¿Crítico, yo?

Crítica FANTASTIC MR. FOX

6 Mayo 2010 | Por Leo Aquiba Senderovsky | # Enlace permanente

Sinopsis

Valoración:

Crítica THE PRINCESS AND THE FROG

22 Marzo 2010 | Por Leo Aquiba Senderovsky | # Enlace permanente

Título en España: TIANA Y EL SAPO

Valoración:

Crítica 9

28 Enero 2010 | Por Leo Aquiba Senderovsky | # Enlace permanente

Título en español: NÚMERO 9.

Crítica
por Leo Aquiba Senderovsky

Shane Acker expande su premiado corto animado 9 con este largometraje homónimo, luego de que el proyecto consiga el padrinazgo de Tim Burton y del cineasta ruso Timur Bekmambetov. Lo cierto es que, si esta es la oportunidad perfecta de Acker para pasar a las grandes ligas en el terreno de la animación, y para el público de conocer a las particulares criaturas originadas en el cortometraje de 2005, la película no deja de exponer los defectos de un relato que evidencia su estiramiento para la ocasión.

Cuando uno ve el corto de Acker (se puede encontrar fácilmente en Youtube), encuentra un universo visual particular, en el que queda claro que este relato postapocalíptico no está dirigido en absoluto al público infantil. El corto se beneficia por su mutismo y su falta de necesidad de explicar el desolado mundo que allí se describe. En 9, la película, se profundiza en el mundo pesadillesco en el que viven los muñecos de trapo sobrevivientes, y lo que más se destaca es el cuidado diseño visual, y la violencia de algunas escenas, que hacen que 9 deje definitivamente afuera de su círculo de espectadores al público infantil. Por otro lado, si bien la película hace bien en profundizar algunos aspectos de la historia, como el modo y el propósito por el que fueron creados estos muñecos, gran parte de la acción del relato se ve afectado por la necesidad de que la película llegue a la duración de un largometraje, muchas de las situaciones pierden fuerza en la traslación de una duración a la otra, y no parece que el respetar gran parte de la estructura narrativa original haya sido la mejor elección. Si al ver el corto podemos concluir que “daba para más”, este largometraje, sin ser una mala remake del corto (está muy lejos de eso), no termina de ser todo lo que se podía esperar con sólo ver el corto.

Para colmo, el mutismo, que tan bien le hacía al cortometraje porque colaboraba en la descripción de su universo, desaparece ante la necesidad mercantilista de ponerles a los personajes voces de famosos, elemento tradicional de las últimas producciones animadas, que aquí ayuda demasiado poco. Pensemos en la hermosa primera parte de Wall-E, que prescinde por completo de voces, y logra construir de manera puramente audiovisual un mundo algo parecido a este. Sí, definitivamente a 9 le hubiese hecho falta sostener la propuesta radical del cortometraje, y narrar evitando describir con palabras los hechos y situaciones que se suceden, un elemento que hubiese potenciado la fuerza de esta propuesta, siempre y cuando no se hubiese convertido en una limitación obstaculizante, como lo fue el trasladar la narración de diez minutos a poco más de una hora.

El resultado, una película de animación que tiene sus aciertos en la esmerada construcción visual y cierta originalidad en su premisa, pero pese a tener el sello Tim Burton en su producción, carece de la magia de los productos animados de Burton y de Henry Selick (9, con todas sus virtudes, no se acerca al nivel de la reciente y maravillosa Coraline), y hasta se extrañan los elementos más repetitivos del toque Burton, en una propuesta que, al inflar el cortometraje homónimo, termina entregando algunas pocas escenas originales (especialmente las más violentas y “espantaniños”), pero no logra estar a la altura del corto, extendiendo los códigos de aquel sin poder salir de la orbita dictaminada por el material original. Suele decirse que “lo bueno, si breve, dos veces bueno”. Evidentemente Shane Acker, que tiene mucho futuro por delante en la industria, desconoce por completo esta frase.

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Crítica CLOUDY WITH A CHANCE OF MEATBALLS

7 Enero 2010 | Por Leo Aquiba Senderovsky | # Enlace permanente

Crítica

por Leo Aquiba Senderovsky

Del género que más nos entusiasma ultimamente (la animación, claro está), llega Cloudy with a chance of meatballs. Esta película producida por Sony podría tomarse como una de las tantas películas animadas que son incapaces de robarle protagonismo a los tanques de Disney/Pixar, en primer lugar, o Dreamworks. Y sin embargo, esta lluvia consigue aterrizar dejando una huella considerable entre los exponentes actuales del género.

La razón es básica. Más allá de que esta película juega con el género de catástrofe parodiando furiosamente a ese tipo de películas, no hay otro signo que lo conecte directamente con el mundo adulto. Su receta para ser disfrutada por niños y adultos por igual no tiene que ver con una serie de referencias, sino con una forma concreta de narrar la aventura. En esencia, podríamos decir que Cloudy with a chance of meatballs es la película más cercana al estilo “Looney Tunes” que haya visto el cine de animación reciente (y si nos ponemos exigentes, hasta se acerca más a este estilo que las últimas películas de Bugs Bunny y compañía, como Space Jam o Looney Tunes back in action), y esta comparación se da a partir de dos aspectos que llaman la atención de esta película, su extrema velocidad y su delirio incesante y progresivo.

Si ya es algo sumamente absurdo que un invento de un muchachín bastante perdedor consiga que pueda llover comida, lo mejor es que, de ahí en adelante, la película no sigue ningún trayecto lógico que la lleve por los caminos previsibles de la aventura más chata y del mensaje moral para niños. Sencillamente se embarca en un trayecto de enorme colorido, de suma felicidad, y de auténtica locura, en un gesto que es de agradecer para quienes aún gustamos de ver películas para niños.

Tal vez, a primera vista, nos podría causar cierto rechazo la simplicidad de sus dibujos (que se asemejan más a la europea Planet 51 que a las últimas de Pixar, con su cuidado extremo por el detalle de formas y texturas), pero enseguida comprendemos que esta película no intenta innovar por ese lado, y que detrás de esa simplicidad se esconde una propuesta sumamente auténtica, que busca rescatar lo más osado y desvergonzado de la producción animada, para adosarle una buena dosis de locura a esta historia.

Si hablamos de los Looney Tunes, fácil es recordar que, desde su génesis y, especialmente, en su época más brillante, ha sabido jugar sus cartas a favor del público adulto, apelando a una catarata de guiños a la cultura popular y parodiando al extremo la pureza e ingenuidad de la animación de Disney. Al hacer una comparación entre esta película y lo que podríamos considerar como su antecesor predilecto, notamos que el delirio animado de los Looney Tunes no busca aquí potenciar una lectura paródica o adulta, sino más bien lo contrario, subirse a caballo de un imparable producto infantil, narrado a una velocidad tal que es capaz de terminar estallando en un desfile de colores vivos, aunque en ningún momento le quita a la historia el lugar que se merece.

Sabemos que los niños la disfrutarán de principio a fin, pero me permito dar un pequeño consejo para adultos. Sr. Adulto: Si usted acaba de ver 2012, permítase desempacharse de semejante sucesión de efectos fastuosos y nulidad argumental. Hágame caso. Intérnese en medio del público infantil, lleve a su hijo o al hijo de un vecino o amigo a ver Cloudy with a chance of meatballs, y verá la respuesta más enloquecida a 2012, y a todo tipo de películas por el estilo, que arroja a la basura todo lo enorme, solemne y pretencioso de este cine. Permítase marearse con la película animada más rápida, delirante y colorida de los últimos tiempos, y no se arrepentirá. Créame, la disfrutará como un niño, y sin que la película se esfuerce en darle señales inútiles de que usted también tiene derecho a disfrutarla.

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Crítica PLANET 51

5 Enero 2010 | Por Leo Aquiba Senderovsky | # Enlace permanente

Dirección: Jorge Blanco.

Crítica
por Leo Aquiba Senderovsky

La empresa de videojuegos madrileña Pyro Studios, desarrolladora de la exitosa saga Commandos (que algunos hemos jugado durante años), se lanzan al cine de animación con Planet 51. Esta película mantiene la idea corporativa de no caer en localismos (más allá de algún guiño menor). Si bien algunos hemos jugado Commandos con su doblaje original, Planet 51 se estrenó mundialmente con el doblaje en inglés, con las voces de estrellas como Dwayne Johnson y Gary Oldman, pero más allá de este aspecto, tanto aquel videojuego de estrategia bélica, como esta película de animación infantil se muestran afines a los códigos narrativos americanos.

Planet 51, a diferencia de muchos intentos de animación de distintos países, se caracteriza por unos dibujos que sostienen un nivel de calidad técnica a la altura de la animación americana. Aunque la principal virtud de esta propuesta es la idea de revertir los códigos del cine de extraterrestres, planteando un mundo habitado por extraterrestres que se vuelven paranoicos cuando un astronauta americano aterriza en su planeta, y ellos lo toman como la cabeza de una invasión alienígena. Algunos momentos muy graciosos se suscitan a partir de esa confusión, y en escenas previas a esta, como cuando los extraterrestres ven películas de ciencia ficción producidas por ellos (aunque esto hubiese tenido mucha más gracia si el enemigo mostrado en esas películas hubiese tenido forma humana y no de criaturas más pronunciadamente alienígenas que ellos).

Naturalmente, más allá de ese pequeño ingenio argumental, la trama de Planet 51 expone los aspectos más convencionales del cine infantil, achatando su ingenio a medida que evoluciona la historia, inclinándose de lleno por la aventura, y el nivel de detalle en la animación no logra ir más allá de las primeras películas de Pixar. Pero su lanzamiento mundial da cuenta de la auspiciosa oportunidad de que otras empresas logren, mediante la coproducción con países anglosajones, competir cara a cara con los mayores gestores de tanques animados en el mundo, cuando se cuenta con una buena cuota de talento creativo y con la tecnología adecuada para ello, y principalmente, cuando no se toma por idiota al público infantil.

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Crítica TONARI NO TOTORO

10 Diciembre 2009 | Por Leo Aquiba Senderovsky | # Enlace permanente

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Crítica G-FORCE

11 Noviembre 2009 | Por Leo Aquiba Senderovsky | # Enlace permanente

Título en España: G-Force: Licencia para espiar
Título en Latinoamérica: Fuerza-G
Dirección: Hoyt Yeatman.
País: USA.
Año: 2009.
Género: Comedia, aventuras.
Elenco: Bill Nighy, Will Arnett, Zach Galifianakis, Nicolas Cage (voz), Sam Rockwell (voz), Jon Favreau (voz), Penélope Cruz (voz), Steve Buscemi (voz), Tracy Morgan (voz).
Guión: The Wibberleys, Ted Elliott, Terry Rossio y Tim Firth; basado en un argumento de Hoyt Yeatman.
Producción: Jerry Bruckheimer.
Música: Trevor Rabin.
Fotografía: Bojan Bazelli.
Diseño de producción: Deborah Evans.
Estreno en USA: 24 Julio 2009
Estreno en España: 9 Octubre 2009
Estreno en Argentina: 30 Julio 2009

Crítica
por Leo Aquiba Senderovsky

¿El hecho de que una película sea simpática, la convierte en una buena película? Esta pregunta, que puede disparar un generoso debate, surge luego de ver G-Force. Yo opino que no, que sea simpática la vuelve en todo caso más digerible, le puede sumar puntos, pero no necesariamente es por ello una buena película. Hace falta mucho más para eso.

Bueno, en esta ocasión, Disney se olvidó de ese “mucho más”, y entregó una película apenas simpática. Es decir, cumplió con lo mínimo indispensable, o mejor dicho, con lo único que hoy se puede esperar de cualquier producción animada de Disney que carece de la mano de Pixar. Volviendo a lo “simpático”, podemos ver que cualquier película con protagónico compartido entre humanos y animales debe ser, al menos, simpática. Muchas veces la simpatía es lo único que tienen para ofrecer estas producciones infantiles, ya que la unión entre personas y animales siempre resulta atractiva para los niños, pero con eso solo no alcanza para que estemos ante una buena producción infantil.

Esta producción parte de una premisa bastante boba, con cobayos animados jugando a ser agentes secretos, y se desarrolla de manera coherente con esa bobería inicial, en una producción donde, naturalmente, lo único que se destaca es la animación de los cobayos. Pero claro, para eso ya habíamos visto Stuart Little, con un ratón animado interactuando con personas. Las voces no ayudan demasiado, estereotipando al máximo a cada uno de los cobayos, principalmente al que interpreta Tracy Morgan, cuya voz suele inclinarse hacia el estereotipo afroamericano. Un buen actor debería saber darle matices a su voz, no jugar desde el estereotipo trillado, que sólo hace confirmar la idea de que, hoy en día, en muchas producciones, aún se sigue segregando a los actores y a los personajes de piel negra (¿Alguien creyó que con Obama en la presidencia Hollywood iba a cambiar?). La voz de Nicolas Cage mejor ni mencionarla, basta con decir que si Cage no está en su mejor racha interpretativa, su voz menos. Y da lástima ver a Zach Galifianakis tan desaprovechado (no nos tomemos el inútil trabajo de comparar esta actuación con su participación en The hangover), así como es vergonzoso ver a un actor formidable como Bill Nighy caer en las redes de una tan espantosamente sobreactuada macchietta.

El sabor de G-Force es agridulce, nos puede caer bien por su simpatía, pero uno tiende a rechazar propuestas infantilizantes como esta, que prejuzgan la capacidad de divertimento y astucia de los niños, al punto de ser más infantiles que los propios infantes. El Disney de hoy sigue olvidándose que, si se busca mantener el honor de tan tradicional firma, debe volver a las fuentes para recuperar el candor perdido de aquellos clásicos inolvidables de la animación infantil, y saberlos combinar de la mejor manera con inteligencia y enorme pericia cinematográfica, dos valores que, en matera de animación, hoy solo se le pueden adjudicar a Pixar. Con productos como G-Force están muy lejos de esto, por más que estos cobayos animados sean muy simpáticos.

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Crítica SUKAI KURORA (THE SKY CRAWLERS)

22 Octubre 2009 | Por Leo Aquiba Senderovsky | # Enlace permanente

Crítica
por Leo Aquiba Senderovsky

El animé suele tener la cualidad de sorprendernos frecuentemente. The sky crawlers, de Mamoru Oshii, realizador de films multipremiados como Ghost in the shell o Avalon, no es la excepción. Si la animación nipona ya nos demostró varias veces que es el terreno ideal para trabajar, desde las infinitas posibilidades que da la animación, temáticas de corte netamente adulto, The sky crawlers es directamente la exposición de un discurso de corte existencialista dentro de un envase de ciencia ficción. La excusa es perfecta para un discurso filosófico de este tenor. Un mundo en el que la guerra es un elemento del pasado reutilizado en el presente como un escenario dramático, donde determinados seres, los Kildren, imposibilitados de crecer más allá de la adolescencia, están condenados a matarse en combates aéreos para regocijo del público. Ese contexto lo llevará a uno de ellos a preguntarse sobre el sentido de la vida, cuando no podrá crecer ni vivir más allá de los espectáculos aéreos.

Las imágenes de The sky crawlers impactan por su enorme belleza, particularmente, las escenas de batallas aéreas. Oshii demuestra su maestría en el campo de la animación imprimiéndole un tono demoledoramente trágico a estas imágenes. Por otro lado, la condición existencialista que se desprende de esta película está dada especialmente por las reflexiones de Yûichi, el protagonista. Las frases que dispara el personaje contrastan con el verosímil que propone Oshii y con el ritmo sumamente lánguido de la película. Si la base narrativa de este universo que se muestra en el film da pie a una construcción filosófica al respecto, el hecho de que esta lectura repose excesivamente en algunas frases demasiado llamativas, tiende a anular el desarrollo de esta visión de la historia. De esa manera, la película sólo parece avanzar en los combates aéreos, mientras que el vínculo entre Yûichi y Suito, la comandante, se pierde en la pausada evolución de la trama. Curiosamente, la belleza de esta película no termina de colaborar en la construcción del contenido filosófico, ya que lo hipnótico de las imágenes reposa específicamente en las escenas más llanas y menos ambiguas.

Sin embargo, estamos frente a una pieza más que interesante para analizar la enorme complejidad de las películas de animación japonesas. The sky crawlers es el ejemplo claro de que las películas animadas pueden soportar los planteos más originales, y a la vez, los más adultos. Definitivamente, desde la forma en que el componente fantástico se cruza con la lectura filosófica, en el germen mismo de esta historia, nos queda claro que esta película dista enormemente del pensamiento tradicional que une cine animado con público infantil. No estamos ante otra película animada que puede ser disfrutada tanto por niños como por adultos. The sky crawlers es directamente indigerible para el público infantil, sólo los mayores podrán entender la enorme complejidad que esta bella pieza de Mamoru Oshii no se preocupa por ocultar.

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Crítica ALIENS IN THE ATTIC

28 Septiembre 2009 | Por Leo Aquiba Senderovsky | # Enlace permanente

Crítica
por Leo Aquiba Senderovsky

No hay mucho para decir de esta película. Como producto destinado al público infantil, es imposible que pueda hacerle pelea a Pixar. Y no nos referimos a la animación en sí, ya que este aspecto no hace demasiado ruido en la propuesta general. Nos referimos, claro está, a la debilidad argumental, al mediocre desarrollo de la aventura, a los gags físicos un tanto insoportables (aún siendo lo más divertido de la película, el chiste repetido del novio de la nena siendo controlado por los niños o por los aliens gracias a una especie de “joystick” extraterrestre), y a la incapacidad, o total falta de intención, de hacer un producto medianamente interesante, no ya para el público adulto acompañante (esta película los excluye completamente), sino para el cada vez más demandante público infantil. Ni siquiera la presencia de la popstar Ashley Tisdale genera un mínimo de atractivo para este público (si mal no recuerdo, la ex High School Musical, afortunadamente, no canta en ningún momento de la película, por lo que el atractivo de su presencia se reduce considerablemente).

La película podría haber brindado alguna que otra escena interesante si se hubiese detenido en los conflictos internos entre algunos de los chicos que comparten la casa de vacaciones. Pero la aparición repentina de los extraterrestres anula completamente estos conflictos, que sólo consiguen aparecer mínimamente al comienzo de la película. De ahí en más, se da una suerte de mezcla entre E.T. (uno de los extraterrestres es bueno y se encariña con los chicos) y Gremlins, pero sin talento alguno, ni narrativo, ni estético.

Hay películas a las que le suma enormemente su capacidad de constituirse como productos entretenidos. Dado que la única virtud de Pequeños invasores es ser medianamente entretenida, esta cualidad apenas merece ser mencionada. Mensaje para los realizadores de este subproducto: No se puede salir a la palestra si lo único que hay para competirle al habitual talento narrativo de los grandes creativos del cine de animación americano, es una estrella pop adolescente, unos extraterrestres animados sin gracia, y una suma de chistes remanidos. Los chicos la pasarán bien con esta película, pero saben perfectamente que el cine animado les está entregando actualmente productos infinitamente más interesantes.

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Crítica UP

27 Agosto 2009 | Por Leo Aquiba Senderovsky | # Enlace permanente

Dirección: Pete Docter.
País: USA.
Año: 2009.
Género: Animación, comedia, aventuras.
Doblaje original: Ed Asner (Carl Fredricksen), Christopher Plummer, John Ratzenberger, Delroy Lindo, Jordan Nagai (Russell).
Guión: Bob Peterson.
Producción: Jonas Rivera.
Música: Michael Giacchino.
Estreno en USA: 29 Mayo 2009
Estreno en Argentina: 11 Junio 2009
Estreno en España: 31 Julio 2009

Sinopsis

De Disney y Pixar nos llega “Up”, una comedia sobre un vendedor de globos de 78 años, Carl Fredricksen, quien finalmente consigue llevar a cabo el sueño de su vida al enganchar miles de globos a su casa y salir volando rumbo a América del Sur. Pero descubre demasiado tarde que la mayor de sus pesadillas se ha embarcado también en el viaje: un explorador llamado Russell, que tiene 8 años y un optimismo a prueba de bomba.

Crítica

por Leo Aquiba Senderovsky

La sinopsis que aquí se adjunta se olvida de mencionar un elemento que el eje mismo de la travesía del viejo Carl y su pequeño compañero, elemento que a su vez vuelve especial a esta hermosa producción de Pixar. El elemento en cuestión es la historia de amor de Carl y su mujer, y la necesidad de Carl de emprender esa aventura como un modo de despedirse de su compañera de toda la vida.

Los primeros minutos de Up resumen absolutamente todo. Lo primero que vemos es a un niño Carl admirando en el noticiero cinematográfico la figura del aventurero Muntz. Luego se encuentra casualmente con Ellie, una niña que también fantasea con una vida de constante aventura, y en cinco minutos, la enorme pericia narrativa y visual de Pixar nos revela la vida de amor que unió a Carl y Ellie, desde el casamiento, el trabajo y la cotidianeidad que obligaron a ambos a postergar sus sueños, la felicidad que los unió pese a no poder concretar sus anhelos más grandes, incluyendo el de tener hijos, y la pacífica vejez que compartieron hasta la partida de Ellie. Estos pocos minutos no sólo logran afirmar la base sobre la cual se apoyará la aventura, sino que consiguen demostrar que el elíptico (para el espectador) amor de Carl y Ellie, que luego se reafirma lógicamente como un “amor en ausencia”, es mucho más fuerte, más sobrecogedor que el supuesto romance que construyen casi todas las comedias románticas americanas de idénticas fórmulas y mediocres resultados. Antes que nada, Up es una conmovedora historia de amor, de un amor que define una vida, un espíritu de aventura dormido, una casa en las nubes (en cada mueble, cada objeto que allí habita puede distinguirse el amor de los dos), o mejor dicho, es una conmovedora historia de amor y de cómo guardarlo en la memoria de la mejor manera posible, con la desgarradora pasión que ello conlleva, despidiéndose de los objetos, y grabando en el corazón el recuerdo de la persona amada.

Up está mucho más cerca de la luminosidad de Bolt que de la poesía post-apocalíptica de Wall-E. Sin embargo, al igual que esta última, Up es un texto que apunta especialmente al universo adulto. A diferencia de Wall-E, donde la relación entre los dos robots lograba que la potencia de la animación no requiera de diálogos, definiéndose mucho más como un film para adultos que para público infantil, en Up la aventura no tarda en aparecer, con villano despiadado, animales que hablan (aunque sea mediante un dispositivo creado por el villano de turno), y niño compinche, y por más que la aventura sea mínima comparada con la conmovedora historia de amor que subyace, se nota la necesidad de que este film no prescinda de la típica aventura con el sello Disney.

Podría decirse que los minutos dedicados a describir la historia que une a Carl y Ellie, son comparables a las escenas que plasman el vínculo de los dos robots en Wall-E. Up podría prescindir del resto, principalmente de la aventura, por más que se sustente en la historia de amor. Aclaro, no es cuestión que prescinda en sí de la aventura, sino de lo que ella conlleva, de la acción, el villano, los animales buenos y malos, etc. Naturalmente, se entiende que Up necesita de esos elementos pedestres y pueriles para poder funcionar en la taquilla, pero detrás del manto Disney, se nota, como siempre, la fina y aguda mirada que sustenta el espíritu Pixar, mirada que en el caso de Carl, se asemeja en su cadencia a la del viejito con su juego de ajedrez en Geri’s game, bellísimo corto de Pixar realizado hace doce años y ganador del Oscar. Carl, al igual que aquel anciano, se apropia del ritmo de su película de manera completamente inusual para una película animada infantil, en este caso con Russell, el niño explorador que lo acompaña, como un equilibrio perfecto para la narración.

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