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“Las oportunidades están, pero no caen del cielo”

rafatoon

Eso es algo que ha aprendido Rafael, o Rafatoon para aquellos que conocen sus trabajos en Internet y en especial a través de Creativos Colombianos. Este creativo, algo inquieto a la hora de cazar oportunidades, ha encontrado en la web social el pretexto perfecto para dar a conocer su talento y le ha sacado buen provecho a los blogs, portales y redes especializadas, como por ejemplo Creativos Colombianos.

Alerta: Para seguir leyendo este artículo es necesario que visite el perfil de Rafatoon, Click Aquí.

¿Para qué sirve tener un perfil como el de Rafatoon?, visualmente atractivo, organizado, con una buena cantidad de contenidos publicados entre imágenes y videos, que evidencian una construcción real de portafolio, además de eso, donde se publica información acerca de su propio blog de animación.

Si deseas saber la respuesta, escucha esta entrevista a Rafatoon y entérate de cómo puedes generar ingresos aprovechando las oportunidades (duración 3:35 min)

Click para escuchar la entrevista a Rafatoon.

Logorama, Narración Vs. Estética

Con Yack Reyes, Creativos Colombianos inicia la activación del Programa Creativos Colombianos Pro, aquel que busca dar relevancia al trabajo, opiniones y contenidos producidos por los creativos colombianos con gran experiencia e importantes resultados. De esta forma se pretende hacer una diferenciación entre el estudiante o creativo en proceso de adquisión de su fudamentación y experiencia y, el creativo con mayor recorrido.

En ésta ocasión, se le solicitó a Yack Reyes (quien aceptó amablemente) nos diera su concepto acerca de Logorama, el corto animado ganador del Oscar 2010 en la categoría Cortometraje Animado.

Cabe mencionar que los contenidos destacados de los Creativos Colombianos Pro son difundidos en cientos de recursos tanto propios como de aliados nacionales e internacionales.

El resultado de ésta iniciativa se condensa en los siguientes párrafos:

yackreyesInicialmente quisiera agradecer a Creativos Colombianos la Invitación de participar, no sólo como integrante y usuario de su portal, sino escribiendo un artículo acerca de Logorama, cortometraje animado que ha obtenido reconocimientos importantes en festivales de cine alrededor del mundo, y también contar un poco acerca de mi trabajo en la animación colombiana y de ANIMAEDRO, estudio de animación del cual soy cofundador.

Ahora bien, quisiera confesar que mi favorito de los nominados a Mejor Cortometraje Animado en los Premios Óscar de la Academia no fue el ganador, sino French Roast de Fabrice Joubert (Francia, 3D y con una narrativa maravillosa sin diálogos), sin dejar de lado otras muy buenas películas como un cortometraje de los bien conocidos Wallace and Gromit, por cierto el único nominado en stop motion, La Dama y la Muerte de Javier Recio García (España, 3D y como dato curioso en el equipo del corto estaba un colombiano llamado Enrique Posner como Productor Ejecutivo).

Logorama es un cortometraje animado francés de 17 minutos realizado por H5, equipo confromado por François Alaux, Hervé de Crécy y Ludovic Houplain y producido por Autour de Minuit, H5, Addict, Mikros Image, Arcadi, CNC y Canal+. H5 es en estudio de Animación que ha realizados muchos videoclips para Massive Attack, Röyksopp y ha sido invitado a exposiciones como Nuit Blanche (2007), y el MoMA. El cortometraje ganó el Premio Kodak en el Festival de Cine de Cannes del 2009, el Óscar al mejor cortometraje animado en los Premio Audi National, y Attention talent del Clermont-ferrand International Film Festival.

La película inicia presentando los personajes principales, los policías Michelin, la chica Esso, Pringles, Big Boy y el villano Ronald Mc Donald en diversas situaciones desarrolladas en un “Los Angeles de un Estados Unidos”, un espacio extremadamente comercial creado a partir de más de 2500 logotipos y mascotas de diferentes marcas que cobran vida potenciando las características de forma, color y concepto, dándole fuerza a un universo que está inmerso en nuestro día a día de productos que vemos y usamos continuamente. El zoológico juega un papel importante junto con las calles, estaciones de servicio, lugares en los que la historia de una ciudad es transformada por catástrofes naturales y humanas, en las que sufre un tsunami de petróleo.

Si bien desde mi punto de vista no propone muchos retos nuevos en cuanto a la técnica, si plantea y desarrolla una problemática acerca del mundo comercial en el que nos movemos, dándole nuevos valores a las marcas junto a los logos que casi pasan desapercibidos en nuestra cotidianidad, transformando y creando el mundo en el que vivimos en uno alterno creíble y cercano de manera extraordinaria. De la narrativa hay que resaltar que partiendo de una historia sencilla y concreta con elementos críticos que le dan una profundidad inmensa, en el que se funden los elementos espaciales y dramatúrgicos creando personajes de manera muy clara y rápida, logra crear un atmósfera verosímil y con una posición muy crítica frente a la sociedad en un punto temporal muy claro. En los últimos años los Premios Óscar de la Academia ha premiado un poco más el componente narrativo, evidentemente sin dejar de lado la parte estética y técnica, pero si primando por encima de los anteriores; un ejemplo es el cortometraje Madame Tutli Putli de Chris Lavis y Maciek Szczerbowski (ver parte 1ver parte 2) que por cierto tampoco ganó el Óscar en el año 2008, desarrollando unos retos técnicos en stop motion y en composición digital, aunque se queda corto en lo narrativo. Ese año ganó Pedro y el Lobo de Suzie Templeton que tiene un equilibrio entre lo narrativo, lo estético y lo técnico.

Logorama parte I

Logorama parte II

ANIMAEDRO Estudio de Animación

http://www.animaedro.com/

El equipo base del Estudio de Animación se conoce realizando diferentes producciones comerciales, institucionales e independientes y nace a partir del exitoso trabajo en el cortometraje Mariposa Nocturna, dirigido por Diana Sánchez y Producido por Yack Reyes (proyectado en salas de Procinal Colombia actualmente) y del cortometraje Doliente, dirigido por Yenny Santamaría y que cuenta con Diego Fernando Sánchez en la dirección de arte, diseño de personajes y escenografía (actualmente en Producción y que estará listo a fines del mes de Octubre de 2010). El estudio en paralelo al trabajo de Doliente actualmente desarrolla varios proyectos, uno de ellos es una serie animada llamada Pixie job de la cual pronto tendrán noticias.

Animaedro es una empresa de producción de piezas animadas y contenidos audiovisuales especializada en la técnica de stop motion y todas las variables de animación con objetos. Somos un equipo joven de profesionales en varias disciplinas, unidos alrededor de la idea de crear productos de calidad, tanto independientes como comerciales. Ofrecemos una opción creativa y diferente a todo aquel que decida comunicar sus ideas a través del poder y el encanto de los objetos animados.

Yack Reyes R.

Animador, Realizador y Productor audiovisual, Director de Fotografía, Postproductor, pero por encima de todo Animador stop motion. De los 26 años que lleva en el planeta tierra estudia dos años de ingeniería industrial, hace talleres de actuación y lleva ocho años dedicados a su pasión, el audiovisual.

Yack inicia en los oficios de la producción y la dirección de fotografía pero dos años más tarde al tiempo que ingresa a estudiar realización de cine y televisión en la Universidad Nacional de Colombia conoce el mundo de la animación para quedarse en él. Experimenta con diferentes técnicas hasta que llega a hacer el Diplomado de animación experimental de la Pontificia Universidad Javeriana, en el cual descubre técnicas de animación antes inexploradas. Ha participado en diferentes producciones comerciales, institucionales e independientes como productor, animador y Postproductor.

Trayectoria

Productor, Postproductor y Animador en Mariposa Nocturna, cortometraje animación stop motion, 2D y 3D 2008, betacam digital. Animaedro Estudio de animación. Dir.: Diana Sánchez. Ganador Mejor Animación Stop Motion y Mejor Animación Experimental, V Festival Latinoamericano de Animación y Videojuegos. Ganador Oro a Mejor Fotografía, Oro a Mejor Sonido y Plata a Mejor Cortometraje Nacional, Zootropo Film Festival.

Director, Director de Fotografía y Animador en ANTLIA o la máquina neumática. Cortometraje animación stop motion, 2D y 3D 2010, betacam digital. Animaedro Estudio de animación. Dir.: Diana Sánchez & Yack Reyes. Prod. Yenny Santamaría.

Coordinador de animación y Animador en Pitimix. Pitimix ALPINA. Comercial técnicas mixtas 2009. Agencia: LOWE-SSP3. Productora: Imaginaria Films. Dir.: Juan Pablo Zuluaga. Prod: Juan Pablo Bernal.

Animador en Espejito del Curubo. Documental en técnicas mixtas 2010, betacam digital. Dir.: Carolina Pardo. Prod: Mario Cubillos. Ganador del estimulo del Fondo para el Desarrollo Cinematográfico.

Meritorio de Arte en Rojo Red. Cortometraje técnicas mixtas 2008, 35 mm. Gatoencerrado Producciones. Dir.: Juan Manuel Betancourt. Prod: Natalia Pérez. Ganador India Catalina Mejor cortometraje Festival Internacional de Cine de Cartagena 2008, Selección Festival de cine de Oporto Fantasporto 2008, Ganador segundo lugar AXN Film Festival 2009, Ganador Festival Invitro visual.

Asistencia de Producción en Retratos en un Mar de Mentiras. Largometraje 2009, 35 mm. Dir.: Carlos Gaviria. Prod: Erwin Goggel. Selección oficial Festival Internacional de Cine de Berlín 2010 y Ganador Mejor Opera Prima Festival Internacional de Cine de Cartagena 2010. Festival Internacional de Cine de Guadalajara, Ganador Mejor Actriz.

Director de Fotografía, Postproducción y Animación en Si tú te vas – VEKTO -. Videoclip rotoscopia 2007, Mini DV. Dir.: Natalia Gómez. Prod: Mauricio Tunaroza

Animador Stop Motion y asistente en Don Cartero Recorda-Don. Serie didáctica 6 capítulos técnicas mixtas 2006. Lincoln Institute of land Policy. Teatro Vreve y Enpánico!

Animador en Sometamos o matemos. Cortometraje en animación técnicas mixtas 2010. Enpánico! Jorge Forero. Álvaro Bautista. Ganador del estimulo del Fondo para el Desarrollo de Cinematográfico.

Asistente de Producción en Power Rangers. Comercial en Animación .Yogo Premio ALPINA. Agencia: Leo Burnett Colombia. Productora: Enpánico!

Animador en Ogros. Comercial en Animación Stop Motion. Yogo Premio ALPINA. Agencia: Leo Burnett Colombia. Productora: Enpánico!

Animador en Hechiceros. Comercial en Animación Stop Motion. Yogo Premio ALPINA. Agencia: Leo Burnett Colombia. Productora: Enpánico!

Animador en Truco Fruco. Comercial en Animación Stop Motion. Unilever. Salsa de tomate Fruco. Agencia: ADE. Productora: Direktor Films!

Animador en Banderita Cruz roja. Comercial en animación. Cruz Roja colombiana. Agencia: Leo Burnett Colombia. Productora: Enpánico!

Puede leerse en el web site de Carlos Cortés.

Adriana Sánchez, “Bri Bri Bri”

Hoy quiero presentar a Adriana Sánchez, artista visual de la Universidad Javeriana con énfasis audiovisual, quien trabajó para EnPánico, empresa bogotana especializada en stop motion; participó en el equipo de arte del corto animado de Diana Sánchez “Mariposa Nocturna”, el cual fue ganador de un estímulo de la Cinemateca Distrital 2007, y que en el último año ha ganado varios premios como el 2° lugar en Animación en la competencia Internacional del IV Festival Internacional de Cortometrajes de Cusco 2009; mejor Animación Experimental y mejor animación Stop Motion en el 5° Festival Latinoamericano de Animación y Videojuegos LOOP 2009; ha trabajado en varios proyectos comerciales para clientes como Fruco y la Cruz Roja Colombiana; también ha trabajado independiente prestando sus servicios de animación a diferentes agencias y productoras, como Imaginaria Films para un comercial de Alpina.

Después de haber visto en Creativos Colombianos el proyecto animado de Adriana titulado “Bri Bri Bri”, decidí conocerlos desde las entrañas y le pregunte ¿cómo había sido el proceso de conceptualización y desarrollo de Bri Bri Bri?, a lo cual ella respondió sin ningún reparo:

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Bueno, pues como en todo audiovisual lo primero que hay que pensar es ¿qué es lo que quiero decir? y ¿qué le quiero contar al espectador?. En ese momento varias experiencias personales me llevaron a interesarme mucho en el lenguaje corporal, en esos miedos que de pronto uno no quiere que el resto del mundo perciba, pero que finalmente son super evidentes gracias a nuestro cuerpo. En ese punto ya tenía algo de lo que quería hablar, entonces empecé un proceso de mucha investigación, de leer mucho, ver muchas películas, observar a la gente. Ahí uno se vuelve muy receptivo y empieza a ver por todas partes anécdotas y actitudes que pueden enriquecer la creación. Durante esa investigación descubrí que las personas que sufren de fobia social tienen un lenguaje corporal super característico, que es como de encerrarse en su propio cuerpo, y una vez tuve este elemento me di cuenta que ya tenía un personaje, fue entonces cuando volqué toda mi investigación hacia la psicología y hacia blogs de personas con este tipo de trastornos, a punta de anécdotas fui creando el guión de Bri Bri Bri, un proceso largo pero como era la base de todo pues tocaba darle el tiempo suficiente.

Una vez estuve contenta con el guión empecé a hace bocetos de los personajes y de los espacios, también empecé a probar con materiales para hacer los muñecos, pues aunque yo ya había hecho cosas en stop motion, estos habían sido proyectos pequeños pero nunca había hecho algo tan ambicioso. Este proceso fue largo y también un poco frustrante, porque yo hacía y hacía pruebas y los muñecos siempre se rompían o de alguna forma no funcionaban. Buscaba tutoriales, buscaba ayuda de personas que ya lo habían hecho, probaba y no obtenía nunca lo que quería, hasta que finalmente ya tenía la presión del tiempo porque yo estaba pagando un semestre en la universidad para poder entregar la tesis, entonces no podía extenderme mucho más. Trabajé con muñecos y con maquetas, que ahora que ya tengo un poco más de experiencia sé que no eran los más adecuados para trabajar en stop motion y eso me causó muchísimos inconvenientes durante la captura de las fotos cuadro a cuadro, porque yo estaba en la mitad de un plano, y el muñeco se caía o se rompía o la maqueta se movía y eso afectaba completamente el ritmo, el movimiento y ahí la única opción – si quería que se viera bien- , era repetir el plano otra vez desde el comienzo y eso significaba perder el trabajo de varios días.

La captura de la animación también fue un proceso muy largo y de una disciplina total, de trabajar mínimo 15 horas diarias sin fines de semana y durante varios meses encerrada en un cuarto oscuro donde la única luz era la del montaje fotográfico, entonces fueron meses de no ver el sol. En general es un proceso en el que el todo es disciplina, paciencia y pasión porque realmente es difícil y un poco agotador. Hacia el final de ésta etapa conocí a un personaje que ya trabajaba en stop motion y que me enseñó un software especializado para este tipo de animación, que me deja ver en una línea de tiempo los cuadros ya capturados y el cuadro “vivo”, y así se tiene total control sobre la fluidez y el ritmo del movimiento, cuando empecé a usarlo me di cuenta que tenerlo desde el comienzo me habría ahorrado mucho tiempo.

Después de esto siguió el proceso de la post producción, la edición la hice en mi casa, con mis equipos. Aunque yo ya tenía claro el orden de la historia durante el montaje este cambió para que se entendiera mejor. Había también algunos cromas para componer con los cuales me ayudó una gran amiga, y había muchos alambres e hilos para borrar, y como yo no quería que la animación se viera toda “nerviosita” tuve que estabilizar el encuadre, el color y la luz que suelen variar cuadro a cuadro y esto me llevo un buen tiempo. Finalmente trabajé con dos músicos de la Javeriana, uno me ayudó con la música y otro haciendo el sonido. Después de 2 años llenos de cosas buenas y malas por fin terminé Bri Bri Bri, con la satisfacción de ver que al final hubo un buen resultado y que todo esfuerzo valió la pena.

Adriana me empezó a contar una infinidad de detalles sobre su proyecto y sin darme cuenta me sumergí en la conversación, fue ahí cuando le dije que siendo un trabajo tan extenso y de gran exigencia, ¿cuántas personas habían participado en la producción de Bri Bri Bri?.

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Bueno, pues en esto estuve prácticamente sola, quise hacerlo así porque al momento de terminar mi carrera estaba un poco confundida sobre si quería dedicarme laboralmente al campo del arte y la plástica para audiovisual, o si quería dedicarme a la animación y pensé que al hacer la tesis sola podría descubrir cual de los dos campos era el que prefería. De todas formas quería contar con algunas personas que me ayudaran, pero en eso el factor económico fue bien decisivo porque yo no tenía con que pagar y las personas por más amigas que sean no van a trabajar gratis durante un proceso tan largo. Ocasionalmente me ayudaron amigos, pero cuando todo se fue haciendo tan demorado empezaron a irse. Afortunadamente los papás siempre están, y ellos fueron mi equipo de arte y me ayudaron sobre todo a hacer las maquetas, entre muchas otras cosas.

Creo que hacerlo sola ha sido de las experiencias mas enriquecedoras que he tenido, aprendí cantidades y es una satisfacción inmensa ver ahorita Bri Bri Bri y saber que yo sola logré eso. Pero sin duda, la lección mas importante fue entender que enfrentarse solo a cualquier proyecto es una locura. Hacerlo sola me hizo una guerrera porque tuve que batallar bastante y no tuve nadie en quien recostarme, seguro era algo que tenía que hacer alguna vez, pero ahora que ya lo he hecho se que el proyecto, la historia y la animación habría salido mucho mejor si hubiera contado con alguien que corrigiera mis errores y que me relevara cuando me sentía cansada y mis capacidades anímicas y físicas ya no estaban para rendir al 100%.

Afrontar un proyecto de este tipo no es una tarea nada fácil, pero seguro que después de muchas horas de trabajo, al final se ven los frutos de meses de sacrificio ¿Qué cosas importantes han pasado con Bri Bri Bri?

Después de este proyecto terminé muy cansada, agotada hasta emocionalmente y tenía con él una relación de amor y odio super intensa, así que cuando lo terminé me di el permiso de olvidarme de él por un tiempo, que sin duda ha sido el peor error que he cometido porque dejé de mandarlo a muchos festivales y a muchos convocatorias que finalmente son las mejores ventanas para mostrar el trabajo. En el 2008 estuvo en la selección oficial de Loop y lo mandé a un par de festivales por fuera de Colombia. Ahora ya han pasado 2 años desde que lo terminé, ya no hay amor ni odio, estoy con unas ganas inmensas de mostrárselo al mundo. Hay muchos festivales en los que ya no lo aceptan por la fecha de realización, pero yo sigo buscando y donde lo acepten yo de una lo mando. Perdí en cierta medida la opción de mostrarlo en festivales pero finalmente a mí lo que me interesa es que la gente lo vea, así que lo monté en Internet donde ha tenido mucha acogida y he recibido muy buenos comentarios. Es muy emocionante ver que gente que uno ni conoce se toma el tiempo para escribir que le gustó.

Adriana y en este proceso se trabajo mucho, se exploró bastatnte y se aprendió por montones. Cuénteme algunas anécdotas en la elaboración de Bri Bri Bri.

Bien hay varias, pero la que todavía me da risa por mi ingenuidad e inexperiencia del momento es que tenía en un comienzo 8 personajes, 5 espacios diferentes, ¡era una locura! Si con 4 personajes y 3 espacios me demoré dos años, con 8 personajes no iría aún ni en la mitad de la animación. Afortunadamente me asesoró en ese momento un animador con gran recorrido y me hizo caer en cuenta de la locura que estaba a punto de cometer.

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Hubo también otra que me aterrorizó, pero que tuvo final feliz. Ya tenía todo el material listo, solo faltaba el render final, pero para poder hacerlo necesitaba más espacio en el disco porque tenía menos de 1 Gb libre y eso no me alcanzaba. Yo sabía que todo lo que estaba en mi computador ya tenía backup, así que empecé a mandar todo a la papelera de reciclaje y depronto me salió ese letrero que dice que lo que quería borrar era demasiado grande y que si quería borrarlo definitivamente, yo sin pensar le dije que sí, pero cuando caí en cuenta aparte del proyecto no tenía en ese momento nada en el computador que fuera tan pesado, le di cancelar inmediatamente, pero ya el daño estaba hecho y ya había borrado permanentemente más de la mitad del proyecto y de eso si no tenía backup. Afortunadamente me di cuenta “a tiempo”, no moví nada, y por ahí hay programas que ayudan a recuperar información aún cuando se ha borrado permanentemente. No perdí nada, pero creo que es el peor susto que he tenido en mi vida. Obviamente aprendí la lección de las copias de seguridad de por vida.

Cuando el tiempo pasa la percepción que uno tiene de las cosas en ocasiones cambia, ¿que le gusta y que ya no le gusta de Bri Bri Bri?.

Lo que más me gusta es su estética. Me gusta que se aprovecha de que todo en realidad existe, todo es material y todo tiene mucha textura que hace que los espacios se vean como espacios y objetos vividos, las paredes tienen humedad, el piso está sucio, las fachadas de las casas tienen huecos, rasguños. Creo que le da mucha personalidad y que esos pequeños detalles son los que lo diferencian de otras propuestas parecidas. En general me gusta toda la atmósfera creada a partir de los objetos, la textura, la fotografía y el color.

Lo que no me gusta tanto es la narración. Creo que le faltan algunos planos para que la historia sea más contundente y para que se entienda mejor.

Adriana se toma su tiempo y le da un consejo a los creativos que desean incurrir en el campo de la animación.

Lo primero es que piensen si la animación realmente les apasiona, si la respuesta es no, entonces es mejor que busquen otra cosa que hacer porque ese es el requisito indispensable. Animar, sea en la técnica que sea, análogo o digital, es una labor que requiere compromiso, dedicación, paciencia y mucho sacrificio que sólo puede sobrellevar una persona que sienta esa pasión.

Si la respuesta es si, entonces hay que estudiar mucho. Actualmente hay muchas personas que creen que por manejar un software ya son animadores y eso es mentira. Una persona que sepa animar puede aprender el software o hacer animación análoga y su trabajo va a ser bueno, pero no todas las personas que manejan el software van a sacar buenas animaciones. En la red hay infinidad de páginas, libros, tutoriales, escuelas y todos esos recursos hay que exprimirlos al máximo, estudiarlos, entenderlos y practicarlos. El campo de la animación es ahorita muy competido porque hay mucha gente animando, pero seguro los más comprometidos, los que estudian son los que van a lograr el éxito y los que van a salir a animar a grandes estudios o los que van a crear acá un gran estudio.

Ver Bri bri bri:

Para conocer en detalle el trabajo de Adriana: su perfil en Creativos Colombianos.

Puede leerse en el web site de Carlos Cortés.

Star Wars in a Notebook

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La primera vez que un latinoamericano gana en alguna de las categorías del concurso de cortometrajes “Star Wars Fan Movie Challenge”, organizado por Lucasfilm en asocio con el portal de videos Atom Films.

Oscar Triana, diseñador gráfico colombiano y especialista en animación, a quien conocí a través de Creativos Colmbianos, nos cuenta un poco sobre su cortometraje animado Star Wars in a Notebook, el cual fue ganador en la categoria Best Animated Film.

Anualmente Lucasfilm, la misma productora de las películas, en asocio con el portal de videos Atom Films, organiza el concurso de cortometrajes “Star Wars Fan Movie Challenge”. Este evento se anuncia en las páginas oficiales en los meses de marzo y abril de cada año, el cual está abierto a aficionados y profesionales de todo el mundo. En 8 ediciones el tema siempre ha sido el mismo, Star Wars en corto y preferiblemente comedia, pero lo que se estimula o al menos esa fue mi apuesta, es por dar un punto de vista particular usando como pretexto ese universo. Pueden existir ideas similares, pero el tratamiento que cada autor da las hace únicas.

Usando la “filosofía del niño”, la producción no tuvo nada de “espectacular” o ambicioso, la idea era usar al máximo los recursos disponibles en casa, adaptarlos para recrear la película, para jugar más bien con esa ingenuidad y sensibilidad que sólo de niño se tiene.

El proyecto desarrollado en mi especialización en 2008, “ImaGeForce”, manejaba la misma temática, los niños y su visión del mundo, contado a través de un grupo de cortos usando el lenguaje de diferentes géneros audiovisuales como las llamadas “space operas”, o el “sentai” japonés. Es algo así como el abuelito de “Star Wars In a Notebook”


El primer paso la realización de Star Wars In a Notebook fue anotar frases con momentos que recordaba de la película, decidí no verla de nuevo para mantener esa frescura y “aleatoriedad” cuando uno recuerda. Para imitar ese modo en el que uno cuenta una película a sus amigos e intentando estimular esa agudeza de niño usé frases directas y con chispa, que posteriormente estarían representadas como recortes a manera de subtitulo.

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La gráfica del corto refuerza el concepto original, usando de fondo las hojas de un viejo cuaderno y recreando los personajes como recortes, al mejor estilo de los ejercicios prácticos de la primaria, usando texturas y diferentes materiales complementados por el pequeño narrador que “habla” por medio de los textos recortados.

Fueron cerca de 5 semanas de trabajo, relativamente poco al producir animación a ritmo constante, pero sin excesos o trasnochos.

Todo el diseño se realizó con lápiz y papel en mano, pero de ahí en adelante el proceso fue totalmente digital. Todos los elementos se crearon en Photoshop usando como referencia los diseños a lápiz y construyéndolos con material fotográfico como recurso. La creación de los personajes imita lo análogo, tal y como si se hubieran creado realmente en cartón y papel, técnica conocida como “cut-out”, que al animarse forzaba un acabado similar al del “stop-motion.”


El corto cuenta con alrededor de 40 planos, pero se finalizó imitando un plano secuencia, es decir, no hay cortes sino rápidos movimientos de cámara que enlazan todos los planos, que genera la sensación de como si estuviera sobre una misma superficie y construyendo la tensión hasta el clímax, la destrucción de la “Estrella de la Muerte”.


Se crearon cerca de 15 personajes de distinto nivel de complejidad, que van desde 8 hasta más de 40 piezas móviles, además de una decena de naves y algunos otros efectos especiales como explosiones en vídeo.

La herramienta para está labor no es necesariamente la que uno esperaría, After Effects, que generalmente es conocido por ser un software para composición y postproducción.

Una particularidad del concurso es que permite usar la música y lo efectos de sonido originales que aparecen en las películas, eso sí, con ciertos límites en la duración de cada clip, en su cantidad y con algunos requerimientos y disposiciones legales, pero que para una escala como la del cortometraje son aceptables.

El concurso una vez anunciado recibe los vídeos, pero no crea una sección para revisarlos sino que sólo revela los finalistas al terminar el período de selección, así que uno trabaja “a ciegas” en cuanto a los competidores. Cuando se anunciaron los finalistas la única pista para ubicar el origen de mi corto era el inglés no tan correcto y la letra cursiva que al parecer es muy poco popular en los EUA.

Una vez enviado aspiraba a figurar en las categorías de “People Choice”, “George Lucas Selects” y obviamente “Best Animated Film”, pero ya con los finalistas al lado comencé a darme cuenta de la dimensión del concurso. 22 cortos de diversos orígenes, participantes desde los 20 a los 40 y tantos años de edad, profesionales, aficionados, individuos, universidades o grupos, y hasta productoras independientes, quienes usaron toda clase de técnicas y recursos como imagen real, animación 2D y 3D, stop motion. En volumen de reproducciones mi corto “Star Wars in a Notebook” fue el segundo tras el ganador del “People Choice”, la única categoría que se votaba por internet y que tiene en YouTube más de un millón de reproducciones, con director profesional de cine a bordo, que se encuentra en imdb.com, con actores y apoyo de profesionales como Nathan Fillion (Firefly) . Del mismo modo Star Wars in a Notebook es el que posee el mejor promedio con una aprobación del 82%.

En cuanto a la procedencia, no sé si influyó, pero es la primera vez que un latinoamericano gana en alguna de las categorías, pero más que por lo exótico del origen parece ser que a veces creen más en nuestras capacidades afuera, que aquí nosotros mismos.

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Visualmente nunca se había visto algo así en el concurso. Ese acabado manual, recursivo y casero llamo mucho la atención y esa “limitación” jugó a favor. La caracterización y rediseño de estos personajes clásicos en un estilo único y personal, la ingenuidad, la ternura que transmitía la historia a los fanáticos y espectadores, tocó esa memoria particular que tienen desde que comenzaron a ser seguidores de esta clase de historias, fue como hablar de niño a niño. Este año los jurados e invitados (que varían de concurso a concurso como las categorías) coincidencialmente tenían que ver con el campo de la animación, Seth Green, de Robot Chicken y Dave Filoni, director supervisor de The Clone Wars, la serie 3D de TV.

Star Wars in a Notebook es de los pocos proyectos que puedo ver de nuevo y decir de verdad, “¡me gusta! – ¡que bien quedó!”. Por ahí ronda la frase de que “las películas nunca se terminan sino que se abandonan…” como toda obra uno siempre quiere mejorar cosas, y uno como artista pocas veces se siente satisfecho, lo que lo impulsa a seguir. En este caso el único “pero” que leí en algunos comentarios fue el texto, ya que los subtítulos son algo difíciles de leer, tanto por el tipo de letra como por la duración en pantalla, además de los saltos de tiempos verbales en la versión en ingles que pudo ser más confuso de la cuenta. Un niño muy seguramente escribiría con mala ortografía o “como suenan” los exóticos nombres.

Hace poco probé con un fuente manuscrita, que es mas legible pero pierde algo de ese “realismo” de cuaderno colombiano amarillento, en un pequeño plano que envié para otro proyecto relacionado con estas películas llamado “Star Wars Uncut“ (http://www.vimeo.com/user2966035/videos ).

Desde mi primer corto a éste último el cambio en cuanto a visual, diseño e identidad es evidente y creo es la culminación de un largo proceso de búsqueda y también de demostrar viabilidad en cuanto a producción. Del mismo modo funciona de punto de partida para buscar nuevos procesos que integren más manos además de las mías, que hagan viable hacer animación en un entorno tan limitado y fragmentado como el nuestro, que tiene mucho para contar pero que a veces no encuentra la manera ni los canales para hacerlo.

Trailer oficial (Inglés).


Versión en Español.

Quien desee profundizar en el trabajo de Oscar Triana puede visitar su perfil en Creativos Colombianos.

Puede leerse en el web site de Carlos Cortés.

Entrevista realizada por Daniel Bedoya para Creativos Colombianos.