lo voy a promocionar….Hablé por teléfono para decirles que les iba a pasar la factura y me dijeron que ni me molestara, porque no iban a pagar. Así de fino….les mandé el abogado.
Hay muchas cosas que se hacen mal. También hay muchos fotógrafos que quieren cobrar por la publicación de sus fotos más de lo que corresponde. Y también hacen juicios que nos son claros.”
“¿Fotógrafo o artista visual?
Un artista visual es el que hace una obra valiéndose de todo tipo de técnica, porque lo que le interesa es el contenido de su obra y la propuesta estética. Hoy, como la fotografía está de moda, usan soporte fotográfico pero eso no quiere decir que sean fotógrafos. Es un artista visual el que hace una puesta en escena, inclusive ni siquiera saca la foto, la hace un fotógrafo que tiene una técnica buena.
Hace más de treinta años Marta Minujín hizo fotos murales escenificando obras de arte clásicas. Ella no apretó el disparador, porque no sabía ni como se tomaba una cámara. Esa es una creación de una artista visual.
El fotógrafo tiene conocimiento de la fotografía, de sus historia, su técnica, su trayectoria y quiere expresarse con ese medio.”
Stella Maris Leone Geraci
Artista Plástica – Fotógrafa
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