<iframe width=”425″ height=”349″ src=”http://www.youtube.com/embed/6cxkLZoEFEk” frameborder=”0″ allowfullscreen></iframe>

<iframe width=”425″ height=”349″ src=”http://www.youtube.com/embed/Bu_WPbF-WSE” frameborder=”0″ allowfullscreen></iframe>

<iframe width=”425″ height=”349″ src=”http://www.youtube.com/embed/rlGFfjY_vrY” frameborder=”0″ allowfullscreen></iframe>

Maurizio Pollini (*5 de enero de 1942, Milán, Italia) es el mas famoso pianista italiano de los últimos años.

Nació en Milán, hijo del arquitecto Gino Pollini y de la música Renata Melotti, hermana del escultor Fausto Melotti, se inició al piano con su madre. Estudió piano con Carlo Lonati hasta la edad de 13 años, y a partir de entonces con Carlo Vidusso, hasta los 18.

Recibió un diploma del Conservatorio de Milán, y en 1960 ganó el primer premio en el Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin en Varsovia, momento en el que Arthur Rubinstein pronunció su célebre frase: “Ya toca mejor que algunos de nosotros”.

A partir de ese momento estudió con Arturo Benedetti Michelangeli y a principios de los 70 empiezan las grabaciones que convertirán a Pollini en una leyenda. Entre estos trabajos hay que destacar los 24 estudios de Chopin (Deutsche Grammophon / Polygram, 1972), piedra angular para muchos estudiantes de piano.

Ha dado recitales y actuado con importantes orquestas en Europa, los Estados Unidos y el Lejano Oriente.

En Estados Unidos se presentó por primera vez en 1968. Hizo su primera gira por Japón en 1974.

Es considerado uno de los mejores pianistas de la actualidad. Se aprecian especialmente sus interpretaciones de Chopin, Mozart, Beethoven y de compositores modernos como Pierre Boulez, Luciano Berio, Luigi Nono, Roberto Carnevale y Giacinto Scelsi.

Son memorables sus colaboraciones con directores como Claudio Abbado y Pierre Boulez.

Merecedor del Premio Grammy, el Premio Ernst von Siemens en 1996 y el Premio Imperial de Japón en 2010.

Recibió la condecoracion de la Orden al Mérito de la República Italiana en grado de Caballero en el año 2000 y la Medalla de Oro de la Cultura y el Arte.

Michel Pazdro lo define como “El más reservado pero el menos secreto de los grandes pianistas”.

<iframe width=”425″ height=”349″ src=”http://www.youtube.com/embed/6cxkLZoEFEk” frameborder=”0″ allowfullscreen></iframe>

<iframe width=”425″ height=”349″ src=”http://www.youtube.com/embed/Bu_WPbF-WSE” frameborder=”0″ allowfullscreen></iframe>

<iframe width=”425″ height=”349″ src=”http://www.youtube.com/embed/rlGFfjY_vrY” frameborder=”0″ allowfullscreen></iframe>

Maurizio Pollini (*5 de enero de 1942, Milán, Italia) es el mas famoso pianista italiano de los últimos años.

Nació en Milán, hijo del arquitecto Gino Pollini y de la música Renata Melotti, hermana del escultor Fausto Melotti, se inició al piano con su madre. Estudió piano con Carlo Lonati hasta la edad de 13 años, y a partir de entonces con Carlo Vidusso, hasta los 18.

Recibió un diploma del Conservatorio de Milán, y en 1960 ganó el primer premio en el Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin en Varsovia, momento en el que Arthur Rubinstein pronunció su célebre frase: “Ya toca mejor que algunos de nosotros”.

A partir de ese momento estudió con Arturo Benedetti Michelangeli y a principios de los 70 empiezan las grabaciones que convertirán a Pollini en una leyenda. Entre estos trabajos hay que destacar los 24 estudios de Chopin (Deutsche Grammophon / Polygram, 1972), piedra angular para muchos estudiantes de piano.

Ha dado recitales y actuado con importantes orquestas en Europa, los Estados Unidos y el Lejano Oriente.

En Estados Unidos se presentó por primera vez en 1968. Hizo su primera gira por Japón en 1974.

Es considerado uno de los mejores pianistas de la actualidad. Se aprecian especialmente sus interpretaciones de Chopin, Mozart, Beethoven y de compositores modernos como Pierre Boulez, Luciano Berio, Luigi Nono, Roberto Carnevale y Giacinto Scelsi.

Son memorables sus colaboraciones con directores como Claudio Abbado y Pierre Boulez.

Merecedor del Premio Grammy, el Premio Ernst von Siemens en 1996 y el Premio Imperial de Japón en 2010.

Recibió la condecoracion de la Orden al Mérito de la República Italiana en grado de Caballero en el año 2000 y la Medalla de Oro de la Cultura y el Arte.

Michel Pazdro lo define como “El más reservado pero el menos secreto de los grandes pianistas”.

Por  Juan Carlos Tellechea (Berlín)

La velada musical con obras de Wolfgang Amadeus Mozart (”Sonata para piano a cuatro manos, en re mayor”, KV381), Franz Schubert (”Trío para piano, en mi bemol mayor”, op. post. 148 D 897, “Notturno”), Dmitri Shostakovich (”Trío para piano, violín y violonchelo nro. 2, en mi menor”, op. 67), Antonín Dvořák (”Trío para dos violines y viola, en do mayor”, op. 74) y Robert Schumann (”Quinteto para piano, en mi bemol mayor”, op. 44) tendrá lugar en la Sala de Música de Cámara de la Filarmónica de Berlín a las 20 horas (de Europa central).

La recaudación del concierto será íntegramente a beneficio de la Orquesta Juvenil de la Televisión de Fukushima, para que pueda reanudar rápidamente su actividad en otro lugar, fuera de la región afectada por la catástrofe, reconstruír su infraestructura y comprar nuevos instrumentos musicales. La sala de ensayos y la biblioteca de este grupo musical han quedado considerablemente dañadas, y los instrumentos y partituras fueron destruídos por la devastación causada por el maremoto (y posterior desastre de la central atómica) en Fukushima.

Las entradas, con precios que oscilan entre 20 y 70 euros pueden adquirirse en la taquilla de la Filarmónica de Berlín (www.berlinerphilharmoniker.de) o telefónicamente al +49 30 254 88 999 begin_of_the_skype_highlighting              +49 30 254 88 999      end_of_the_skype_highlighting).

<iframe width=”425″ height=”349″ src=”http://www.youtube.com/embed/1PqnruPitzc” frameborder=”0″ allowfullscreen></iframe>

<iframe width=”425″ height=”349″ src=”http://www.youtube.com/embed/WpZr_cbYbXo” frameborder=”0″ allowfullscreen></iframe>

<iframe width=”425″ height=”349″ src=”http://www.youtube.com/embed/SWiMZPQZYKE” frameborder=”0″ allowfullscreen></iframe>

Gorki, 1937) Pianista y director de orquesta islandés de origen ruso. Estudió en el Conservatorio de Moscú, al tiempo que recibía lecciones particulares de Lev Oborin. Tras conseguir dos galardones internacionales (el segundo premio en el Concurso Frederic Chopin de Varsovia en 1955 y el primero en el Concurso Reina Isabel de Bélgica al año siguiente), inició su carrera internacional por los Estados Unidos y Canadá, países en los que logró gran éxito por su interpretación ajustada y expresiva, carente de todo aparato vistuosístico y de toda voluntad exhibicionista.

Posteriormente decidió simultanear la interpretación pianística con la dirección de orquesta en la que, del mismo modo que el también pianista Daniel Baremboin, ha obtenido grandes éxitos; logró transmitir a la orquesta la misma capacidad de expresión que con la interpretación. En 1962, fecha en que consiguió el Premio Tchaikovsky, decidió trasladarse a Occidente de manera definitiva, y se instaló en Londres con su familia al año siguiente. En 1968 se trasladó a Reikiavik, donde obtuvo la nacionalidad islandesa.

Poseedor de una técnica depurada y una musicalidad exquisita, su repertorio (tanto en su faceta como solista al piano como en la de director de orquesta) abarca prácticamente toda la literatura pianística del clasicismo a nuestros días. Fue excelente intérprete de Mozart, Beethoven (de cuyas Sonatas para piano ha realizado una grabación integral, así como de las Sonatas para violín y piano, esta vez como acompañante de Itzhak Perlman, y de los conciertos para piano y orquesta), Prokoviev y Shostakovich. Sin embargo, su autor predilecto fue Chopin, al que también dedicó numerosas sesiones de grabación.

EKATERINBURGO

Wiwi Title

Powered by

Close window

Minimize Toolbar

Traducir

Traduce esta página

Traducir

Chinese Dutch English English French German Italian Japanese Korean Portuguese Russian Spanish

Entradas recientes

Click here to view the Latest Posts

Click here to learn more about this bar

Online  Busy change your chat status online/busy Join Chat   Click here to join live chat    Online  Busy change your chat status online/busy Join Chat   Click here to join live chat    Online  Busy change your chat status online/busy Join Chat   Click here to join live chat

Ir a nuestra Página de Fans

Click here to subscribe to our RSS feed

Tools

Maximize Toolbar

Wiwi Title

Powered by

Close window

Minimize Toolbar

Traducir

Traduce esta página

Traducir

Chinese Dutch English English French German Italian Japanese Korean Portuguese Russian Spanish

Entradas recientes

Click here to view the Latest Posts

Click here to learn more about this bar

Ir a nuestra Página de Fans

Click here to subscribe to our RSS feed

<iframe width=”425″ height=”349″ src=”http://www.youtube.com/embed/zS5LRRsNYZk” frameborder=”0″ allowfullscreen></iframe>

<iframe width=”425″ height=”349″ src=”http://www.youtube.com/embed/pPTe1xMB9Uk” frameborder=”0″ allowfullscreen></iframe>

Berdichev, Ucrania, 1903-Nueva York, 1989) Pianista estadounidense de origen ruso. Empezó a estudiar piano con su madre cuando tenía seis años, y a los quince entró en el Conservatorio de su ciudad natal, donde fue alumno aventajado de Felix Blumenfeld. Ofreció su primer recital en Jarkov (1922), obteniendo un gran éxito; la temporada 1924-1925 realizó más de setenta conciertos, algo insólito en aquella época. A partir de ese año, invirtiendo su propio dinero, emprendió diversas giras por Alemania, Francia y el Reino Unido, revelándose como uno de los más virtuosos pianistas de su época.

En París, el representante estadounidense Arthur Judson le ofreció un contrato para realizar una gira por Estados Unidos en 1928. Su debut tuvo lugar en el Carnegie Hall y el concierto, como la posterior gira, lo consolidaron como uno de los más importantes pianistas del siglo XX. En 1933 emprendió una gira con Arturo Toscanini para tocar como solista el concierto Emperador, de Beethoven, gracias a lo cual conoció a Wanda, la hija del legendario director, con la que se casaría poco después en Milán. En 1940 se estableció en Nueva York, y dos años después le fue concedida la nacionalidad estadounidense.

En 1953 decidió retirarse de los escenarios, y durante doce años se dedicó a formar jóvenes talentos del piano, y a realizar sus primeras grabaciones. En 1965 volvió al escenario concertístico y continuó grabando sus interpretaciones, de entre las que destacan las obras de Chopin, Liszt, Skriabin, Debussy y Prokofiev, aunque sus excelentes dotes musicales le permitían abordar con sumo virtuosismo todo repertorio. En 1986 efectuó una histórica visita a Rusia, que levantó gran expectación. Mantuvo sin altibajos su actividad pianística casi hasta el final de su vida.

<iframe width=”425″ height=”349″ src=”http://www.youtube.com/embed/qq7ncjhSqtk” frameborder=”0″ allowfullscreen></iframe>

<iframe width=”425″ height=”349″ src=”http://www.youtube.com/embed/zS5LRRsNYZk” frameborder=”0″ allowfullscreen></iframe>

<iframe width=”425″ height=”349″ src=”http://www.youtube.com/embed/pPTe1xMB9Uk” frameborder=”0″ allowfullscreen></iframe>

Berdichev, Ucrania, 1903-Nueva York, 1989) Pianista estadounidense de origen ruso. Empezó a estudiar piano con su madre cuando tenía seis años, y a los quince entró en el Conservatorio de su ciudad natal, donde fue alumno aventajado de Felix Blumenfeld. Ofreció su primer recital en Jarkov (1922), obteniendo un gran éxito; la temporada 1924-1925 realizó más de setenta conciertos, algo insólito en aquella época. A partir de ese año, invirtiendo su propio dinero, emprendió diversas giras por Alemania, Francia y el Reino Unido, revelándose como uno de los más virtuosos pianistas de su época.

En París, el representante estadounidense Arthur Judson le ofreció un contrato para realizar una gira por Estados Unidos en 1928. Su debut tuvo lugar en el Carnegie Hall y el concierto, como la posterior gira, lo consolidaron como uno de los más importantes pianistas del siglo XX. En 1933 emprendió una gira con Arturo Toscanini para tocar como solista el concierto Emperador, de Beethoven, gracias a lo cual conoció a Wanda, la hija del legendario director, con la que se casaría poco después en Milán. En 1940 se estableció en Nueva York, y dos años después le fue concedida la nacionalidad estadounidense.

En 1953 decidió retirarse de los escenarios, y durante doce años se dedicó a formar jóvenes talentos del piano, y a realizar sus primeras grabaciones. En 1965 volvió al escenario concertístico y continuó grabando sus interpretaciones, de entre las que destacan las obras de Chopin, Liszt, Skriabin, Debussy y Prokofiev, aunque sus excelentes dotes musicales le permitían abordar con sumo virtuosismo todo repertorio. En 1986 efectuó una histórica visita a Rusia, que levantó gran expectación. Mantuvo sin altibajos su actividad pianística casi hasta el final de su vida.

<iframe width=”425″ height=”349″ src=”http://www.youtube.com/embed/nWMwndlr70k” frameborder=”0″ allowfullscreen></iframe>

<iframe width=”425″ height=”349″ src=”http://www.youtube.com/embed/MN-nGUv22Is” frameborder=”0″ allowfullscreen></iframe>

La magistral  batuta de James Levine reune un  importante elenco para esta produccion de” La Walquiria “  de Richard Wagner : la soprano americana Deborah Voigt  es Brunhilde ;Eva -Maria Westbroek como  Sieglinde ; Fricka es la mezzosoprano  Stephanie Blythe; Jonas Kaufmann interpreta a Siegmund ;en el  rol de Wotan , Bryn Terfel y  la voz de Hans -Peter Koning para Hundring .

Es un  lugar comun pensar  que un artista  sube al escenario  para cantar  la musica de Wagner . La composiciones de Wagner  se interpretan , se recita su  poesia cantada  y  esa consustanciacion  con  el  tempo Wagneriano da por resultado  el  fraseo  prosodico  propio  y  que exige este compositor .Por eso no  quiero dejar   pasar esta oportunidad para homenajear   a uno  de los mas  celebres artistas de este repertorio :James Morris quien nos deleitara  con la maravillosa composicion de los personajes Wagnerianos desde lo  vocal y escenico   y  quein  fuera un notable Wotan .

Vamos a recordar ahora algo  sobre los periodos compositivos de Wagner quien  revoluciona el  mundo  de la composicion lirica con  sus pensamientos  e ideas filosoficas – musicales .

Leitmotiv asociado con el héroe de la ópera de Wagner, Sigfrido.muestra  esta notación musical en un tema en fa y en un tiempo de 6/8 en clave de sol.

El principal legado artístico de Wagner son sus obras operísticas. A diferencia de otros compositores de ópera, que generalmente dejaban la tarea de escribir un libreto (texto y lírica) a otros, Wagner escribió sus propios libretos, a los que se refería como «poemas».^[97] Además, desarrolló un estilo compositivo en el que el papel orquestal es igual que el de los cantantes. El papel dramático de la orquesta, en sus últimas óperas, incluye el uso de leitmotivs, temas musicales que pueden ser interpretados para anunciar a personajes específicos, localizaciones y elementos argumentales; su complejo entrelazamiento y evolución iluminan la progresión del drama.^[98] En última instancia urgió un nuevo concepto de ópera a menudo referido como «drama musical» (aunque no usó ni sancionó el término),^[99] en el que todos los elementos dramáticos y poéticos musicales serían fusionado en la denominada obra de arte total.^[100]

Primer periodo (hasta 1842)

Su primer intento con una ópera, cuando tenía 17 años, fue Die Laune des Verliebten.^[17] Fue una obra inacabada y abandonada en los inicios de su composición, al igual que Die Hochzeit (La boda), en la que Wagner trabajó en 1832.^[17] Entonces completó Las hadas (Die Feen, 1833, no representada durante la vida del compositor)^[19] y La prohibición de amar (1836, retirada después de su estreno),^[21] antes de trabajar en el singspiel abortado Männerlist grösser als Frauenlist (La astucia del hombre es superior a la de la mujer).^[17] Fue seguida de Rienzi (1842), su primera ópera representada exitosamente.^[101] El estilo compositivo de esta obras tempranas fue convencional —Rienzi, la relativamente más sofisticada, muestra una clara influencia de la Grand Opéra al estilo de Meyerbeer— y no exhibía las innovaciones que marcarían el lugar de Wagner en la historia. Después afirmó que no consideraba esas inmaduras obras como parte de su obra y ninguna de ellas fue incluso representada en el Festival wagneriano de Bayreuth.^[102] Estas obras han sido revividas en raras ocasiones en los últimos 100 años, aunque la obertura de Rienzi es pieza ocasional en conciertos.

Periodo medio (1843-1851)

En su periodo medio comenzó a mostrar la profundidad de sus dotes como dramaturgo y compositor. Este periodo comienza con El holandés errante (Der fliegende Holländer, 1843), seguida por Tannhäuser (1845) y Lohengrin (1850). Estas tres óperas reforzaron su reputación entre el público alemán y más allá de lo que Wagner había comenzado a establecer por sí mismo con Rienzi. Sin embargo, durante su exilio tras el alzamiento de mayo en Dresde en 1849 comenzó a reconsiderar por completo su concepto de ópera y finalmente decidió, como explicó en una serie de ensayos entre 1849 y 1852, que esas óperas no representaban lo que esperaba obtener.^[103] En su ensayo Una comunicación a mis amigos (Eine Mittheilung an meiner Freunde, 1851), concebido como un prefacio de los libretos impresos de El holandés errante, Tannhäuser y Lohengrin, Wagner (para confusión de muchos de sus amigos, ya que en esas fechas Lohengrin no había sido estrenado) repudió efectivamente esas óperas y declaró su intención de avanzar en nuevas direcciones.

Wagner se reconcilió posteriormente con sus obras de este periodo, aunque reelaboró tanto El holandés errante como Tannhäuser en varias ocasiones.^[105] Las tres óperas de este periodo fueron las primeras incluidas en el Canon de Bayreuth, el catálogo de óperas maduras que Cósima añadió al Festival después de la muerte del compositor siguiendo sus deseos.^[106] Se continúan representando regularmente y han sido grabadas con frecuencia. Muestran el incremento de la maestría en el arte escénico, la orquestación y la atmósfera.^[107]

Último periodo (1851-1882)

Comienzo del ciclo del Anillo

Los últimos dramas de Wagner son considerados sus obras maestras. El anillo del nibelungo, comúnmente denominado como el ciclo del Anillo, es un conjunto de cuatro óperas basadas libremente en figuras y elementos de la mitología germánica —particularmente de la mitología nórdica tardía— en concreto la Edda poética y la Saga Volsunga en nórdico antiguo, y el Cantar de los nibelungos en alto alemán medio.^[108] También tuvo influencias de los conceptos wagnerianos del drama griego, en el que las tetralogías eran un componente de los festivales atenienses y que el compositor había discutido ampliamente en su ensayo Ópera y drama.^[109]

Los dos primeros componentes de la tetralogía fueron El oro del Rin (completada en 1869) y La valquiria (finalizada en 1870). En la primera, con su «implacablemente locuaz ‘realismo’ [y] la ausencia de ‘números’ líricos»,^[110] Wagner estuvo muy cerca del ideal musical puro de sus ensayos de 1849-1851. La segunda, con la casi propiamente dicha aria de Sigmundo («Winterstürme») en el primer acto y la casi coral aparición de las propias Valquirias, muestra rasgos más «operísticos», pero se ha evaluado como «el drama musical que más satisfactoriamente ha personalizado los principios teóricos de Ópera y drama. No se consigue una síntesis de la poesía y la música sin ningún sacrificio destacado en la expresión musical».^[111]

Tristán e Isolda y Los maestros cantores

Mientras estaba aún componiendo el ciclo del Anillo, (dejando por un tiempo incompleta la tercera ópera de la tetralogía, Sigfrido), Wagner hizo una pausa entre 1857 y 1864 para componer la trágica historia de amor Tristán e Isolda y su única comedia madura Los maestros cantores de Núremberg, dos obras que también son parte del catálogo operístico habitual.^[112]

Tristán e Isolda usa una línea argumental derivada del poema Tristan und Isolt de Gottfried von Strassburg. Wagner destacó que «toda su envolvente tragedia [...] me impresionó tan profundamente que quedé convencido de que debía mantenerse en un lugar destacado, independientemente de los detalles menores». Este impacto, junto con el descubrimiento de la filosofía de Schopenhauer en octubre de 1854, llevaron a que el compositor se encontrase en un «grave estado de ánimo creado por Schopenhauer, que estaba intentando encontrar la expresión del éxtasis. Era algo como el estado de ánimo que inspiró la concepción de Tristán e Isolda».^[113] Wagner realizó una medio parodia de la erótica atmósfera de la ópera en una carta a Mathilde Wesendonck:

El estreno de la obra fue el 10 de junio de 1865 en Múnich, dirigido por Hans von Bülow.

Se suele situar a Tristán e Isolda en un lugar especial en la historia musical. Se la describe como «cincuenta años adelantada a su época» por su cromatismo, disonancias largamente mantenidas, inusual color orquestal y armonía y el uso de la polifonía.^[115] El propio compositor creía que sus teorías dramático-musicales era más perfectamente desarrolladas en esta obra con su uso de «el arte de la transición» entre los elementos dramáticos y el equilibrio conseguido entre la línea vocal y coral.^[115]

Wagner concibió inicialmente Los maestros cantores de Núremberg en 1845 como una especie de techo cómico de Tannhäuser.^[116] Fue estrenada en Múnich, también bajo la batuta de Bülow, el 21 de junio de 1868, y su accesibilidad la convirtió en un éxito inmediato. Es «un drama musical rico y perceptivo ampliamente admirado por su calidad humana»;^[117] pero debido a sus fuertes matices nacionalistas alemanes, es también considerada por algunos como un ejemplo de las ideas políticas reaccionarias y el antisemitismo del compositor.^[118]

] Finalización del ciclo del Anillo

Cuando Wagner volvió, con la experiencia obtenida por la composición de Tristán e Isolda y Los maestros cantores de Núremberg, a escribir la música para el último acto de Sigfrido y para El ocaso de los dioses, nombre que recibió la última ópera de la tetralogía, su estilo había cambiado una vez más a uno más reconocible como «operístico» (aunque bien sellado con su propia originalidad como compositor y teñido de leitmotivs) que el mundo sonoro de El oro del Rin y La valquiria.^[119] Esto fue en parte debido a que escribió los libretos de las cuatro óperas del ciclo en orden inverso, por lo que el texto de El ocaso de los dioses era más «tradicional» que el de El oro del Rin;^[120] aunque se había relajado en el uso de las restricciones autoimpuestas de la obra de arte total. Según señaló irónicamente (y, según Millington, algo injustamente)^[121] George Bernard Shaw:

Sin embargo, las diferencias también eran debidas al desarrollo de Wagner como compositor durante el periodo en el que compuso Tristán, Los maestros cantores y también la versión parisina de Tannhäuser.^[123] Desde el tercer acto de Sigfrido en adelante, el ciclo se convierte en cromático, armónicamente más complejo y más desarrollado en su tratamiento de los leitmotivs.^[124]

La tetralogía supone en todas sus quince horas de representación, tras haber transcurrido 26 años desde el primer borrador de un libreto en 1848 hasta la finalización de El ocaso de los dioses en 1874, la única empresa de tal tamaño que es representada con regularidad en los escenarios de todo el mundo.^[125]

] Parsifal

Su ópera final, Parsifal (1882), que fue la única escrita especialmente para su Festspielhaus de Bayreuth y que es descrita en su partitura como un «Bühnenweihfestspiel» (obra festival para la consagración del escenario), tiene una línea argumental sugerida por elementos de la leyenda del Santo Grial. Sin embargo, también toma elementos de la renuncia budista sugerida por las lecturas del compositor de Schopenhauer.^[126] Wagner la describió a Cósima como su «última carta».^[127] El tratamiento del compositor del cristianismo en la ópera, su erotismo y su supuesta relación con las ideas del nacionalismo alemán (y el antisemitismo) han continuado siendo controvertidas por razones no musicales.^[128] Sin embargo, se considera que representa el continuo desarrollo del estilo del compositor, con «una partitura diáfana de una belleza y refinamiento sobrenaturales».^[129]

Composiciones no operísticas.

A parte de sus óperas, Wagner compuso un número de piezas musicales relativamente reducido. Entre ellas se incluyen una sinfonía (compuesta cuando tenía 19 años), la Obertura Fausto (la única parte completa de una futura sinfonía sobre el tema) y algunas oberturas, piezas corales y para piano.^[130] Su obra no operística representada con mayor asiduidad es Idilio de Sigfrido, una pieza para orquesta de cámara escrita para el cumpleaños de su segunda esposa, Cósima. La obra se basa en varios motivos del ciclo del Anillo, aunque no es parte de la tetralogía.^[131] Los Wesendonck Lieder, conocidos como Cinco canciones para voz femenina, son también obras habitualmente representadas, para voz y piano, que fueron compuestas sobre poemas de   Mathilde Wesendonck para ella ,  mientras Wagner estaba trabajando en Tristán e Isolda.^[52] La Marcha para el centenario estadounidense de 1876 es una rareza, encargada por la ciudad de Filadelfia (por recomendación del director Theodore Thomas, que posteriormente se sintió muy decepcionado con el resultado final) para la apertura de la Exposición del centenario, por la que el compositor cobró 5000 dólares.^[132]

Das Liebesmahl der Apostel (La fiesta de amor de los apóstoles), una obra representada en raras ocasiones, es una pieza para coro masculino y orquesta, compuesta en 1843. Wagner, que había sido elegido a principios de año para la creación de una asociación cultural en Dresde, recibió el encargo para evocar el tema de Pentecostés. El estreno se realizó en la Frauenkirche el 6 de julio de 1843 y fue representado por cerca de un centenar de músicos y casi 1200 cantantes. El concierto tuvo una muy buena acogida.^[133]

Después de completar Parsifal, Wagner expresó su intención de volver a escribir sinfonías. Sin embargo, no se conservan bocetos de dichas obras, ni se tiene certeza de que los llegara a realizar.^[134]

Las oberturas y pasajes orquestales de sus óperas de los periodos medio y último son interpretados habitualmente como piezas de concierto. Para la mayoría de ellas, Wagner escribió pasajes cortos para concluir la parte para que ésta no terminara de forma tan abrupta. Otro pasaje familiar es la «Marcha nupcial» de Lohengrin, a menudo interpretada en ceremonias nupciales.

Muy  promisorio es el Cast de esta produccion del Met  con  un  titulo  que atraves del  tiempo  se torna favorito  para todos los publicos del  mundo  .

 ” La Walquiria ” corresponde a la 2º jornada  de la Tetralogia ” El  Anillo  del Nibelungo  ” .A traves de la Cadena Toll  Met el proximo sabado  14 de Mayo  desde las 12 hora Nueva York  ” La Walquiria ” de Richard Wagner se transmite a mas de 39  paises del  mundo  haciendose realidad  lo  que es premisa en la gestion de Peter  Gelb  como  manager Genral  del  Metropolitan : OPERA PARA TODOS .

<iframe width=”560″ height=”349″ src=”http://www.youtube.com/embed/N5kHWIMOhwM” frameborder=”0″ allowfullscreen></iframe>

<iframe width=”560″ height=”349″ src=”http://www.youtube.com/embed/5nZdd6zsRk4” frameborder=”0″ allowfullscreen></iframe>

<iframe width=”425″ height=”349″ src=”http://www.youtube.com/embed/ZoPKzoDylNA” frameborder=”0″ allowfullscreen></iframe>

Los vídeos fueron mostrados a un grupo reducido de periodistas en el Pentágono en Washington, y son parte del material recuperado en la operación militar de EE.UU. que mató a Bin Laden el pasado lunes. Uno de los vídeos es un mensaje a Estados Unidos grabado en octubre o noviembre pasado en el que se condena la política de Washington y el capitalismo, según indicó el Departamento de Defensa.

Las imágenes, que muestran también parte de la vida diaria de Bin Laden, fueron reproducidas sin audio, informó CNN, ya que consideran su emisión “inapropiada”. El Pentágono agregó que lo revelado sólo es parte de lo que considera “la mayor cantidad de material” incautado sobre Bin Laden y que sigue analizando el resto.

Los analistas consideran que la intención de Estados Unidos con la revelación de estos vídeos es ratificar y disipar dudas acerca de la identidad de Osama Bin Laden y su muerte.