¿Crítico, yo?

Crítica I’M NOT THERE

3 Mayo 2010 | Por Leo Aquiba Senderovsky | # Enlace permanente

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Crítica CRAZY HEART

28 Abril 2010 | Por Leo Aquiba Senderovsky | # Enlace permanente

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Crítica THE PRINCESS AND THE FROG

22 Marzo 2010 | Por Leo Aquiba Senderovsky | # Enlace permanente

Título en España: TIANA Y EL SAPO

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Crítica NINE

15 Marzo 2010 | Por Leo Aquiba Senderovsky | # Enlace permanente

por Leo Aquiba Senderovsky

Para ser precisos con esta película, habría que compararla con la obra musical de Broadway. Lo cierto es que, al no haber visto dicha obra, es inevitable establecer una comparación entre Nine y 8 ½, la gran película de Fellini que la origina. Difícil saber cuál fue la razón que motivó a los gestores de la obra de Broadway a adaptar esta película de 1963, que está en las antípodas de cualquier tipo de musical. La adaptación al cine de Rob Marshall, que responde directamente a la versión musical, tal vez posea muy pocos defectos en relación a aquella (para esta, Marshall calca elementos de su versión cinematográfica de Chicago, con algún que otro capricho adicional), por lo que deberíamos achacarle a la versión de Broadway los males que repite esta mediocre traslación del film de Fellini.

En primer lugar, hay que saber disfrutar de los códigos que propone el género musical para poder criticar a sus malos exponentes. Nos guste o no el género, hay un elemento concreto que afecta a algunos de estos ejemplares, la banalización del material que los origina. Por ejemplo, uno de los elementos que ponen en tela de juicio el valor de un musical como Evita, es la superficialidad con la que se trata el aspecto político del personaje. Esto es lo que hace que esta obra funcione mucho más en otros países que en Argentina. Si nos detenemos en 8 ½ de Fellini, una de sus películas más autobiográficas y una de las obras más geniales en su abordaje del acto creativo, difícil es apreciar la esencia de aquel film en esta adaptación musical.

La notoria voluntad reduccionista de este musical consigue que de aquel drama sobre un realizador que sufre un bloqueo creativo y se refugia en el historial de mujeres que dejaron una huella en su vida, haya quedado un director italiano del mismo nombre, y alguna que otro escena copiada del original (el recuerdo de Saraghina es idéntico, sólo que Fergie es una versión demasiado pasteurizada de aquella voluptuosa prostituta). El eje de Nine no pasa por el bloqueo creativo del director, sino por su harén, inolvidable en 8 ½, pero que, a fin de cuentas, respondía a los conflictos internos del protagonista, y no intentaba valerse por sí mismo, como sucede aquí. El director de Nine es simplemente un mujeriego que pasa de cama en cama, mientras recuerda a su madre (una olvidable Sophia Loren, presa de sus muchas cirugías) y a alguna que otra mujer significativa en su vida. Del bloqueo o del acto creativo, apenas un par de escenas intrascendentes. Este conflicto jamás llega a tener en Nine la presencia que tiene su séquito de mujeres y su carácter de amante latino, tal vez una de las excusas imbéciles que llevaron a hacer una versión teatral de la obra maestra de Fellini.

Ahora bien, adaptar una película como aquella al universo del teatro musical, implicaba no quedarse en un gesto supuestamente celebratorio y preguntarse por cuestiones puntuales de la original. ¿Cómo hacer de una película que hasta en la propia trama habla del cine, una obra musical? Evidentemente, esto no se cuestionó en la versión teatral, y mucho menos aquí, que al volver al medio cinematográfico, termina acercándose más a una obra teatral musical filmada, que a una película con identidad y valores propios.

Podríamos ser generosos y no comparar este musical con las dos obras que le dan origen, la versión de Fellini y la teatral. Lo cierto es que esta comparación es ineludible porque Nine no deja de dialogar con 8 ½. Sin embargo, si hiciéramos ese esfuerzo y la evaluáramos como lo que es, un musical, diríamos de entrada que es muy aburrida, que sus canciones son absolutamente olvidables, que los conflictos y dilemas del protagonista nunca llegan a ser del interés del espectador y que acumula estrellas femeninas en papeles ínfimos (de ellas, sólo se destacan Penélope Cruz y Marion Cotillard), entre muchas otras cosas.

Para peor, la canción interpretada por Kate Hudson, tal vez el lema de la película (por algo se repite en los créditos finales), supuestamente pretende homenajear al cine italiano, pero la repetición, estética publicitaria de por medio, de las frases “Cinema italiano”, “Bianco e Nero”, difícilmente puedan pasar por un homenaje digno, ni a Fellini, ni a todo el cine italiano. Lejos de eso, esa secuencia musical carece de homenaje alguno y es otro exponente de la habitual visión yanqui e irreflexiva de fenómenos y obras que le son totalmente ajenas. Dejar en manos de una fan el homenaje a todo un cine, es subirse a caballo de una banalización manifiesta y explícita.

En el apartado de méritos se encuentra un valiente Daniel Day Lewis, cuya carrera parece demostrar que está dispuesto a todo. Sin embargo, allí se terminan las virtudes de una película que podría haber sido una celebración de una obra maestra, o una traslación al género musical de los planteos estéticos y/o narrativos expuestos por aquella obra. Ni una cosa, ni la otra, apenas una muestra más de cómo Broadway puede meter en su coctelera cualquier cosa y lanzar engendros insufribles, que, en este caso, además confronta con los innumerables valores de una gran obra como 8 1/2.

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Crítica BANDSLAM

13 Enero 2010 | Por Leo Aquiba Senderovsky | # Enlace permanente

Título en España: SCHOOL ROCK BAND

Sinopsis

Will Burton (Gaelan Connell) es un pequeño perdedor acostumbrado a ser ignorado por sus compañeros de clase. Su mala racha termina cuando la popular y carismática animadora Charlotte Banks (Alyson Michalka) le invita a salir con su grupo. Impresionada por su gran conocimiento musical, Charlotte le propone formar parte de su banda de rock. Su meta a partir de ese momento será derrotar al ex novio de Charlotte en la popular batalla regional de bandas.

Crítica
por Leo Aquiba Senderovsky

Bandslam, estrenada en España con el título de School Rock Band y conocida en México con el atinado High School Rock, aparentaba inicialmente ser esto último, una suerte de High School Musical en clave de rock. Y en parte lo es, más allá de la participación de Vanessa Hudgens, quien aún soporta el peso de haber surgido de aquella franquicia. Hudgens aquí canta menos de lo que podría esperarse (una decepción para sus seguidores), pero por suerte le aporta una interesante cuota de frescura a esta película que, afortunadamente, no se queda en los límites de un producto rutinario diseñado para el público adolescente, y deudor de una franquicia que no ha tardado en fagocitarse.

De hecho, esta película le debe más a Escuela de rock que a la mencionada High School Musical. Repasemos: Perdedor con amplia cultura rockera (cambiamos lo “hard” de aquella, AC/DC, por lo más cool, David Bowie) que encuentra su lugar potenciando las aspiraciones de un grupo (en aquella había una relación entre maestro ¿adulto? y niños alumnos, en esta son todos adolescentes de la misma edad), banda heterogénea que triunfa aportando cada uno desde su rol, concurso de bandas, etc. Claro que el hard rock para niños se ha convertido aquí en un rock inocuo para adolescentes (un sello “High School”), y que esta no despierta una enorme felicidad como aquella, apenas una simpatía provocada especialmente por los personajes que sortean el estereotipo (Gaelan Connell en primer lugar, próximo a convertirse en otra joven promesa al estilo de Jesse Eisenberg, e incluso Vanessa Hudgens, sin caer en lo más obvio del perfil de la “rara” del grupo).

Sin embargo, Bandslam no logra eludir del todo las convenciones de este tipo de productos, buena parte de su metraje se basa en elementos que ya hemos visto tantísimas veces antes, y mejor. Para peor, Aly Michalka está siempre a punto de irritarnos en su papel de la ex porrista regenerada, y Lisa Kudrow es el mayor desacierto de la película (en su momento, la pobre Kudrow pasó de interpretar a la boba y soltera treinteañera Phoebe en “Friends”, a hacer de madre de adolescentes, cuando ya estaba pasada en años para lo primero, y aún le faltan varios kilómetros para lo segundo, y se nota, su elección está demasiado ligada a la necesidad de encontrarle al baterista un sexy y maduro objeto de deseo).

Pese a esto, Bandslam se las ingenia para no quedarse en lo que esperábamos, la combinación de High School Musical + ¿Rock? Lo de rock va entre signos de interrogación por lo siguiente, todo bien con The Burning Hotels, que tocan en el concurso de bandas, al parecer tienen todo para llegar a pelear con los ya consagrados, y excelentes, The Killers, pero si la idea del rock es únicamente esto, estamos listos. Okey, se menciona a grandes leyendas del rock, y hasta aparece al final el ídolo máximo del protagonista, David Bowie, que nadie dudaría que es una gran figura de este universo, pero más allá de la simpatía que despierta la película, y de lo bien que se han asimilado algunos estereotipos adolescentes, difícilmente a esta lavada forma musical podemos llamarla rock. Aunque cierto es que esta idea del rock se acerca al de otras películas con adolescentes, como Nick and Norah’s… o Juno, y con apenas un poco más de sensibilidad y mucho menos apego a las convenciones más rancias de este tipo de películas, tranquilamente podría haber ingresado en ese terreno al que han accedido aquellas películas, con su particular y honesta visión del mundo adolescente. Nos quedamos con la revelación, Gaelan Connell, y la frescura de la Hudgens, a quien le ha venido muy bien trabajar su personaje desde un lugar secundario.

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Crítica THIS IS IT

19 Noviembre 2009 | Por Leo Aquiba Senderovsky | # Enlace permanente

Dirección: Kenny Ortega.

Crítica
por Leo Aquiba Senderovsky

Este producto puede leerse como uno de los actos más macabros del cine americano en los últimos tiempos (la idea de armar una película/tanque con los últimos ensayos de la malograda gira de Michael Jackson, para asegurarse un éxito de taquilla que pueda cubrir lo invertido en los shows, explotando al máximo la imagen de una estrella muerta pocos meses atrás), o como el testamento fílmico de un gran artista. Como somos benévolos, y estamos acostumbrados al nivel de perversión de las majors americanas, optemos por la segunda opción, y podremos ver que no sólo estamos ante lo que quedó de un gran show que no pudo ser, sino ante una película auténtica, con energía propia.

Por ende, no vale la pena pensar en los millones que habrán ganado los productores abusando del pobre MJ, y menos importa acordarse de los fans que armaron campañas como la llamada “This is not it”, alertando sobre las “mentiras” que exponían los productores del show en este documental, y denunciando que, semanas antes del inicio de su gira interminable, la vida de Jackson pendía de un hilo. Que lo presionaron hasta matarlo, que no se sentía capaz de soportar cincuenta shows… Nadie niega que todo ello pueda ser real, pero este documental no busca tapar las presiones, su adicción a los fármacos, ni cualquier aspecto relativo a su vida. Por una sencilla razón: This is it es un documento de su frustrado último show, no un retrato de su persona. Honrando a Michael Jackson, un artista mágico, con una vida llena de rumores más o menos ciertos, pero irrelevantes frente al valor de su obra (el propio Jackson se encargó de hacer de su vida un mito insondable), la película no busca hablar de su vida sino de su arte, no es una mentira, sino un reflejo de lo más valioso de la última gran leyenda de la industria musical.

This is it presenta un doble juego, es lo que quedó de un show majestuoso, pero antes que eso, es un detrás de escena de ese show. Por ende, no es directamente la exposición cinematográfica de ese show, sino el show y su cocina, con MJ como el admirado director de orquesta, capaz de dominar cada plano, preciso y exigente con todos sus músicos (reclamando, ordenando o corrigiendo, siempre con la mejor cara y un irritante “con amor” o “Dios te bendiga”). Lo mejor de este documental es que no es únicamente el show, no es tan limpio y majestuoso como aquel, es sucio, desordenado y ecléctico como todo backstage, y es esta suciedad, este ir y venir entre la escenificación de cada canción y el armado de esa puesta híper ambiciosa, lo que permite que uno, como espectador, pueda encontrarse con el verdadero artista. Porque la luz de Jackson no se prende cada vez que sale a escena, arranca mucho antes, con el compositor, el coreógrafo, el ambientador, el showman, el hombre que es capaz de detenerse el tiempo que sea frente a una melodía hasta que esta se oiga como él desea, el hombre que se exige a sí mismo con el canto y el baile más que a nadie. El hombre que ejerce una presión desmedida e inconsciente en todo su entorno, porque es capaz de someterse a un rigor tal sobre el escenario que lo convierte en un ser inigualable, y al resto de los músicos, bailarines y técnicos que lo rodean no les queda más que rendir pleitesía a un artista obsesivo, que entrega su vida en cada performance.

El show en sí no se queda atrás, y la película va de a poco abandonando el aspecto del “detrás de escena”, para dedicarle el tiempo necesario a cada canción, y que el espectador pueda apreciar lo mejor posible la magnitud del espectáculo que el mundo no tuvo la fortuna de conocer. Ahí están el homenaje al cine americano clásico, con MJ interactuando con estrellas del film noir, como introducción a “Smooth Criminal” (a mi gusto, la mejor secuencia de lo que hubiera sido el show), las escenas de horror filmadas para “Thriller”, la puesta en escena de un mundo totalitario, alla The Wall, con coreografía militar, en “They don’t really care about us”, el recuerdo especial de Jackson 5, el rock puro en “Billie Jean” y “Black or White”, el clima romántico en “I just can’t stop loving you”, o los momentos más naïf y emotivos, con “Earth Song” y “Man in the mirror”. Todos ellos revelan las distintas facetas de un show descomunal, que realmente podría haber traspasado límites en cuanto a despliegue escénico y de producción.

Pero ver This is it como aquel show trunco es un grave error, porque de semejante despliegue solo quedan las muchas tomas rescatadas de los ensayos para la ocasión. Si pretendiera “ser” el show que no pudo ser, caería en la realidad de que, por más que pueda haber reproducido con las filmaciones del ensayo la magnitud de cada puesta para cada una de las canciones, la película, en su exposición del show, se enfrenta irremediablemente al hecho de tener que bajar el telón antes de poder levantarlo. Afortunadamente, This is it no es un macabro santuario de lo que no pudo llegar a ser, sino el mejor retrato de un artista a quien nunca lo vimos como aquí, en la tarea que mejor le salía, la de crear, prestándole atención a cada nota, cada paso de baile, cada elemento del escenario (ver sino cuándo Kenny Ortega, director del monstruoso espectáculo y de su testamento fílmico, le pregunta cómo sabrá cuándo es el momento en que la pantalla gigante marque el comienzo de la canción, a lo que MJ sólo contesta que lo puede sentir). Y más allá de la omnipresencia de Ortega, a quien vemos detrás de cada elemento del show es a un raquítico pero impecable Michael Jackson, iluminando la pantalla con su baile, regalándole momentos de destaque a cada uno de los jóvenes artistas que hubiesen compartido el show con él (la escena en la que hace brillar a la guitarrista es un genial reflejo de esto), sabiendo que el secreto para un gran espectáculo es que cada uno del equipo pueda dar lo mejor de sí, mientras él los protege mostrándoles que detrás de un gran artista hay una gran consciencia sobre cada uno de los aspectos artísticos del show y una enorme autodisciplina. La mejor manera de honrar a alguien como Michael Jackson, que marcó un antes y un después en la industria musical, no es hablar de su vida sino de su arte, y en la desprolijidad del backstage del show reluce su arte, no como un hecho mágico y etéreo, sino como el resultado de un trabajo obsesivo y sacrificado, que en este caso no pudo rendir sus frutos, pero que afortunadamente arrastra los frutos del pasado, enormes y eternos.

This is it no es el show que no existió, tampoco el reflejo de la persona o la estampa de Michael Jackson. Es, antes que nada, el documento de un proceso creativo, y en manos de MJ, uno de los pocos que supo combinar en el escenario gran espectáculo visual y una forma única de música y de baile, esto es muchísimo, más de lo que This is it (el show, no la película) podría haber sido jamás.

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