Ceartec

Después de su paso por Abbey Road…entrevistamos a Ariel Lavigna!, profesor en nuestra institución y reconocido Ingeniero en Sonido especializado en mezcla.

Su reconocida trayectoria lo ha llevado a trabajar con grandes artistas como Pedro Aznar, Bob Telson & Isabel de Sebastián, Rubén Blades, Charly García, Dino Saluzzi Group (ECM Records), Mercedes Sosa (incluídos los discos CANTORA 1 y 2), David Murray, Emir Kusturica & The Non Smoking Orchestra, Luis Salinas, La Triple Nelson (Uruguay), Miguel Poveda (España), Pierrot Lunaire Ensemble (Austria), Rodolfo Mederos, etc.
Trabaja en forma freelance en estudios de todo el mundo, y dirige su propio estudio de mezcla “Nomade Mix”, en Buenos Aires. Fue distinguido con el Premio Gardel a la Mejor Ingeniería de grabación en los años2006, 2008, 2009 y 2011, también fue nominado para el mismo premio en el 2007,y varias veces a los Latin Grammy Awards. En el año 2011
participó del disco “Deja la vida volar – en Gira” de Mercedes Sosa que fue premiado con un Latin Grammy.
Hace solo unos meses estuvo a cargo de la grabación del último disco de Pedro Aznar “Ahora”, en el que realizaron grabaciones en el mítico y prestigioso estudio Abbey Road.

La primera pregunta casi obligada,… ¿Qué se siente trabajar puertas adentro de Abbey Road?

Y…Abbey Road es un clásico, es el lugar donde se registró gran parte de la historia de la música, que es la base de lo que hoy escuchamos. Eso lo hace tremendamente único, y aparte de eso es un mega estudio típico, podríamos decir. Trabajar ahí, es en parte, casi como en cualquier otro estudio grande, pero a la vez, hay muchas diferencias.

Mas allá de la mística ¿Qué cosas te sorprendieron del lugar?

El acceso a la tecnología es directo, me refiero a equipos, nuevos o viejos, que acá no hay, o en algún caso son muy contados. En Argentina hay estudios bien equipados, pero no hay un estudio como éste. Se suman muchas cosas, la acústica, el diseño de confort sonoro y humano, la “escuela de audio”.
Otra cosa indiscutible es la organización de las personas que trabajan ahí. Durante la grabación el operador de Pro Tools tenía el manejo del sistema en una mesa, pero cuando comenzamos a mezclar, necesitábamos el control cerca de la consola. En ese momento apareció una persona de mantenimiento e instaló en 2 min un monitor y teclado en ese lugar. Y luego trajo algunos equipos en rack pedidos expresamente, para que el asistente los pusiera en una patchera lateral. Eran unos EQ EMI TG y otros.
No dejan las cosas libradas al azar, cada cosa en el estudio tiene un por qué y seguramente está optimizada por los años de experiencia.
Para el caso de “Ahora”, pedimos Pro Tools 10, ya que veníamos trabajando en esa plataforma desde Buenos Aires. Nos pusieron un sistema tremendo con 8 interfaces Prism Audio y nos preguntaron si teníamos otra preferencia!!!

¿Por qué se tomó la decisión de grabar en este estudio? ¿ya habías tenido la oportunidad de hacerlo antes?

Un día Pedro me dijo que le gustaba la idea de volver a ir a Abbey Road para grabar las cuerdas del disco. El ya había ido antes, pero en aquellas oportunidades la dirección la hizo Chris Cameron, y él quería hacerlo. Entonces le dije que me parecía que se justificaba toda una movida así si él dirigía y entonces sí, realmente, iba a significar algo especial, y que si era así yo lo iba a acompañar en todo.
La experiencia fue muy enriquecedora para nosotros. El disco se terminó en Metropolis, de la mano de Tony Cousins. Yo ya había trabajado con él anteriormente, y como quedé muy satisfecho con los resultados, se lo presenté a Pedro.
El 80% del disco llegó a Londres mezclado, faltaban los 3 temas que iban a sumar las cuerdas y el mastering

¿Podrías identificar algunos momentos de tu camino profesional que te resulten inolvidables?

Claramente, mis primeras grabaciones en ION y varios años después en El Pie. Luego varios estudios más en muchos lugares distintos, de los que recuerdo la sensación de entrar por la puerta del control y tantas situaciones de trabajo.
La primera vez en Metropolis, Londres. Caminar por los largos pasillos de Abbey Road.
Todos esos momentos geniales, con artistas o productores a los que quiero y admiro. Todos esos lugares significaron un paso importante para esos discos y un arsenal de experiencias y recuerdos hermosos para mí.

¿Te acordas cuando decidiste dedicarte a esto y porque?

Siempre quise. Desde los 10 años quería ser ingeniero electrónico, a los 13 empecé a tocar la batería, y en el secundario ya grababa con mis amigos. Con uno de ellos, Guido, nos incentivamos para ir a EE.UU, luego él se dedicó a la arquitectura, y mi me llamaron todo el cuatrimestre cuando pasaban lista en la UBA sin respuesta, jaja. A los 19 me fui a vivir a Chile porque tenían una carrera de Ingeniería en Sonido. Desde ahí nunca paré.

¿Qué consejo le darías a aquellos que recién empiezan?

Yo aprendo todo el tiempo, de todo y todos. Trato de no repetirme demasiado, sobre todo cuando algo no me mueve. Si se quieren dedicar a esto tienen que pensar que manejamos máquinas, pero trabajamos con música. El origen de lo que hacemos es la música, el lenguaje en el estudio es la música y la finalidad es la música. Hay que ser muy curioso, dispuesto y hay que dejarse guiar por la intuición para saber cuándo romper las reglas. No es sólo un trabajo, es una forma de vivir que no es precisamente fácil, pero lo es si hay una fuerte vocación. Y la educación formal es esencial para avanzar.

Compartimos este testimonio de Belén Cepeda, alumna del Curso de Producción Técnica (dictado por Paula Martinez).

¿Que te llevó a tomar el curso? ¿Tenés relación con el mundo de la producción?
Estudio publicidad pero siempre mi mayor interés a sido hacia el mundo del espectáculo, asi que justamente estaba buscando cursos de producción de eventos, o relacionado, ya que no poseía ningún conocimiento sobre el tema.

¿Tenías conocimientos previos a comenzar el curso?
No tenía ningún conocimiento previo. eso fue lo que me llevó a buscar un curso de producción.

¿Se cumplieron tus expectativas?
El curso superó mis expectativas ya que en pocas clases abarcó muchísimos temas, obviamente no se pudo profundizar completamente en cada tema pero me llevo una base de conocimientos muy solida.

¿Que destacarías como positivo del mismo?
Siempre me han atraído los temas referentes a producción de cualquier tipo, sobre todo de espectáculos, sin embargo nunca tuve la oportunidad de adquirir los respectivos conocimientos. el curso fue muy específico en el contenido, me parece que una de las cosas positivas del curso fue que pude conocer a gente que ya se encuentra en el mundo de la producción, y que comparten mis mismos intereses profesionales.

Gracias Belén!

El Martes 13 de Marzo, participe de la visita al Estudio de PuroMastering ,
del cual es dueño Eduardo Bergallo, quién se desarrolla en el área del
Mastering desde 1992.
En este lugar se masterizaron discos de artistas de la talla de Charly García,
Luís Salinas, Super Ratones, Las Pelotas, pasando por Soledad Pastorutti, Dread
Mar I, D-mente, León Gieco, Nonpalidece, Los Nocheros, Gustavo Cerati, Luís
Alberto Spinetta y Alejandro Lerner.
La visita fue guiada por Diego Guerrero, quién nos contó y explico el funcionamiento de
dicho trabajo. PuroMastering cuenta con una consola que aloja los equipos más
importantes, entre los cuales podemos destacar una serie
de ecualizadores, compresores, conversores y monitores de alta gama:

• Monitores ATC 150 ASL-PRO
• Conversor Prism ADA-8
• Compresor Chandler Limited
  TG-1
• Compresor valvular Manley Stereo
  “variable-Mu”
• Ecualizador GML 9500
  Mastering EQ (“el” ecualizador paramétrico)
• Medidor Dorrough Modelo 40-c2.
• Sumador ADT para compresión
  en paralelo
• Ecualizador Mid-Side ADT
• Ecualizador dinámico ADT
• Protools HD

Diego Guerrero, nos comentaba, que para poder trabajar íntegramente con los clientes
del estudio, había que tener una “capacitación” tal, muy comparable con una
carrera, de 3 años dentro de PuroMastering.
Algo totalmente asombroso!

“Los pilares son tres: tener buenas canciones, buenos intérpretes y lograr buenos arreglos,
si esas tres cosas funcionan se puede lograr una buena producción”

Babú Cerviño

Tecladista, compositor y cantante. En 1978 comenzó a trabajar con Víctor Heredia, además formó parte de “Tantor”
y acompañó a otros grandes músicos como Raul Porchetto, David Lebón, Piero, etc.
Hacia 1983 firma contrato con EMI y  graba su primer disco solista, seguido por un segundo en 1985 con dirección artistica de Alejandro Lerner, y un tercero en el 2003 con producción independiente.
Actualmente continúa tocando con Victor Heredia, además de llevar adelante diferentes proyectos no solo como músico sino también como productor.

¿Cómo comenzaste a relacionarte con la música?
En mi casa sonaba música todo el tiempo, mi viejo era medio melómano. En el colegio a los 5 años tenia que definir que estudiar a la tarde: ingles o piano, y yo seguí con el piano.  Después, de más grande empecé a estudiar en el conservatorio y con profesores particulares.

¿Que valor agregado crees que tiene el hecho de estudiar música?
Me parece que son más herramientas con las que uno después se puede mover. Yo creo en la intuición, hay músicos formidables que con su intuición han logrado canciones muy lindas, solos maravillosos, pero creo que si le sumamos la información tenemos mas herramientas para investigar. Así que yo creo que es muy positivo.

Además de ser músico tenés experiencia como Productor, ¿en ese caso, consideras igual de importante una formación musical?
Yo creo que si uno es productor y tiene herramientas técnicas y herramientas  musicales, sumadas a su experiencia,  puede transmitirle al artista a donde uno quiere llegar con más facilidad.
Me parece buenísimo que el productor tenga el don del estimulo o las cosas claras a donde se quiere llegar con esa producción, pero si además puede hablar mano a mano musicalmente con el artista, eso me parece que es muy valioso.

¿Como te sentís ocupando ese rol?
Ahora estoy trabajando en una producción con Afo Verde, que representa un desafío musical y un desafío como productor muy grande. Tengo que lograr sacar a Bob Marley del reggae, que es por lo que todos lo conocemos, y llevarlo hacia el pop. Al principio me preguntaba “¿¡Como hago esto!?” pero se logra escuchando mucha música (de antes y de ahora) y rescatando los factores intocables: la melodía y la letra de cada tema. Es maravilloso, vas aprendiendo constantemente sobre la marcha como llegar al objetivo.  Y  Afo me fue dando una serie de pautas para lograr el objetivo con éxito, pero principalmente tener en cuenta que “los pilares son tres: tener buenas canciones,  buenos intérpretes y lograr  buenos arreglos, si esas tres cosas funcionan se puede lograr una buena producción”

¿Podes contarme algún momento musical en el que pensaste “de esto no me olvido más”?
Afortunadamente he vivido experiencias  muy interesantes, con diferentes artistas y tocando solo.  Tocando con otros artistas mi primera experiencia fuerte fue con TANTOR, en ese momento  formada por: Héctor Starc, Rodolfo García y Marcelo Torres. Tuvimos la oportunidad de tocar en situaciones como el festival de la solidaridad donde había muchísima gente y fue muy emotivo más allá de lo que pasó después (si se usó o no se usó como excusa por el tema de la guerra). Pero fue un momento inolvidable.
Otro momento inolvidable fue en el Teatro Coliseo, cuando toque con David Lebón. Él estaba haciendo su primera experiencia después de Seru Giran, a mi me encantaba Serú, y sentir que estaba arriba del escenario tocando con él “cuanto tiempo mas llevara”, o “seminare” ¡fue maravilloso!.
Y así diferentes situaciones…También tocamos con Víctor Heredia y León Gieco en el estadio de River ante muchísima gente, y tocar en Inglaterra, Francia, Canadá, esas cosas son enriquecedoras.

Tocar con Víctor Heredia también te debe haber dado muchos kilómetros recorridos…
Hemos recorrido el país varias veces de Ushuaia a la Quiaca y no solo las capitales sino los pueblitos recónditos, Víctor decía en broma que los pueblitos se iban armando en el momento, a medida que nosotros íbamos pasando.  Pero también conoces otras culturas, otros países y eso nos permitió hacer amistades, hemos hecho cosas súper interesantes.
La verdad es que me siento orgulloso de haber podido tener esta vida.

Muchas veces disfrutamos de grandes recitales de nuestras bandas preferidas, o diferentes eventos en los que nos dejamos llevar por lo que está pasando, sin preguntarnos que hay detrás de todo eso. Mucha gente trabaja para que esto sea posible, incluso mas de la que imaginamos. Paula Martinez, trabaja en Time For Fun, una de las empresas mas grandes de Argentina en producción integral de shows (por ejemplo: U2, Rolling Stones, Madonna, Guns N´Roses, Metallica, etc), y es docente de nuestro instituto.
Hablamos con ella para que nos definiera en pocas palabras, que es para ella la PRODUCCIÓN, y esto fue lo que respondió…

“Es el nacimiento de una idea, de un proyecto y como llevarlo a cabo. Recorriendo todas las áreas involucradas, haciendo hincapié en la producción de espectáculos nacionales e internacionales.
El trabajo previo con sus responsables. Todo lo que sucede antes del dia del evento. Porque  es fundamental que se trabaje con anticipación, organización y sobre todo en equipo.
El backstage de quienes lo hacen posible. Sus tareas, los tiempos que manejan, las adversidades que enfrentan y las distintas (pero no únicas) maneras de resolverlas.  Las anécdotas que nos va dejando esta profesión.
Es difícil imaginar cuantas tareas han de coordinarse para llegar al producto final que el público va a disfrutar.
De eso se trata la producción, de hacer que las cosas pasen”

Colo Belmonte

PRODUCCIÓN INDEPENDIENTE

Estos son algunos conceptos básicos que pueden servir como referencia para quienes quieran optar por una producción independiente, tanto para grabar como para distribuir y difundir su música

ARTÍSTICA (Estética, Elección del repertorio, Proyección y ubicación)
TÉCNICA (Armado del equipo, Modo de trabajo, Estudio, Tiempo de realización)        
COMERCIAL (Costos de producción, Registro, Soporte, Comercialización)                                                                         

ARTÍSTICA

a)      Estética: se trata de llegar a encontrar un sentido y orientación de las formas, tanto musicales como líricas que permitan al artista expresar su origen.  Ese será el mejor punto de referencia para desarrollar los distintos pasos y la vía por donde transitar a lo largo de todo el trabajo. 

b)      Elección del repertorio: una vez planteada la estética habrá que traducir en música esos elementos básicos; buscando los temas compuestos, componiéndolos o con una mezcla de las dos formas.  Considerando la dinámica, el contraste y los matices que ayuden a poner en primer plano las ideas, podremos llevar adelante esas canciones que seguramente identificarán la esencia del artista.

c)      Proyección y ubicación en el medio actual: estos puntos dependen en gran medida de la trayectoria del artista. No es lo mismo un primer disco de un intérprete desconocido, que el cuarto disco de alguien que ya tiene un espacio ganado en el reconocimiento del público. El medio es absolutamente cambiante y dinámico, por lo cual es necesario adaptarse a lo que está sucediendo para saber que decisiones tomar.

 TÉCNICA

a)      Armado del equipo: resulta fundamental elegir la gente apropiada para las diferentes etapas. En estos casos se reemplazan los grandes presupuestos por muchas horas de trabajo artesanal, por lo que deberíamos hablar de artesanos en cuanto al concepto de la realización.

b)      Elección del modo de trabajo: de acuerdo al tamaño de la producción y para no generar desgastes innecesarios, antes de comenzar, es muy propicio delinear la manera en la cual se va a dar forma a las diferentes etapas.

c)      Estudio: la elección de los espacios de trabajo darán el marco para que todas esas horas compartidas en la creación, sean inspiradoras y no tediosas. Esta búsqueda nos permitirá seleccionar adecuadamente los estudios.

d)      Tiempo de realización: si bien es siempre estimativo, en el caso de una obra de estas características, deberíamos considerar que la atención que prestemos a los ítems anteriores, nos permitirá cumplir con los plazos previstos.  El tamaño del disco y la velocidad para resolver los diferentes inconvenientes, se verán directamente reflejados en esos tiempos.

COMERCIAL                                  

a)      Costos de producción: básicamente el término independiente tiene su origen en la ausencia de una “gran compañía” abasteciendo el dinero necesario para toda la parte ejecutiva de la obra (desde la pre producción hasta la difusión). Partiendo entonces de que ese capital no está, se genera este otro modo artesanal que permite registrar la música. Así nos encontramos con que las relaciones artísticas y el buen criterio nos pueden abrir las puertas para llegar en muchos casos a generar el oxígeno que no se encuentra en el gran negocio de los medios.

b)      Registro: existen entidades que protegen el derecho de autores e intérpretes, SADAIC y AADI-CAPIF. Éstas se encargan de defender los derechos de los artistas por lo cual es muy importante tener en cuenta que deben hacerse los trámites de registro antes de exponer la obra.

c)      Soporte: la forma de difundir nuestra música, hoy puede ser muy variada. De todos modos sigue siendo el CD el formato físico más utilizado. Si bien ya no representa un negocio como antes, aún cobra realidad de obra en éste formato.

d)      Comercialización: tanto en el soporte como en la manera de vender nuestra música, podemos elegir varias opciones.
Una vez terminado el trabajo de realización, tendremos que asociarnos con quienes manejen la distribución en disquerías, tanto como quién difunda en medios alternativos. De todos modos, la mejor manera de apuntalar un disco sigue siendo tocar en vivo, generar el contacto directo con el público, una muy buena página web y tiempo.

Espero que les sirvan los consejos!

“En ese momento había dos formas de aprender, lo hacías o te ibas…y yo no me iba a ir”

Esa fue una de las frases con las que Paul Tozer comentaba a los asistentes sus inicios en el mundo de la producción, refiriéndose específicamente a su primer gran desafío que lo encontró de un momento a otro a cargo de un festival, en el que tocaban entre otras…8 bandas internacionales.
Con el resultado puesto podemos imaginar cómo fue superando los desafíos que se le planteaban, Paul tiene más de 20 años de experiencia trabajando en producciones nacionales e internacionales como Rolling Stones, U2, AC/DC, Guns N´ Roses, Paul McCartney, Madonna, Coldplay, Metallica, Fabulosos Cadillacs, Gustavo Cerati, etc.
Tomando como ejemplo la mega producción del show de U2 en argentina, durante la charla se abordó desde el presupuesto y confirmación de la fecha, pasando por la preparación del estadio y armado, camarines, comunicación con el artista, Check list, armado de oficinas (internet, líneas telefónicas, catering), seguridad, transporte, acreditaciones, prensa, vestuario, etc… hasta el final y desarme del mismo.

Gracias Paul!

Bienvenidos!, en este espacio comentaremos las curiosidades y novedades del mundo del Audio profesional, la iluminación de espectáculos y Acústica.
Nos acompañarán con artículos profesionales reconocidos del medio!