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Agosto 31, 2010 | Por mpumar | Claves: arte argentino, arte contemporáneo, Facultad de artes y ciencias de la conservación, Jornadas Artes en Cuestión, Kekena Corvalán, mercado del arte, mujeres artistas, Sebastián Russo, UMSA | # Enlace permanente
UMSA
Facultad de Artes y Ciencias de la Conservación
II Jornadas de Investigación
“Artes en Cuestión”
20 de agosto de 2010
De 15 a 22 hs
Programa
De 15 a 18 hs:
- El artista como figura chamánica. Federico Dedionigi (Alumno 4º Año Artes Visuales UMSA).
- La desmaterialización del cuerpo a través de la red. María del Carmen Pumar (Lic. Artes Visuales UMSA).
- Arte, talento y autoridad cultural en el mercado. Daniela Zattara. (Tesista de grado Curaduría e Historia del Arte UMSA).
- Mauricio Ianés y los desafíos de la estetica relacional, Adriana Almeida. (Docente UMSA)
- Taller extracurricular de escritura de tesis. Exposición de casos. Facultad de Ciencias y Artes de la Conservación, UMSA.
- NORMA, entre el Clasicismo y el Romanticismo. Claudia Guzmán (Lic. en Música UCA / Alumna Tecnicatura en Curaduría e Historia del Arte, UMSA).
- La construcción de la figura del artista en los documentales “Espejo para cuando me pruebe el smoking” y “Pulqui, un instante en la patria de la felicidad” de Alejandro F. Mouján, Celina Marco (Tesista de grado Curaduría e Historia del Arte UMSA).
De 18 a 22 hs.
- Catalogación de la colección de arte africano del Dr. Hipólito Barreiro. Mauricio Klau (Alumno Artes Visuales, UMSA).
- El grotesco como discurso crítico y la parodia como operación retórica en la obra de Pablo Suárez. Alicia Perera. (Tesista de grado Curaduría e Historia del Arte UMSA).
- ARN. Luciana Pia Faccini. (Tesista de grado Artes Visuales UMSA).
- Arte sin Techo. Lucía Miranda. (Alumna Curaduría e Historia del Arte, UMSA)
- Artistas mujeres, un recorrido. Gabriela Felitto Müller (Lic. Curaduría e Historia del Arte, UMSA), Florencia González (Lic Ciencias de la Comunicación, UBA), Gabriela Borelli Azara (Lic. en Letras, ULZ), Kekena Corvalán (Docente UMSA).
Presentación del primer número de la revista
DesOrdenes
-arte y sociedad-
Editada por un grupo formado por docentes y alumnos de la UMSA.
DesOrdenes es una revista/objeto intervenida por el Grupo de Arte “Detergente”.
Numero 1: dedicado a la Interpretación
Mesa de cierre:
La interpretación en el arte.
Participan Lorena Verzero. (Doctora en Historia y Teoría de las Artes UBA. Directora Revista Afuera, Estudios de Crítica Cultural)
Sebastián Hernaiz. (Docente FFyL -UBA- / IUNA. Responsable Revista El Interpretador)
Eugenia Gaudio. Artista plástica. Integrante grupo de arte Detergente
Sebastián Russo. Lic. Sociología de la Cultura. Docente UMSA / UBA. Co-director Revista DesOrdenes – Arte y Sociedad
Guadalupe Neves (Docente UMSA)
Junio 11, 2010 | Por mpumar | Claves: arte, arte argentino, arte contemporáneo, arte gráfico, artistas emergentes | # Enlace permanente
Ernesto Sábato, por Antonio Berni
En estos días, estuve releyendo algunos libros que quizás por distracción , quizás por la propia tensión de tener que asumir alguna posición, los tenía en un rincón esperando que me decidiera a retomarlos…
Este Blog nació a partir de un propio cuestionamiento: que significa ser artista?, esperando respuestas que tal vez nunca lleguen?!….
Un texto de Ernesto Sábato refiriéndose al arte y Antonio Berni en particular y de modo universal al “arte” y al “artista” me hizo repensar donde, tal vez utópicamente, aspiro a estar parada!…
Los invito a compartirlo y a provocarlo:
Ramona Montiel, Texto de Ernesto Sábato (*)
“Mala cosa cuando un cuadro puede juzgarse en sí mismo, por puras consideraciones de color o forma, cuando (por así decirlo) no nos obliga a enjuiciar la realidad entera. Porque un arte es una visión del mundo o, de lo contrario, un ejercicio formal sin mayor trascendencia. La importancia de un arte está en relación directa con la cantidad de Universo que trastorna. Y entonces resulta claro que es absurdo valorarlo de modo intrínseco, independientemente de los valores no sólo estéticos, sino también éticos y metafísicos de su tiempo. ¿Cómo prodríamos estimar a Jerónimo Bosch desentendiéndonos de la religión cristiana?¿Y que sentido tendría apreciar a Dostoievsky por puras consideraciones de forma o por estrictas referencias a movimientos literarios?…”
“…En épocas de agotamiento y refinamiento (…) las formas precedentes han sido exhaustivamente exprimidas y retorcidas, y entonces se suele elogiar a los artistas por sus innovaciones técnicas, “estilistas”, especie de masturbaciones de la Nada. No siempre son desdeñables sus adquisiciones instrumentales, sobre todo cuando otros creadores más hondos las ponesn al servicio de sus búsquedas;(…); pero cuidado con elevar estos ingenios juntadores de colores o de palabras a la jerarquía de grandes artistas de su tiempo…”
“Las innovaciones técnicas son por otra parte legítimas cuando responden a una necesidad de fondo, cuando son promovidas por la necesidad de expresión de una nueva realidad… Se comprende: cuándo no hay un “qué” demasiado importante que expresar, el artista se ocupa mucho del “como”. Dicotomía que jamás puede establecerse en el arte verdaderamente grande, donde el contenido es inseparable de la forma…”
“…Una de las misiones del arte, si no la más importante, es despertar a la criatura humana. Misión de índole metafísica, como se comprende. Misión, entonces, específicamente humana, ya que el hombre es el único animal metafísico de la realidad, pues es el único que tiene conciencia de su mortalidad.”
“…Todo arte es social, así, sin comillas; pues es una visión de la realidad. No existe el hombre al estado solitario, y toda conciencia es una conciencia del mundo.”
“…El artista expresa en su obra esa interacción del yo con la realidad externa. (…) El arte es la única actividad del espíritu que es capaz de dar la versión integral de la realidad, ya que la realidad no es puro objeto, sino esa complejísima trama de lo objetivo y lo subjetivo que caracteriza a la existencia humana… El arte resulta no sólo la expresión integral del hombre, sino la única tentativa válida de restaurar la perdida unidad primigenia entre el yo y el universo, entre lo emocional y lo mental, entre lo individual y lo colectivo…”
(*) Antonio Berni. Historia de dos personajes: Juanito Laguna y Ramona Montiel. Telefónica de España S.A. Salas de Exposiciones temporales. Fuencarral, 1. Madrid. 1995
Junio 10, 2010 | Por mpumar | Claves: arte argentino, arte contemporáneo, artes plásticas, artes visuales, artistas, artistas contemporáneos, artistas emergentes, UMSA, Universidad del Museo Social Argentino | # Enlace permanente
Se posponen las II Jornadas “Artes en Cuestion” hasta nuevo aviso. En cuanto tenga la nueva fecha se las haré llegar.
Saludos,
UMSA
Facultad de Artes y Ciencias de la Conservación
II Jornadas de Investigación
“Artes en Cuestión”
11 de junio de 2010
Marzo 20, 2010 | Por mpumar | Claves: arte grabado, grabado, Graciela Buratti, litografia sin agua, OM arte grabado, pablo delfini, Waterless lithography | # Enlace permanente
Diez años de Litografía sin agua.
-9 de Marzo al 4 de Abril -
Imperdible para los amantes del arte y del grabado!
Admirando la obra de Pablo Delfini, junto a Graciela Buratti!
Y…la frutilla del postre, la invitación de Lourdes Pertierra a posar para la foto y por supuesto haber conocido al artista !!!…
Diciembre 11, 2009 | Por mpumar | Claves: escultura, rodin | # Enlace permanente
Cada año prometo cambiar, sin embargo, el mes de diciembre siempre me encuentra acelerada como si estuviera compitiendo en una carrera de fórmula uno. Alcanzar la meta se torna más importante que detener la mirada en el transitar…
Inevitablemente, cada fin de año, se tornan urgencia aquellos rituales tomados respetuosamente de diferentes credos: tirar la casa por la ventana, algo rojo, algo rosa, 12 pasas de uvas, algo nuevo…
Inevitablemente, cada 31 de diciembre, en el momento del brindis y frente a la copa mi mente se obnubila. No puede responder coherentemente… ¡Hay que brindar!… ¡Es hora de pedir tres deseos!… ¡Ya!, en milésimas de segundos porque el viejo año se va y el nuevo espera impaciente por ocupar su lugar… ¡Si no los escribí y memoricé con anterioridad, imposible decidir cuál!… Optaré una vez más por los que se venden en tiendas de todo por dos pesos: ¡Salud, Dinero y Amor!!….
Cada año, se renueva y yo sin participar…
Sin embargo, este año que se va me hizo entender porque brindar…
El 31 de diciembre me encontrará pidiendo que el legado de Rodin se me haga carne y ¡más allá de un simple brindis!… celebraré ni más ni menos que por la Vida misma!… Porque el “…gran punto es conmoverse, amar, esperar, estremecerse, Vivir…” (A.Rodin)
¡Por uds. un brindis!!! y los invito a compartir algunos pasajes del Testamento de Rodin (Testamento de Vida…),
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| Camille Claudel
Busto de Rodin (detalle)
1888
Bronce
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| Jóvenes que quieren ser oficiantes de la belleza, quizá les guste encontrar aquí el resumen de una larga experiencia.
Amen devotamente a los maestros que les precedieron. …La admiración es un vino generoso para los espíritus nobles. Cuídense, sin embargo, de imitar a sus mayores.
…EI arte no es más que sentimiento. Pero sin la ciencia de los volúmenes, de las proporciones de los colores sin la dirección de la mano, el sentimiento más vivo se paraliza.
…¡Paciencia! No cuenten con la inspiración. No existe. Las únicas cualidades del artista son sensatez, atención, sinceridad, voluntad. Realicen su tarea como obreros honestos.
…EI arte no comienza más que con la verdad interior. Que todas sus formas, todos sus colores, traduzcan sentimientos. EI artista que se contenta con la apariencia y quien reproduce servilmente los detalles sin valor no será jamás un maestro.
… No duden jamás en expresar lo que sienten, aún cuando se encuentren en oposición a las ideas establecidas. Puede ser que no sean comprendidos al principio. Pero su aislamiento no durará mucho,..porque aquello que es profundamente verdadero para un hombre lo es para todos.
Los maestros son aquellos que miran con sus propios ojos lo que todo el mundo vio y que saben percibir la belleza de lo que es demasiado común para los otros espíritus. Los malos artistas siempre ven a través de los anteojos de otros.
El gran punto es conmoverse, amar, esperar, estremecerse, vivir. ¡Ser hombre antes que ser artista! …EI verdadero arte se burla del arte.
Amen apasionadamente su misión. No hay en ella más belleza. …EI artista da un gran ejemplo. Adora su oficio: su más preciosa recompensa y la alegría de hacerlo bien. EI mundo sólo será feliz cuando todos los hombres tengan almas de artistas, es decir cuando todos hagan con placer su tarea…
(París, Francia, 1840 – Meudon, Francia, 1917)
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Octubre 1, 2009 | Por mpumar | Claves: arte, arte contemporáneo, artes visuales, artistas emergentes, cultura, dibujo, filosofía, fotografía, grabado, juego, libro de artista, pintura | # Enlace permanente
“¡Pido Gancho!”
Era la forma de pedir una momentánea interrupción en el desarrollo de un juego cuando yo era niña. Decir o gritar “¡Pido Gancho!” implicaba que uno, en el acto, detenía y/o suspendía los efectos y acciones vinculados con cualquier juego del que se estuviera participando. En esta suspensión temporal del tiempo, podía hasta solicitar introducir algún cambio en las reglas del juego. Una vez resuelta la situación se volvía a la normalidad del juego a la voz de “¡Sangre!”…
Mis apuntes en este blog nacen a mediados del año pasado y se congelaron repentinamente a fines del 2008 cuando tuve la necesidad vital de gritar “¡Pido Gancho!”…
Hoy, nuevamente con todos los jugadores en la cancha grito “¡Sangre!”… para reiniciar este juego que bien vale la pena ser jugado!…
Para dar comienzo a esta nueva etapa los invito a conocer parte de la idea y la obra en la que estuve trabajando en estos meses: El cuerpo, su representación y los nuevos medios en donde habita,el ciberespacio.
“Binary Body” (Ver en apartado de Nideaesperoque Obra) es la serie fotográfica (autoretrato) que dió origen a la obra que acompañaría mis ideas acerca de “La desmaterialización de la representación del cuerpo a través de la Red”
Y como siempre sus críticas serán bienvenidas!…
| Por mpumar | Claves: arte, arte contemporáneo, artes plásticas, artes visuales, artistas emergentes, cuerpo, filosofía, fotografía, grabado, net art | # Enlace permanente
“Igual que el agua, el gas y la corriente eléctrica vienen desde lejos a nuestras casas… así seremos alimentados por imágenes visuales y sonidos que acudirán a nosotros y nos abandonarán con una simple seña.”
Paul Valery, Pieces sur l’art. 1934
En la cultura occidental el cuerpo, su representación y los medios en los que fue representado han ido modificándose a través del tiempo.
Con la modernidad el sujeto, inmerso en su cuerpo, asiste al desmembramiento, las metamorfosis y derivas de su identidad. En nuestros días el cuerpo se desdobla, se conforma como prótesis, aparato farmacéutico, quirúrgico, como máquina, red tecnológica, circuito electrónico y mediático, clon, cyborg.
Los artistas acompañaron estas transformaciones, cuestionando como el cuerpo es descrito y concebido, expresando su sentir, su conciliación, resistencia, desacuerdo o desgarro en las figuras humanas representadas a través de diferentes medios, incluso su propio cuerpo. Ahora, en sus ansias de expresarse atraviesan el gel de la pantalla para crear un nuevo cuerpo, un nuevo e-cuerpo en un nuevo hogar, el ciberespacio.
Con el advenimiento de Internet, surge una corriente de artistas que desarrollan específicamente su obra para y por el ciberespacio (obras que no tienen sentido de ser fuera de este nuevo hogar virtual), surgiendo así lo que se ha dado en llamar el net-art. La materia cede frente a la idea.
Con un cuerpo tecnológico e informático, el observador puede ir más allá de su propia frontera corporal con ayuda de prótesis ópticas, táctiles, auditivas, que lo introducirán en un ambiente tridimensional generado por la computadora. Puede atravesar el plasma, navegar a través de la red y perderse en los senderos de su laberinto virtual.
En este nuevo espacio relacional nuestro cuerpo, el cuerpo representado, se convierte en información, en la red somos seres informacionales. Pasa a formar parte de una comunidad textual virtual, ya no hay dimensión física. Su identidad se traduce ahora a través de un nick, un alias, un password. En la red, el cuerpo es la suma y la multiplicación de todos los textos en los que aparece. El cuerpo representado, su densidad, su color, su brillo u opacidad serán combinaciones adecuadas de ceros y unos.
Este nuevo cuerpo cuasi-inmaterializado dentro de la red, se halla transitando ahora por autopistas de información, navegando en un nuevo sistema de comunicaciones, en un nuevo sistema social, en un nuevo sistema de controles.
Cabría preguntarnos, si sería posible, la reconstrucción del cuerpo original representado si éste se expande en el espacio infinito de la red? El cuerpo representado disuelto en millones de fracciones, traducidas a millones de combinaciones de ceros y ceros, no podría leerse también como la desaparición de la materialidad o palpabilidad a que los artistas nos tenían acostumbrados con sus obras?
El cuerpo, el recipiente, el envase, yecto en este nuevo ciberespacio, nuevo cosmos; ¿habrá encontrado finalmente su representación más ajustada? ¿Estará còmodo en este nuevo espacio? ¿Paradójicamente, se sentirá cada vez más material? ¿o habrá descubierto en este espacio inaprensible su nueva esencia, su verdadero espìritu?…
Seguramente, el tiempo y la historia se esforzarán por dar una explicación…Tal vez, el cuerpo del artista presuma íntimamente la respuesta…
Mientras tanto yo, humilde postulante a artista, intento representar esa figura. ¿Qué es lo que expresaré en esos trazos, en esas pinceladas, en la herida que imprime la gubia, en los golpeteos del cincel, el clic del obturador o en el deslizarse del mouse?. ¿Qué debo captar?.¿Hay algo más allá del cuerpo para capturar o simplemente eso, un cuerpo..?
(*) “La Desmaterialización del cuerpo a través de la Red”. Fragmento correspondiente a Tesis publicada y expuesta en UMSA en Sept.2009, Bs.As. Autor: Lic. María del Carmen Pumar
1. Ver Obra correspondiente a la Tesis en Categoría Nideaesperoque Obra : “En Redada”
| Por mpumar | Claves: arte, artes plásticas, artes visuales, artistas emergentes, cuerpo y castigo, fotografía, intervenciones, ni con el pétalo de una rosa | # Enlace permanente
“Ni con el pétalo de una rosa” es una campaña de sensibilización dirigida a la comunidad respecto de la violencia y discriminación de la mujer en Colombia. A tal efecto se llevan a cabo muestras de diferentes técnicas artísticas vinculadas al tema.
CADA 15 SEGUNDOS UNA MUJER Colombiana es maltratada, cada seis días una mujer es asesinada por su cónyuge y una de cada cinco niñas ha sido abusada sexualmente. En un día como hoy, 100 mujeres y jóvenes en Colombia estarán siendo golpeadas físicamente por sus parejas.
Entre tanto, se registran altos niveles de discriminación de género en el ámbito laboral y falta de oportunidades profesionales. Colombia es uno de los países más pobres en representación femenina en las esferas del poder y sólo en 1954 se le reconoció a la mujer su derecho al voto, el cual fue ejercido por primera vez en 1957.La situación de las mujeres en Colombia es compleja y está determinada por la violencia y la discriminación. En este desesperanzador contexto, deben aplaudirse los esfuerzos de organizaciones y redes sociales por denunciar, prevenir y combatir la discriminación de género. Pese a la gravedad del panorama, son —en su mayoría— iniciativas de la sociedad civil, con poco o ningún respaldo institucional, las que contribuyen a la prevención y erradicación de estas formas de segregación.
Tal es el caso de la campaña “Ni con el pétalo de una rosa”, con la que reconocidos artistas, personalidades públicas y mujeres en estado de vulnerabilidad intervinieron muñecas de tela blanca en las que se reflejan distintos tipos de discriminación. Su promotora, la actriz Alejandra Borrero, pretende sensibilizar a los colombianos, a través del arte y la cultura, acerca de las injusticias a las que está sometida la mujer colombiana en su vida cotidiana. “Es increíble —dice Borrero— ver que producen más reacción en las personas nuestra campaña, nuestras exposiciones, que ver a una mujer tirada en la calle”.
(Fuente: http://www.elespectador.com/articulo140901-ni-el-petalo-de-una-rosa)
Octubre 14, 2008 | Por mpumar | Claves: arte, arte argentino, artes gráficas, artes plásticas, cultura, grabado | # Enlace permanente
“He dicho Escuela del Sur; porque en realidad, nuestro norte es el Sur..
Joaquín Torres García ( 1874-1949)
Joaquín Torres García ha sido considerado por algunos historiadores como un precedente del arte concreto argentino. No es mi intención debatir acerca de esta cuestión en este artículo. Quiero aquí simplemente hacer referencia a su conferencia dictada en febrero de 1935. Torres García hacia esa época vuelve a Uruguay, luego de largos años en Europa, y se propone hacer un arte virgen, penetrado de lo esencial de cada tierra, unificando en la diversidad a todo el continente americano.
En su conferencia de 1935, aparece por primera vez aquel concepto, representado por el mapa de América del Sur invertido, como símbolo de la identidad: “He dicho Escuela del Sur -afirmó-; porque en realidad nuestro norte es el sur. No debe haber norte para nosotros, sino por oposición a nuestro sur… La punta de América, desde ahora, prolongándose, señala insistentemente el Sur, nuestro norte”.
En este juego de palabras e imágenes J.T.García intenta invertir el sentido de lo conocido y romper con algunos paradigmas.
“Y jugar por jugar”…sin tener que morir o matar!
(Libro de artista -Técnica Mixta- incl. juego de naipes, dados y reglamento -2007-)
En “Y jugar por jugar”…sin tener que morir o matar! propongo invertir la carga del resultado a alcanzar con el juego.
El juego en nuestra cultura casi siempre implica ganar o perder, si hay un empate, se debe hacer lo posible por desempatar. Debe haber siempre un perdedor y un ganador.
Hemos aprendido que “perder” es malo y “ganar” es bueno. Ambas son fuerzas antagónicas. Perder y Ganar se provocan, se atraen y se repelen; forman parte de nuestras vidas,forman parte de nuestro mundo cotidiano.
En los juegos de mesa de nuestra infancia tales como El Estanciero (por poner un ejemplo, ya que el mismo concepto de pérdida/ganancia parecería que también se da en juegos de naipes, rondas, eróticos,cibernéticos, etc.), se obtiene mayor cantidad de puntos al alcanzar una mayor cantidad de propiedades.
* Qué pasaría si el premio a obtener cuando pierdo es más tentador que aquel que obtendría si gano?
* Qué pasaría si la “pérdida” fuese más valorada que la “ganancia”?
* Qué sucedería si el As de Oros, el de mayor valor de la baraja, resultase corresponder a un concepto tal como la indigencia?
* Qué actitud adoptaría si en lugar de ganar puntos por obtener mayor cantidad de bienes o propiedades, los pierdo?
* Qué decisión tomaría, si estuviera en mis manos cambiar el resultado final del juego, saltando los resultados obtenidos por gracia del azar o de mi destreza al jugar?
* Que privilegiaría, el jugar por jugar?…o intentaría obtener el mejor resultado? y cuál sería entonces el mejor resultado a obtener? El quedarse con la mayoría de los puntos y ceder a la indigencia o tentarse con la opulencia a pesar de su menor peso en el juego, a pesar de convertirme en el perdedor de la partida?…
Es sólo un juego, pero cada vez que juego, cada vez que creo; me vuelvo a enfrentar con mis más íntimas contradicciones y mi nostalgia por esa posibilidad lejana de jugar por jugar…
Los invito a opinar y ver más detalles de “Y jugar por jugar”…sin tener que morir o matar! en el apartado de este blog: Nideaesperoque Obra.
Septiembre 25, 2008 | Por mpumar | # Enlace permanente
TOMANDO EL SOL
(1960)
Edward Hopper
(1882-1967)
Oleo sobre lienzo, 102,6×153,4 cm
Washington (DC), Nacional Museum of American Art
Maravilloso artista, Edward Hopper nace en 1882 en Nueva York. Su obra es muy personal. Podría decirse que tiene un toque metafísico por sus “no espacios”, “no lugares”, “no tiempo”. Sin embargo, no cuestiona la historia, presenta una realidad en un estado de suspensión permanente. La obra de Hopper se culmina con la mirada vouyerista del observador.
En “Tomando el Sol”, Hopper , pareciera no reflexionar acerca de la realidad. Atemporal, no lugar, el espacio en que emplaza a los personajes parece no pertenecer a nada ni a nadie. Los actores de la obra, no presentan estado de ánimo alguno. Su individualidad no implica introspección. Autómatas sentados en un espacio en apariencia vacío de contenido, tomando un sol que se pronuncia como una luz artificial enfocada para dar suspenso a la imagen. Suspenso que solo se aviene a la mente del observador; ni siquiera juega en la de quienes participan de la composición. Pinta una naturaleza que se observa entre imponente e impotente frente a los personajes. La obra conlleva un estatismo que encierra una interesante dinámica de lo no explícito.
En “Febo y yo” (experiencia que los invito a recorrer en Nideaesperoque Obras) intenté recrear mis sensaciones respecto de lo que me transmitió el cuadro del artista.
Elegí “Tomando el sol”, no sólo por la belleza y síntesis de la obra sino por la sutileza con que Hopper me introdujo en ese universo que se nos presenta cuál espectáculo y al cual no percibimos ni vemos. Espectáculo, con el que gozamos, reímos, lloramos , nos angustiamos y del que una vez más e infinitas veces volveremos a acercarnos y alejarnos. Finalmente, mi vivencia se centró en un mundo de individualidades, apáticas e incomunicadas para las que brilla un sol exclusivo para cada uno de ellas. En el límite, ellas son su propio Febo…
Por primera vez estaba frente a una creación ajena, no sólo para admirarla sino intentando recrearla. El relevamiento de la obra me abrió las puertas a un diálogo con la misma. Me permitió desacralizar el cuadro y reinventarlo al punto incluso de poner en duda mis propias apreciaciones primigenias por las que la había elegido.
La búsqueda de lo que quería representar me introdujo en una tarea conocida. Mi obra recién tendría vida cuando, una vez aprehendido el cuadro de Hopper, mi inspiración, mi trabajo y mi técnica en conjunto pudieran transmitir aquello auténtico que punzaba dentro mío.
Concluído mi trabajo, se me derrumbaron ciertos mitos. Entonces me pregunté, a la hora de crear cuánto más válido era trabajar sin modelo o con él?. Cuánto más válido era apropiarse de una obra para recrearla o partir de “cero”?. Acaso cualquier proceso de creación no lleva siempre implícito algún tipo de apropiación?… ¿A lo largo de los siglos no nos hemos apropiado del universo, de la naturaleza, de los sueños, de los cuerpos, de los objetos entre tantos otros para representarlos?…
Finalmente, me descubrí pensando que mientras respetemos al citado, aún en disidencia, y no invirtamos los roles creyendo que realmente nos hemos convertido en Febo, podremos seguir utilizando la apropiación y la cita para seguir creando!…
En cuanto a “Febo y yo…”, los invito a apropiarse de ella para recrear nuevos mundos y significados. La obra está abierta y viva para que la sigan alimentando…
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