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Y siguen las Críticas …….


“LA OLA”

Título original
: Die welle

Dirección: Dennis Gansel

País: Alemania

Año: 2008

Reparto: Jürgen Vogel, Frederick Lau, Max Riemelt, Jennifer Ulrich, Christiane Paul.


“MENTIRAS PIADOSAS”

CRITICA DE ESTA PELICULA (Encadenados)


CRITICA DE ESTA PELICULA (Cineramaplus)

DIRECCIÓN: Diego Sabanés.

GUIÓN: Diego Sabanés; inspirado en el relato
“La salud de los enfermos” de Julio Cortázar.

ACTORES: Marilú Marini ,Walter Quiroz ,Claudio Tolcachir.

PRODUCCION: Benjamín Ávila, Maximiliano Dubois
y Diego Sabanés.

PAÍS: Argentina.

AÑO: 2008.

Pequeño manual ilustrado del buen afgano, (con destacada colaboración de la real academia norteamericana).

Sobre “Cometas en el Cielo”.
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Niño rico y niño pobre; lealtad, celos, valentía, cobardía, sacrificios, injusticias gratuitas (uf! si las hay: en una de las primeras escenas violan al niño pobre). Arrepentimientos, resarcimientos y por sobre todo voluntad, mucha voluntad. Fidelidad, amistad incondicional y admiración del niño pobre hacia el rico.
Celos y “sana” envidia del niño rico hacia el pobre. Porque este es valiente y audaz; dosis que le falta para colmar de satisfacción a su padre.
El niño pobre sirve las bebidas en la fiesta de cumpleaños de su mejor amigo e inclusive tiene que servirle al adolescente que lo violó. Que más decir. . . .
Invaden los rusos Afganistán y el niño rico se exilia con su padre a la tierra de las “oportunidades y de la libertad”, los Estados Unidos de Norteamérica. Allí los asilan y consiguen un hogar y trabajo digno; hasta, ya adulto, encontrará el amor, obviamente que con una mujer de su misma etnia, y se casará. Pero a este joven honrado y obediente lo atormenta la culpa por el mal comportamiento que tuvo con su par, al cual siempre recuerda (desde lejos).
Por esas cosas de la vida, el destino (y no él) determinará que vuelva a su país, y es así que tendrá la oportunidad de redimir los pecados de su infancia. Nos enteramos que el joven pobre formó una familia; pero lamentablemente muere acribillado con su esposa debido a conflictos civiles de su país, y su hijo queda en manos de los talibanes.
También resultará que a él joven rico le revelarán que su amigo de la infancia fue su hermano, fruto de un romance fugaz entre su padre y una sirvienta (un paria). Por lo que, para enmendar sus errores y los de su padre, tratará de rescatar a su sobrino de esta nueva y devastada Afganistán.

Todo esto es demasiado. Demasiado demagógico, atiborrado de clichés sentimentalistas, de los lugares mas comunes del drama; desbordado de golpes bajos y con el aporte de una mirada sumamente subjetiva, en donde prevalece todo el tiempo el imaginario de la cultura occidental (en los comienzos del film se lleva a cabo una de las carreras mas originales del cine, una competencia de cometas, en la cual la estética se mecha entre la imagen poética y metafórica propia del cine iraní y la puesta en escena vertiginosa típica de una carrera de autos del maestreim norteamericano).
En esta historia no hay lugar para tamices intermedios. Hay muy malos o muy buenos; de los más valientes y los mas cobardes ; pero si hay espacio para “el deber hacer” y así poder enderezar situaciones indebidas, obviamente habrá que sacrificarse y asumir los “castigos” que depara la vida como consecuencia de tales acciones; en fin…, pensar que una de los comportamientos que se le adjudica al terrorismo es el extremismo. Paradójico, no?.
Por otro lado, como diría aquel famoso refrán, “no aclares que oscurece”; el querer sobreexplicar que hay buenos afganos –no todos son talibanes- además de subestimar a él espectador, deja flotando en el aire cierto tufillo a prejuicio. Acaso resabios de la política antiterrorista instalada por Mr. Bush?.
Esta ficción, basada en el best- seller del escritor Khaled Hosseini, pretende abarcar tanto que no logra obtener la consistencia adecuada, el relato vuela por demasiados lugares.
Según un experto en el tema: “La cometa es un juguete o instrumento de fácil manejo, pero debemos tener en cuenta algunos requisitos, además de las condiciones del viento. Aunque toda cometa esta diseñada para volar, la persona que quiera volarla lo debe tener que hacer y sentir de verdad…. “
Elevarse de verdad es lo que este film no logra, ya que se percibe demasiado la artificialidad del vuelo.

Maria Paula Ríos

SOBRE LUIS OSPINA

Luis Ospina nace en Cali, Colombia un 14 de junio de 1949. La pluralidad de sus habilidades como director, montajista, productor, guionista y actor, dan cuenta de la creatividad, el talento, apasionamiento y sensibilidad que este artista caleño posee por el cine. Desde su adolescencia es un “activista cultural”, ya que frecuentaba asiduamente teatros y cines. En esta etapa demuestra una fascinación por el género de terror, influencias que se verán manifestadas en su primer largometraje “Pura Sangre” (1982), inspirado en don Adolfo Aristizábal, un poderoso industrial colombiano que necesita sangre de jóvenes víctimas (escogidas entre las distintas clases del proletariado) para sobrevivir. La misma, a su vez, funcionaba como una metáfora visual social que relaciona el vampirismo con la explotación de los oprimidos por parte de la clase dominante. En 1971 se reúne con sus amigos Carlos Mayolo, Ramiro Arbeláez, Andrés Caicedo y Patricia Restrepo y forman un grupo autodenominado Grupo de Cali, que mas tarde se reconocerá como la emblemática corriente cinematogr Caliwood. Esta concepción del cine se vincula con el filmar en la región, en los márgenes de la ciudad de Calí y con la recurrencia de abordar tópicos como el vampirismo, las drogas, la rumba, etc. La cultura popular en si abordada con un tono intensamente oscuro, macabro y sórdido. El grupo también abrirá un Cine-Club donde realizaran proyecciones públicas, que en un primer momento tenían como sede un teatro, pero que terminaran efectuándose en la casa del mismo Ospina. En este espacio se podían ver películas de Bergman, Buñuel o Antonioni, el gran cine de los años setenta. Y tenía como meta iniciar cinematográficamente al público, por esto no solo se limitaban a proyectar películas, sino que también repartían material teórico sobre las mismas. En paralelo fundaron la revista independiente “Ojo al Cine” dedicada al análisis y la reflexión del séptimo arte. Entre las realizaciones mas destacadas de Luis Ospina encontraremos “Agarrando Pueblo” (1977), realizada junto a Carlos Mayolo. Un mockumentary (falso documental) donde ambos directores registran intencionalmente con una insolencia casi grotesca a personajes callejeros que se encuentran en los contextos mas marginales. El carácter subversivo del film se relaciona con una posición contestaría ante un mercado internacional que venía a Colombia a llevarse retratos de pobreza y violencia gratuitamente, ponían de manifiesto la morbosidad sin explicar causas y razones del porque del subdesarrollo tercermundista. Agarraban pueblo, sin importarles el otro, sin ni siquiera tratar de entender la situación de las personas a la que filmaban. El mismo Ospina denominará a este recurso “pornomisieria”. La película, paradójicamente, al denunciar este estilo o modo de registro que no se acerca a la realidad dignamente, pone en evidencia total que no hay ingenuidad detrás de una cámara, que las formas de captar “la verdad” siempre van a estar manipuladas o teñidas de algún vestigio de engaño. Siguiendo su línea documental años mas tarde filma: “La desazón Suprema: retrato incesante de Fernando Vallejo” (2003). Fernando Vallejo, aquel escritor colombiano muy controversial radicado en México, que alcanza un alto grado de reconocimiento con su novela “La Virgen de los Sicarios”, la cual fue llevada a cine por el francés Barbet Schroeder. Ospina toma su cámara y se instala, en México, en la casa de Vallejo, donde lo filmará en su cotidianidad. Lo que procura captar es al ser humano tranquilo y frágil, mas allá del personaje público cuyas declaraciones a menudo son de lo más extremas y polémicas. El film es un acercamiento intimista que nos permite observar una de las facetas de Vallejo menos exploradas. En el 2007 vuelve con otro mockumentary, “UnTigre de Papel”, que gira en torno a la vida de Pedro Manrique Figueroa, precursor del collage en Colombia quien desaparece misteriosamente en 1981. Justamente, en alusión a su protagonista, la película es un collage que examina las relaciones que han existido, entre el arte, la política y todo tipo cuestiones sociales (incluyendo a los mas variados personajes), en un recorrido histórico entre los años 30’ y 80’ de Colombia. Es como si este tramo de historia se corporizará en Figueroa, ya que el mismo estará físicamente presente en los grandes acontecimientos que se suceden. Ospina utiliza este personaje que funciona como una especie de memoria social, para realizar una revisión y reflexión sobre su generación y a su vez sobre la identidad del cine mismo. Según sus propias palabras: “en el cine uno miente y miente y miente para poder decir la verdad”. Como todos los grandes artistas Luis Ospina está comprometido con su arte, con lo que expresa y con sus orígenes. Su dinamismo, pasión e ingenio lo llevan a experimentar las mas vastas manifestaciones cinematográficas, generando así una reflexión aguda sobre la concepción del cine, y a su vez, por su compromiso social y político, posicionándose como un legador de identidad del cine colombiano.

Maria Paula Rios

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LA NUBE ERRANTE

“Estos artistas de la ansiedad no pueden, evidentemente, ayudarnos a vivir, pues su vida ya es de por si difícil, pero su misión consiste en obligarnos a compartir sus obsesiones. Con ello, incluso y eventualmente sin pretenderlo, nos ayudan a conocernos mejor, lo que constituye un objetivo fundamental en toda obra de arte” (Francois Truffaut, párrafo del libro “El cine según Hitchcock”)

Como definir a La Nube Errante? Es poesía en imágenes?
Es una película porno? Es una historia de amor? Una apología a las sandías? Un musical?.
Es todo esto y mucho mas, porque Tsa Ming Liamg crea una puesta escena minimalista y verosímil que, paradójicamente, provoca sensaciones con vestigios de lo mas empalagosos.
Establece una dialéctica entre las condiciones limites de la realidad, lo que provoca en el espectador indefinidas gamas de percepciones.

Organiza de modo tan sugestivo los espacios que no hay necesidad de dialogo; ya que en su mundo predomina lo corporal fusionado de una manera muy natural en las situaciones que crea. Como una especie de cine de lo físico que causa efecto de conmoción, un eco en el cuerpo.
Su visión cinematográfica nos transporta a ese instante en donde el cuerpo y el “yo” se desdoblan, donde no hay explicación para nuestras emociones; alrededor de ese vacío donde sentimos vértigo y pareciera que concebimos la experiencia en carne viva.

TML, bordea los espacios vacíos de la vida con una sutil e hipnótica belleza, como también lo hace con una alta dosis de seca sordidez.
Y de ambos modos genera arte (estética y conceptualmente), ya sea con solo mostranos efímeras pompas de jabón, una caza de cangrejos en una cocina, sombras en una pared, una pieza de baile en una ciudad desolada, un rió poblado de sandias; o como con insinuarnos una escena de sexo explicito, en donde el éxtasis de sentir amor por alguien lleva a colmar ese vacío de angustiosa soledad y saciar hasta el borde de las lagrimas esa necesidad que posee el hombre de sentirse vivo.
No queda nada mas por decir, solo resta ver el film y experimentar.

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Maria Paula Rios

DESPEDIDA DEL BAFICI….. CINE LATINOAMERICANO

Mamachas del Ring, de Betty Park.



Con las polleras bien puestas….

Si bien las cholitas, auténticas representantes del mestizaje andino, a lo largo de la historia de Bolivia padecieron la discriminación y el racismo, demostraron su capacidad de resiliencia; apropiándose de las calles de la ciudad con gran ímpetu comercial; integrando parte del poder político (como ministras, senadoras, diputadas); afianzando popularmente su estereotipo de belleza; e incursionando como campeonas de catch.
No podemos dejar de mencionar que el actual presidente de Bolivia, Evo Morales, fue de vital importancia a la hora de revalorizar y defender los derechos de las culturas indígenas bolivianas.

Bajo la dirección de Betty Park, y en coproducción Estados Unidos- Bolivia, se estreno, en la 11 edición del Bafici, el documental Mamachas del Ring. El cual también se encontró en competencia en la sección Cine del Futuro.
En el film seguimos, por tres meses, las vivencias de Carmen Rosa La Campeona, quien junto a Julia La Paceña, Martha La Alteña y Yolanda La Amorosa, son protagonistas de uno de los shows de catch mas populares de Bolivia. Pero no estará para nada allanado el camino de las mamachas. A pesar de haber triunfado en Perú, como locales las cosas son más difíciles; El Gitano, veterano luchador de catch, quién en un principio las entrena y arma sus shows, no tardará en sentirse amenazado y las separara. Yolanda La Amorosa se queda con él y las demás se abren por su cuenta. Entre los impedimentos que pone El Gitano para que las cholitas no presenten shows, sumadas las demandas familiares, hará que Carmen Rosa se plantee tener que elegir entre el catch o su familia. Elección que realmente sufre y padece, porque la lucha la libera, la enaltece y la dignifica; practicándola cobra más identidad que nunca.

Betty Park avanza el relato entre las escenas reales y animación. El stop motion responde con espíritu lúdico, en este espacio las cholitas se enfrentan en el ring con el “archivillano” Gitano.
Pero en la última media hora la película empieza a opacarse, pierde ese espíritu entusiasta y combativo que tan bien caracteriza a nuestras mamachas, adquiriendo una atmosfera melancólica y muy pesimista, y como descartando, a Carmen Rosa, posibilidades para que logre encontrar una convivencia entre el catch y su familia.
Creo que Bety Park se apura a juzgar una situación que aún no tiene una resolución definitiva, lo cual desencanta y contrarresta esa tonalidad eufórica y lúdica que bien se planteaba al comienzo del film.

María Paula Ríos

Bagatela, de Jorge Caballero



Una cámara fija, en los pasillos y en los despachos de defensoría legal en un juzgado de primera instancia en Colombia, funciona como testigo de cientos testimonios de personas, en su mayoría indigentes, acusadas por delitos menores.
Caballero registra el funcionamiento de un sistema de penalidad muy severo para delitos que no lo son tanto y que, mayormente, son consecuencia de conflictos sociales como la falta de trabajo, el hambre y las drogas.

Film heredero, por su forma, de aquella realización de Raymon Deparmon Delitos fragantes (1998), en la cual, también, se rescatan testimonios de delitos menores en salas de audiencias públicas, pero en este caso, en los tribunales franceses, Bagatela funciona generando un profundo impacto; la cámara inmóvil revelando conversaciones entre abogados y acusados, es un plano dotado de significación, porque reclama al espectador asumir una posición, sea guiado por el deseo del castigo o de compasión . Y también incide en el comportamiento de los protagonistas por el solo hecho de saber que la cámara se encuentra allí, grabando.

Vender CD truchos en la calle, robar una colonia, un celular o cable de teléfono, puede costar hasta dos años de prisión, por supuesto sin poseer antecedentes. Como pasa en la mayoría de los países latinoamericanos, los beneficios se lo llevan las cadenas multinacionales, aquellas con política de explotación laboral; y las mayores condenas los individuos que mas carecen y no pueden acceder a lo que estas cadenas, predicadoras del deseo consumista, venden. Sobre la mirada de este injusto sistema judicial, producto de valores humanos invertidos, se basa el notable documental de Jorge Caballero.

MPR

La Colorina de Fernando Guzzoni



Este documental chileno reconstruye la difusa imagen de Stella Diaz Varin una genial poetisa y musa inspiradora de personalidades del mundo de las letras como Alejandro Jodorowsky, Armando Uribe, Raúl Zurita y Nicanor Parra entre otros.

Anarco punk y dueña de una avasallante personalidad, fue fiel a sus principios y a sus ideales en plena dictadura Pinochetista. Una artista iconoclasta y totalmente transgresora del sistema chileno de esa época; deambulando entre ensueños y la marginalidad, La Colorina, así la llamaban por su larga cabellera roja, recorrió las calles bebiendo y derrapando poesía.
El film recoge testimonios de la misma Stella, quien antes que este concluya muere de una grave enfermedad, imágenes de archivo y declaraciones de varios poetas y escritores que la conocieron de cerca.

La música y los materiales gráficos que alternan los testimonios, dignos de una estética pop art fundamentada, retratan fielmente esta poetisa talentosa, autentica y desbordante que bien merecen la reivindicación y el reconocimiento del pueblo chileno.

MPR

Parque Vía de Enrique Rivero



Parque Vía es una ficción narrada con elementos documentales, o una docu-ficción, con una impávida cámara testigo en mano, que registra la vida de Beto, (Nolberto Coria, quién actúa de si mismo) un hombre mayor que cuida una casona en la Ciudad de México, desde hace muchos años, que está en venta. Entonces observaremos los monótonos y esquemáticos hábitos de Beto, cuando se baña, cuando come, cuando limpia, cuando se encuentra con la Señora dueña de la casa o como cuando recibe la visita de su “amiga” religiosamente una vez a la semana. Beto está sumergido en este espacio del cual no puede ni quiere salir, su vida se limita a esto; se comunica con muy pocas personas y tiene una especie de fobia social, cuando se encuentra en la calle o en el mercado, transpira, tiene palpitaciones, hasta llegar al desmayo.

Entonces ¿qué pasaría si la casa se vende?, ¿cómo reaccionaría Beto?, es a partir de la repuesta a este cuestionamiento que Enrique Rivero añade lo ficcional en este retrato. Relato no exento a asuntos como la acentuada diferencia de clases sociales, y la incidencia del capitalismo, la tan arraigada moral cristiana y los (mal comunicadores) medios de comunicación, en la pasividad y la polarización de pensamientos que tiene este Beto totalmente alienado.

Cine minimalista y cotidiano, con actores no profesionales y de bajo presupuesto son las máximas que marcan la tendencia hoy en día en el circuito festivalero, donde se vislumbra una desproporcionada apuesta a los elementos formales de los films.
El problema reside, debido a esta celebrada tendencia, en que surgen miles de producciones de este estilo y la mayoría se tornan tan calculadas, tan de formula, que se esfuman los rasgos de autor, que en definitiva son los que hacen ser autentico a un director.
Por lo que podemos encontrar realizadores que realmente manejan muy bien estos recursos (el último Carlos Reygadas, Lisandro Alonso o un Hou Hsiao-Hsien), porque es esencial a ellos mismos esta forma de filmar. Asimismo también están a los que se les cuela la artificialidad por el uso premeditado de estos elementos formales.
Y creo que este es el caso de Parque Vía, a pesar de disparar cuestiones muy interesantes, no logra generar credibilidad en los hechos que se suceden y la resolución es bastante previsible.

Para finalizar acudo a una cita de André Bazin en la cual expresa su opinión sobre la “política de autor”:… “Por fin una película se identifica a su autor y su éxito no se debe a la suma de diversos elementos –buenos actores, buen guión, buen tiempo– sino que depende de la personalidad del único que manda; el talento se cotiza y como me decía un productor: “no cuesta nada y puede reportar mucho”. André Bazin.

MPR

Soy Huao de Juan Baldana


Juan Baldana se interna en la selva amazónica con una familia huaoraní y registra, sin ningún tipo de intervención, sus costumbres diarias, como se relacionan entre sí y con las diferentes instituciones (educación y religión) que comienzan a entrometerse en esta comunidad.

Los huaoranís, quienes habitan la selva amazónica ecuatoriana, son una de las tribus mas autóctonas, mantienen casi puros sus hábitos. Se caracterizan por ser grandes cazadores, recolectores y guerreros, y es por su hostilidad que pudieron mantener gran parte de su territorio y sus costumbres.

La cámara observa y no juzga, el sonido del ambiente acompaña. Contemplar a esta familia en su cotidianidad realza, dolorosamente, lo afectados que están los valores en nuestra sociedad. Como se organizan, trabajan juntos, se ayudan, se protegen, se divierten…, se respetan. Y también a darnos cuenta lo necesario y esencial que es para los seres humanos tener contacto con la naturaleza. La convivencia es muy armónica entre los miembros de la familia y el entorno que rodea.

Por otro lado veremos cómo intervienen la iglesia católica y la educación formal en sus vidas. Y, también, como las industrias petroleras, que necesitan su consenso para la explotación de hidrocarburos, empiezan a influir cambiando sus hábitos alimenticios, de salud y culturales, trayendo medicamentos, alcohol, gaseosas, ropa y la televisión. Promoviendo el consumismo y creándoles cierto grado de dependencia.

Es muy valioso el material que recopila y el tratamiento que logra Juan Baldana en su opera prima. A través de mera observación y respetando el idioma y el hábitat de este pueblo, nos brinda un espacio para reflexionar sobre nuestra sociedad, sin necesidad de redundar con aportes o explicaciones externas al universo de esta tribu.

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MPR

CAFE LUMIERE

“Una Realidad Donde el Espacio no es Distancia y se Viaja Por el Tiempo….”


La cultura oriental, a diferencia de la nuestra, enfatiza la cualidad de lo intuitivo por sobre lo racional, ya que considera a este último atributo un artificio propio del ser humano; por lo que confiere mayor atención a la contemplación de la naturaleza y explora a la misma para tratar de percibir la condición de su movimiento.
Desde este tímido esbozo filosófico podemos acercarnos, muy modestamente, a la noción de cine contemplativo. Noción que hace referencia al cine en su forma mas noble y que se puede apreciar substancialmente en Café Lumiere, ya que en el transcurrir de la misma podemos presentir en los personajes, complacencia o displacer en el mero habitar, la preocupación, la indiferencia, la alegría, la tristeza….; o contemplar como los mismos deambulan por las calles, los encuentros de miradas, los roces y al mismo movimiento, autónomo, sin necesidad de mediar con las reglas del tiempo.

Hou Hsiao-hsien crea un universo singular en donde las imágenes están teñidas de emotividad, una aprehensión intuitiva que desafía toda intervención conceptual. Es a partir de la composición de una sinfonía coral de luces, contrastes y apacibles movimientos de cámara que matiza momentos encantadores y de estilizada belleza que abordan a la imagen en su más pura esencia.

Los procesos que se utilizan en el film rozan un espíritu anti-trágico, por lo que la historia fluye sobre la descripción de lo concreto como tal, sin pretensiones totalizadoras en un sentido social o moral. Se presenta un argumento difuso, carente de intriga y dramatismo que, sin embargo, igual nos cuenta algo. “….. Ante los objetos próximos, lo que se ve y se escucha, surge la admiración y el entusiasmo que pertenecen al ámbito de la emotividad. Lo que suscita a la misma es un árbol, un niño, un anciano, la gente, viajar en autobús, todo… lo concreto”. (Peter Handke).

En Café Lumiere los umbrales cobran significancia como espacios de transición, lapsos en donde los cuerpos perciben las diferencias de los lugares; umbrales entre una habitación y otra, entre la casa y la calle, entre el asfalto de la ciudad y el verde del campo, entre los contrastes de dos generaciones y, donde se alcanza el espacio de transición por excelencia, en el viaje, porque es la vía más adecuada para evadirse sutilmente de lo cotidiano. Para que esto ocurra no es necesario hacer un viaje muy lejano, este leve distanciamiento se puede conseguir variando el trayecto que habitualmente realizamos, como lo hacen los protagonistas de Café Lumiere, ya sea alternando los viajes en tren o en las idas y vueltas que se suceden del campo a la ciudad.
Si nos dejáramos llevar por lo que nos sugieren el cuerpo y los sentidos sobre los espacios de la vida, sin necesidad de cargarlos todo el tiempo de significaciones, podríamos aceptar legítimamente otro modo de mirar la realidad. Modo que transciende la frontera de la racionalidad, se emparenta con lo intuitivo y encuentra sostén en las vivencias armonizadas entre lo corporal, lo espiritual y la naturaleza.

Creo que a Hou Hsiao-hsien le interesa sugerir a través de la imagen pura una reflexión aguda sobre los episodios menores de la vida, por lo que el contemplar las situaciones desde esta perspectiva hace que el espectador se involucre, ya que el universo que se explora constituye un registro paralelo al de los hechos diarios. Es entre ambos registros (el de los personajes y el del espectador) que surge un lugar para el pensar, yo agregaría un pensar de tipo liberador.

Considero que sobre este punto reside la genialidad de la obra de este gran director. A través de una puesta en escena minimalista prácticamente sin diálogos, además de extasiarnos ante una estética visual magnifica, sugiere momentos de reflexión o advierte una postura filosófica sobre nociones tan globales y propias del ser humano como la de la vida, el amor, la muerte, o los tipos de relaciones. Cuestiones todo el tiempo presentes en la historia, desde el embarazo de la protagonista, el velorio al que acuden sus padres en la ciudad, hasta en los excéntricos dibujos de trenes que realiza Hajime.
Películas como estas son las que afianzan e instalan genuinamente, una vez mas, la posición de que el cine es hacedor de arte.

Maria Paula Ríos

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EL CAMINO de Ishtar Yasin Gutierrez


“Las fronteras son hechas para los pobres, los ricos pueden volar”



“El Camino” es el primer largometraje de Ishtar Yasin Gutierrez. Este aborda el tópico de la migración por necesidad exclusivamente económica y todos los inconvenientes, como el desarraigo, las malas condiciones de vida, la separación entre seres queridos o el abuso infantil, que este fenómeno puede traer aparejado según las causas y condiciones en que transcurra. Este film es una road movie que divaga en la incertidumbre, porque nos situa ante el universo tal cual lo percibe Saslaya, una niña de doce años, quien decide junto a su hermanito menor Dario abandonar Nicaragua, en donde viven con su abuelo en la extrema pobreza, para ir en busca de su mamá quién años atrás fué a Costa Rica en busca de trabajo, de una oportunidad que le brinde otro modo de vida mas digno. La cuestión es escaparse de ese lugar y de los abusos sexuales que padece la niña por parte de su abuelo. La esperanza está en otro lado, allí donde está su madre. Saslaya y Darío conocerán varias personas y lugares, se la arreglaran para comer; y también jugaran. En este trayecto, en el cual están acompañados por otras familias quienes también huyen, merodeará todo el tiempo un señor extranjero, rodeado de lujos y de jóvenes y bellas chicas. El mismo Sr, regenteador y pedófilo, que dará un bellísimo espectáculo de marionetas en la plaza y de quién terminará siendo víctima Saslaya, como tantas otras niñas , cuando se pierda de su hermanito. Rodajes en exteriores con cámara en mano, tomas largas, personajes sin rumbo definido…, una estética que nos remonta a la de la nouvelle vague por su carácter sensible, enlazado con un registro documental, mas terrenal y realista; lo cual nos hace reflexionar en como se expone una triste verdad detrás de esta historia ficcionada.

El clima del film es tan ambivalente, oscila entre lo oscuro, confuso y angustiante, pero a su vez esta teñido de una pureza, de una ingenuidad, ludicidad y ternura propia de un niño. Recurso muy logrado por la directora ya que nos genera mas conmoción involucrándonos emocionalmente con la historia. Y a pesar de la sensación de incertidumbre y de los sucesos que parecen ocasionarse por arte del azar, todo termina girando sobre los mismos ejes, el abuso, el desarraigo, la soledad y la vulnerabilidad a la que se encuentran expuestos los protagonistas. Es una historia rizomática, circular, donde Saslaya parece no tener otra salida que en la de devenir nuevamente victima del abuso sexual.

Es gratificante ver una película que mas allá de sus expectativas formales, las cual efectúa sobradamente, cumpla una funcionalidad como la de sugerir o mostrar la situación de riesgo en la que se encuentra la población mas vulnerable, la de los niños. Ishtar Yasin Gutierrez desnuda, sin demagogias ni aleccionamientos, una realidad incómoda que muchos prefieren no ver.

Maria Paula Rios

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TRAILER “EL CAMINO”


ENTREVISTA CON Ishtar Yasin Gutierrez

ANALISIS PSICOSOCIAL DE “EL PLACARD”

¿Simularías ser otro para conservar tu trabajo?

Esta es la mentira que Pignon (el personaje principal), persuadido por su nuevo vecino Belone, hará circular en su trabajo al enterarse que va a ser despedido;simula ser homosexual. A partir de esta revelación, Pignon, un hombre pesimista, inseguro e ignorado por su ex esposa y su propio hijo, pasa a ser el centro de atención en la compañía que trabaja. La escena del comienzo es muy significativa para retratar la situación en la cual se encuentra, ya que es el único empleado desplazado de la fotografía grupal. Cuando los rumores de su orientación sexual comienzan a circular, la historia transitará sobre los cambios de actitud por parte de sus compañeros y su propia familia hacia él. Solapado bajo un tono de comedia se disparan cuestiones emocionales turbadoras a través de los conflictos que suceden en la vida del personaje. Quién ampliará sus horizontes y comenzará, gradualmente, a redescubrirse para mejorar su manera de vivir.

Cuestión de géneros

Citando la historia, sabemos que en el inconsciente colectivo de los individuos de una determinada cultura, se perpetúan una serie de arquetipos que condicionan una manera de ver y vivir en el mundo. Los arquetipos de género han estado presentes en la cultura occidental determinando “el rol” que les corresponden al hombre y a la mujer. Estos se pueden considerar los ancestros de los estereotipos de hoy, los cuales nos han sido revelados con la mitología. Modelos que concilian hechos históricos con fantasías y realidades con deseos, asociados a creencias religiosas, valores éticos, mandatos morales, sobre lo que se debe pensar, sentir y hacer; siendo parte de nuestra herencia cultural internalizamos estos patrones, los arraigamos. Como sabemos, desde los comienzos, la visión femenina estuvo a la sombra, y predominaron los modelos masculinos, una construcción social con intencionalidad de sustentar más poder. Por lo que nos situamos ante una perspectiva sociocultural influenciada por conceptos patriarcales.

Entonces ¿cuáles son las repercusiones de este modelo patriarcal, y en consecuencia, el de la producción capitalista en el Imaginario Social?. Si reconocemos que las características de género son una construcción social, podemos entender estas como una categoría dinámica, por lo tanto modificable. La familia, la escuela, los medios de comunicación y la sociedad son responsables de las formas del como “deber” pensar, sentir y actuar. La masculinidad posee un elemento clave que es el ejercicio del poder; aplicado en un sentido amplio, poder también significa controlar sentimientos, emociones y necesidades afectivas, por lo que en la mayoría de los casos cuantos más exigentes son los atributos del “macho”, más difícil será identificarse como tal. Ante tal presión la respuesta puede ser tanto una identificación homosexual o una conducta exageradamente machista para ocultar y disimular las dudas sobre su propia masculinidad, su sexualidad. El personaje secundario de la película, Felix, compañero de trabajo de Pignon catalogado de homofóbico y racista, esta continuamente degradando verbalmente a los homosexuales y se esfuerza de sobre manera en demostrar su virilidad, como, por ejemplo el modo en que trata a su mujer cuando llega a casa, esta debe servirle el whisky y no hacerle preguntas; o siendo capitán del equipo de rugby para mostrar su rudeza, pero reprimiendo, tras esta fachada, su verdadera sexualidad, sin dejar emerger su verdadera identidad. Pero una situación desestabilizante, estar cerca de Pignon “por compromiso”, hará que surja su verdadero yo y se confiese “saliendo del closet”.

Repercusiones del desempleo en una sociedad patriarcal y un sistema capitalista.

Otra función atribuida al hombre que constituye respetabilidad en la sociedad es el trabajo remunerado, el cual permite obtener reconocimiento social y otorga seguridad y autonomía. Por eso mismo, la pérdida del empleo genera tensiones, no solamente económicas, sino también afectivas y de identidad. El empleo remunerado ha pasado tener un papel tan significativo para el varón que la pérdida del mismo se traduce en una disminución de masculinidad. Esto se refleja en la película con los sentimientos de frustración que Pignon siente ante la amenaza de perder su trabajo, lo cual lo sumerge en un profundo estado de depresión, incluso llevándolo a intentar suicidarse. Depresión, asentada por una situación de ambivalencia frente a un objeto total, en este caso la familia y el trabajo, y que será la génesis del sentimiento de culpa.

Pignon teme la pérdida, real o fantaseada, de dicho objeto, como no puede sustentar a su familia se paraliza, la tristeza, el dolor moral, la soledad y el desamparo derivan del abandono y la pérdida del objeto. En una primera instancia, la película, nos muestra la despersonalización de Pignon, no puede mantener vínculos estables, ni amistosos, ni laborales, ni con su propia familia. Este lleva una vida totalmente frustrante, carente de deseos, de intereses, de pasión. Sus únicos motivos de existencia están ligados a seguir “supuestamente” enamorado de su ex esposa y a establecer un modo de relacionarse con su hijo, con quienes moralmente tiene el compromiso de mantenerlos económicamente y cumplir ese rol socialmente establecido. Pignon, en esta instancia, esta fijado a una adaptación pasiva de la realidad, consecuencia multifactorial que abarca factores psicológicos, sociales, institucionales e históricos. Esta alienado, es una pieza más del engranaje social constituido por un sistema político y económico indiferente a las necesidades básicas y existenciales de las personas.

Hoy los números gobiernan al mundo y Pignon, en su empresa, es un número más, no importa su trayectoria (recordemos que trabajó en esta durante veinte años) o si está atravesando alguna crisis personal. Será a partir de que una persona se comprometa con su situación (su vecino), que Pignon comenzará gradualmente a modificar su modo de relacionarse en el mundo, y a descubrir y conocer su esencia y sus propios deseos. Evidenciandose así que la solidaridad, lo opuesto al modelo individualista social imperante, es la mejor y más eficaz de las armas.

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María Paula Ríos

Un análisis Hermenéutico sobre el Decálogo 6 de Kieslowski

El Decálogo 6 es el sexto de una serie de diez Decálogos que el director Krzysztof Kieślowski realizo para la TV polaca. Los mismos están vinculados con los Diez Mandamientos judeocristianos (temática un tanto compleja); mas allá de los valores morales u éticos de dichos mandamientos Kieslowski sugiere una posibilidad de concreción y utilidad en relación a la vida diaria ya sea para cuestionarlos o reflexionarlos, algo así como una ética cotidiana. Este abarca cuestiones sobre la soledad, el amor, el dolor, el deseo, el poder, la inocencia, la indiferencia y el miedo.
El sexto narra la historia de Tomas, un jóven de 19 años, quien espía a Magdalena (una mujer madura) que vive sola y por las noches recibe a su amante.
Tomas, subyugado por ella, mediante sus trabajos (en el correo y como repartidor de leche) para estar más cerca, manipula actos cotidianos, como el interrumpir sus citas amorosas y controlar su correspondencia. Insatisfecho con su posición de vouyer, decide tener un acercamiento físico y le confiesa su verdad.Tomas es solitario, triste, tímido, obediente, pulcro, esta afectivamente bloqueado, desorientado, enamorado y obsesionado.Magdalena es bohemia, extrovertida, desprejuiciada, impulsiva, seductora, ciclotímica y esta descreída y angustiada .

El film gira en torno a personas con dificultad para vincularse o comunicarse socialmente. Tomas no se puede entenderse con Magdalena; Magdalena no puede entenderse ni con sus amantes ni con Tomas. A pesar de tener todos los elementos a su disposición (el teléfono, el correo, el arte y el propio contacto verbal) no logran establecer vínculos verdaderos. No es casual que Tomas estudie varios idiomas y trabaje en el correo, inconscientemente esta manifestando esa necesidad.

COMO LOS ASPECTOS TECNICOS SECUNDAN EL CONCEPTO DEL FILM


Las acciones principales se desarrollan en ambientes sencillos, internos, delimitados, reducidos como la habitación de Tomas, el living de Magdalena, el cuarto de baño, la ventanilla de la oficina de correo, el pasillo de ambos departamentos, etc. Una puesta en escena despojada y minimalista. En estos espacios se percibe una sensación de vacío y soledad; se evidencia en los personajes una falta, una carencia desde lo afectivo lo cual genera situaciones angustiantes. Generalmente utiliza la luz en la cara de Tomas en contraste con la sombra que abunda en la habitación cuando este espía. Cuando el protagonista esta acompañado por otras personas este contraste desaparece, hay una luz mas uniforme. Con Magdalena no hay un contraste tan remarcado de luces y sombras.

Lo que si se evidencia es que en los ambientes cerrados la iluminación es escasa y en ambientes externos hay una luminosidad mucho más notable. Formando parte del mundo diegético la iluminación acompaña los estados anímicos de los personajes, por lo tanto la música asumirá una misma función; la cual no es de tiempo completo en la película pero interviene cuando las situaciones son de un tenor de cambio o factor sorpresa en los personajes, y se acentúa dramáticamente en los momentos primarios de la historia. En las tomas podemos encontrar muchos primeros planos y planos generales, en menor medida planos detalles. Al prevalecer estos planos no hay movimientos bruscos de cámara, salvo algunos travelíngs o cámara en mano siguiendo el trayecto de los personajes. Los primeros planos nos muestran la expresividad de la cara, por lo tanto nos involucra empaticamente con los sentimientos del personaje.

En los planos generales se registra desde cierta distancia, el espectador juega un papel más de testigo, de observador. El plano detalle se realiza intencionalmente para que inferir algo, generalmente simbólico, sobre lo que se muestra. Los travelings y las cámaras en mano aunque sean mas efectivos para demostrar un desplazamiento, los pocos que hay son muy significativos, por ejemplo el seguimiento de Tomas en la plaza con el carro de leche cuando se entera que ira a tomar café con su amada, es una de las pocas manifestaciones de felicidad que este muestra. Las tomas subjetivas asumen un implicancia directa con la mirada de la persona, y a diferencia del primer plano, se posicionan mas del lado de la acción que esta ejerce (en este caso el mirar).

RESONANCIAS DEL PENSAMIENTO CRISTIANO

El sexto mandamiento es “No cometerás actos impuros”. Siguiendo esta línea de pensamiento: “Dios creó al hombre y a la mujer a su imagen. Con vocación, capacidad y responsabilidad de amor y comunión. La diferencia y complementariedad física, moral y espiritual están orientados hacia los bienes del matrimonio y al desarrollo de la vida familiar. La sexualidad abraza todos los aspectos de la persona, en la unidad de su cuerpo y alma. Envuelve la afectividad, la capacidad de amar y de procrear para establecer vínculos con otro. Debemos apreciar y respetar nuestra identidad sexual”.

La castidad esta vista como una virtud, como la integración de la sexualidad en la persona, unidad corporal- espiritual y en relación mutua. Se relaciona con la caridad, con ser fiel a Dios, con imitar a Cristo quien enseño a amar y se dio por amor, con tener el dominio de si, libre de “pasiones ciegas” para actuar con elección consciente. Inclusive es tarea cultural, hace falta una educación que valore la moral. “La castidad nos recompone, nos devuelve a la unidad que habíamos perdido” -San Agustín. Las ofensas contra la castidad, se enlazan con los pecados. Por ejemplo la lujuria: “Deseo o goce desordenado del placer venéreo” (placer desordenado porque se busca por si mismo, separado de las finalidades de procreación y de unión). Entonces pecaran contra la castidad los que cometan acciones impuras; miren cosas impuras; consientan pensamientos o deseos impuros, o los que voluntariamente se ponen a sí mismos o a otros en peligro de cometerlos. Como vemos el titulo se relaciona con la trama de la película, sea explícitamente por lo indicios de voyeurismo de Tomas al comienzo de la película, por las relaciones ocasionales que parece mantener Magdalena con otros hombres (lujuria), por como actúa Magdalena al vincularse con Tomas (querer perturbarlo concretamente desde lo carnal).

O sea implícitamente, por la desilusión amorosa y culpabilidad que siente Tomas después del encuentro que tiene con Magdalena en la casa, recordemos que para “limpiar las impurezas” comete una especie de “sacrificio”: se corta las venas ofreciendo su sangre como elemento purificador, vinculado al sacrificio que comete Jesucristo para salvar a todos los hombres del pecado, por los referentes bíblicos en los nombres de los protagonistas: Magdalena, el cual alude a Maria Magdalena a quien Jesús libra de siete demonios de cuerpo y espíritu (era prostituta), y por lo que se convierte en discípula incondicional del mismo. Y Tomas, el incrédulo, quién es el que tiene que ver las llagas en las manos de Jesús para poder creer que este fue crucificado (recordemos la escena en el bar, cuando Magdalena le toma y acaricia ambas muñecas a Tomas). También podemos observar elementos que guardan una correspondencia metafórica, como las botellas de leche, el péndulo que tiene Magdalena, los elementos para espiar (el telescopio y los binoculares) y el adorno que le regala Tomas.

En el contexto del film a la leche le encontramos doble significación: por un lado es el símbolo universal del alimento nutricio (el primer alimento que recibimos todos) y a su vez esta relacionado con la pureza. Tengamos en cuenta que a Tomas nunca se le derrama leche. Y por otro lado tiene una connotación sexual y -siguiendo nuestro contexto- impura: el líquido seminal. No es adrede el hecho de que sea Magdalena quien derrama la leche.
El péndulo hebreo es una técnica que maneja un alfabeto sagrado en el que cada letra tiene un significado y un número y se utiliza para realizar sanaciones espirituales y corporales. Una de estas sanaciones se llama, Limpieza de Impurezas y es el acto mas espiritual que existe ya que se encuentra en los actos cotidianos, con esto se limpia el cuerpo físico, lo mental, y lo emocional; es una depuración a cualquier nivel.
Los elementos para espiar se relacionan con la sensación de poder y la pasividad que ejerce la mirada oculta. El adorno que le regala Tomas a Magdalena es una esfera redonda de cristal. El círculo habla desde el origen de los tiempos sobre el ritmo cíclico de la naturaleza, el infinito, el absolutismo, la perfección y la completud. Alude directamente a la idealización amorosa que tiene Tomas con Magdalena.

SOBRE CONCEPCIONES FILOSOFICAS

Las dos grandes ideas básicas filosóficas que prevalecen son el idealismo y el materialismo. A trazo grueso podemos decir que el idealismo (Platón, Descartes, Kant, Hegel…) concibe la naturaleza y la historia como un reflejo de las ideas o del espíritu. El hombre y todas las cosas materiales fueron creados por un espíritu divino (origen del cristianismo), esta concepción es expresada de muchas maneras, si bien se basa en que las ideas gobiernan el desarrollo del mundo material, la historia se explica como la historia del pensamiento; los actos de los hombres son vistos como resultado de pensamientos abstractos. En cambio, las piedras angulares del Materialismo son: el mundo material, conocido por los hombres a través de los sentidos y ex­plorado por la ciencia; por lo que el desarrollo del mundo se debe a sus propias leyes naturales, y el pensamiento es un producto de la mate­ria, sin él no puede haber ideas con existencia propia. La persona es parte de la naturaleza y desarrolla sus ideas en interacción con el resto del mundo, “La materia actuando sobre nuestros órganos sensitivos produce sensaciones. Las sensaciones dependen del cerebro, de los nervios, de la retina…, es decir, son el supremo producto de la materia”. (Lenin).

Entre los representantes principales tenemos a Aristóteles (en una vertiente mas realista) Marx y Engels.
Los planteos filosóficos de la película están relacionados con ambas posturas, por un lado desde la posición de Tomas con una visión del mundo más idealista y por otro desde la de Magdalena con una visión más materialista.

Entonces, ¿Desde donde abarcamos las problemáticas del Amor, el Conocimiento, la Identidad, la Historia, etc? ¿Cuál es origen? Tal vez una de las respuestas seria pensar a la personas y sus problemáticas como parte de la naturaleza que desarrollan sus ideas en interacción con el resto del mundo. Los procesos mentales son en efecto reales, pero no son algo absoluto, se debe tener en cuenta las circunstancias materiales y sociales en los que surgen. Toda situación esta determinada por sucesos multifactoriales en constante cambio (devenir), y todos los excesos o fijaciones en el comportamiento son patológicos.
“Los fantasmas formados en el cerebro humano son necesariamente sublimaciones de su proceso material de vida”. “Moral, Religión, Metafísica, todo el resto de la ideología y sus correspondientes formas de conciencia, no sostienen su apariencia de independencia. No tienen historia, ni desarrollo; pero los hombres, desarrollando su producción material y sus relaciones materiales, alteran paralelamente su existencia real, su forma de pensar y el producto de ésta. La vida no es determinada por la conciencia, sino la conciencia por la vida.” (Marx).

PENSAR AL AMOR

Aludiendo a El Banquete del Platón y las distintas concepciones de amor y deseo que en este se te tratan, podemos relacionar el discurso de Fedro -quien señala que Eros hace que los hombres sientan vergüenza y ambición, además, el influjo de éste es mayor que cualquier otro sentimiento, ya que su poder impulsa a grandes acciones como cuando el amante muere por su amado. Eros como fuerza inspiradora de acciones elevadas- con el acto de sacrificio que comete Tomas para limpiar las impurezas de su amada.

El discurso de Pausanias, distingue entre dos tipos de Eros, cada uno de los cuales sigue a una Afrodita distinta: Afrodita Pandemos y Afrodita Celestial. El Eros de Afrodita Pandemos, es el de aquellos hombres que aman lo corporal, buscan lograr sus fines sin interesarse en el proceso. El Eros de Afrodita Celestial es propio de hombres que buscan la perfección moral, busca una relación permanente para la educación física y la filosofía así como educar a su amado en la sabiduría y el valor. En este podemos situar a Tomas del lado de Afrodita Celestial y a Magdalena del de Afrodita Pandemos.

El discurso de Aristofanes desarrolla una fantástica concepción antropológica: nos dice que primitivamente existían tres tipos de seres con dos cuerpos. Unos eran machos; otros, hembras y, finalmente estaban los andróginos (mitad machos mitad hembra). Estos habrían conspirado contra los dioses, entonces Zeus como castigo parte en dos a estos seres primitivos. Desde entonces los seres humanos buscan su otra mitad. Cada mitad de un hombre y mujer primitiva se entregan a la homosexualidad en busca de su otra mitad, en tanto que, la mitad del andrógino se entrega a la heterosexualidad en busca de su otra mitad. Aristófanes en su discurso describe al Eros como un deseo apasionado por algo que es afín a nuestra naturaleza y la complementa. Este discurso refiere también a la idea del amor que concibe Magdalena, ya que ella padece las desilusiones amorosas, las sufre. Justamente porque el motor de búsqueda de su deseo esta puesto en encontrar su otra mitad, sino recordemos la inversión de roles que se produce hacia el final cuando se entera que Tomas se quiso suicidar. Ella descubre que hay alguien que la valora y renace nuevamente esa esperanza que tenia perdida.

Si relacionamos la Alegoría de la Caverna de Platón, podríamos decir que en un principio cuando Tomas esta encerrado en su cuarto (la caverna) su realidad sobre Magdalena se limita a lo que ve por su telescopio (las sombras proyectadas en la pared de la caverna). Una vez que Tomas realiza su contacto con Magdalena, con otra realidad a la que no esta acostumbrado, comienzan los conflictos, el miedo, el dolor y la autoflagelación (cuando los prisioneros se liberan de las cadenas en la caverna todos los movimientos nuevos que comienzan a ejecutar les causa dolor y molestias porque sus cuerpos no estan acostumbrados a los mismos, la tendencia seria volver a las cadenas al estado conocido. Esto podría simbolizar las dificultades con que se tropieza en el crecimiento y la educación de una persona porque al crecer se abandona una situación anterior en la cual se estaba cómodo o acostumbrado. A su vez Magdalena también sigue en proceso de crecimiento por la experiencia que atraviesa, ya que esta también cambia su realidad.
Platón le concede una importancia más espiritual que sensual al amor. Para este es una elevación filosófica de la manifestación de una idea hasta la contemplación de la misma, que puede variar desde la apariencia de la belleza hasta el conocimiento puro de su esencia. Es una forma de amor y amistad en lo cual no hay un elemento sexual.

Tomas intenta suicidarse porque se produce una resonancia muy fuerte en ese paso de estar en su realidad idealizada y abstracta (la única que conoce) a otra realidad mas cotidiana, del mundo de las experiencias, del contacto físico, de la cual él estaba totalmente alejado. Recordemos que Tomas es huérfano y no tiene imagen materna ni paterna, el mismo se fue adaptando a su entorno como pudo. Esta falta de funciones (situación edipica quizá no resuelta) intensifica la reacción que tiene Tomas como el de llegar a un acto de suicidio (convengamos que no es común que todos los jóvenes que atraviesan sus primeras situaciones sexuales en forma conflictiva tomen tal decisión).

A MODO DE CONCLUSION

Como concebimos los valores? Que es puro y que es impuro en realidad?.Son preguntas muy amplias y controversiales. Desde el punto de vista del platonismo y la religión judeocristiana estos están dados desde el absolutismo, desde el idealismo. Ahora ¿los valores morales pueden tener una existencia completamente objetiva, independiente de las personas? Nietszche nos respondería: “Los valores los crean las personas, son proyecciones de nuestra subjetividad, de nuestras pasiones, sentimientos e intereses, los inventamos, existen porque nosotros los hemos creado”. Al “olvidar” este hecho, los sentimos como mandatos, como exigencias externas y ajenas. Y los valores se crean, por ello cambian y son distintos a lo largo del tiempo y en cada cultura. “La moral tradicional (la moral cristiana) es “antinatural” pues presenta leyes que van en contra de las tendencias primordiales de la vida, es una moral de resentimiento contra los instintos y el mundo biológico y natural. Esto se ve claramente en la obsesión de la moral occidental por limitar el papel del cuerpo y la sexualidad.”

Entonces según ambas concepciones: ¿Quien es más puro y honesto? ¿Quién es más fiel, mas auténtico a lo que siente? ¿Tomas por su castidad corporal, por la conducta e imagen externa y ordenada que representa, a pesar de que en su interior esta reprimiendo y siente un cierto goce cuando domina y controla la vida de otra persona? O ¿Magdalena que a pesar de su conducta “desvergonzada” con los hombres y su estilo de vida un tanto inestable y confuso, manifiesta su dolor y sus frustraciones tal cual son?.

“El universo kieslowskiano es un universo de realidades alternativas, un universo Gnóstico, aun no completamente constituido, creado por un perverso, confuso e idiótico Dios que arruinó el trabajo de la Creación, que produjo un mundo imperfecto, tratando entonces de salvar lo que fuera posible de ser salvado por medio de nuevas intentos repetidos”. ZIZEK

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María Paula Ríos