Aníbal Pées Labory presenta Ultima Ratio
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ULTIMA RATIO, por la cultura latinoamericana, es una muestra virtual de fotografía intervenida de Aníbal Pées Labory
Con ULTIMA RATIO, mi muestra sobre la globalización y su ingerencia en la cultura latinoamericana, comienzo el año 2011.
La idea consistió en emular una sala de exposición con las funcionalidades que esta ofrece; así por ejemplo conté con la guía de Sebastián Leguizamo Graña quien se ocupa de poner en tema al visitante de la web, yendo directamente a los temas candentes.
También estoy yo como sub-guía en la que relato detalles técnicos o anecdóticos del trabajo.
El nudo central de la muestra es qué se debe hacer ante el embate de los centros generadores de contenidos? Estamos a salvo de una alteración cultural cuando los media difunden contenidos enlatados pensados para un mercado mundializado?
En Argentina tenemos un antecedente a mediados del siglo IXX cuando la cultura originaria convive con la venida de Europa, el resultado fue claro cuando vi en la exposición de Fundación PROA, en diciembre de 2010, la sección dedicada a los ponchos. Estaban enfrentados los ponchos indígenas con los fabricados industrialmente por Inglaterra. Estos últimos eran una suerte de tapizado para sillones.
Pero lo más trágico era que por ser más baratos se impusieron a los originarios de estas tierras que poseían una armonía de color y hechura exquisita.
Los invito a ver mi muestra, por el momento virtual, en donde me acompañan músicos talentosos con quienes emprendemos este esfuerzo por preservarnos de la hegemonía actual. Ellos son Madre Tierra con Silvina Tabbush y Manuel Lavandera; Jorge Montiel y el grupo La Serena.
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Nota en FM Palermo
Este jueves 23 de setiembre tuve oportunidad de ser invitado al programa de radio en FM Palermo “Estado Joven” para hablar sobre fotografía intervenida.
Es la primera vez que tengo el honor de ser invitado a un programa de radio así que fue muy emocionante ver cómo se preparaba todo antes de salir al aire. Además la emisora tiene la particularidad de tener sus cabinas de transmisión al fondo de un salón gastronómico de manera que se pueden presenciarlos programas mientras se sabrea un rico café.
Agradezco a su conductor Claudio Marcelo Logo y a su producción por el interés en difundir la cultura nacional.
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Fotografía intervenida, antecedentes, presente y futuro. Nota 4 de 4
LA EDICION DIGITAL: Nace Photoshop
Los hermanos Thomas y John Knoll, fascinados por la tecnología y el arte, heredados por su padre que era un fotógrafo quien tenía su propio cuarto oscuro en el sótano y una Apple II en casa, Thomas fue aprendiendo sobre la corrección del color y el contraste en el cuarto oscuro, mientras que John se ocupó con la computadora de Apple II de su papá.
En 1987, mientras John trabajaba para los estudios ILM de Lucas Film, Thomas estudiaba procesamiento de imágenes en la universidad de Michigan ayudándose con una Apple Mac Plus para realizar su tesis se vio en una dificultad cuando se dió cuenta de que no podría exhibir imágenes en greyscale teniendo un monitor monocromático. Así pues, al puro estilo hacker, escribió su propio código para hacer el trabajo. Nacía Photoshop.
Este fue el principio de lo que sería toda una revolución para la edición y retoque digital de imágenes, pasando sus primeras versiones exclusivamente para Mac a las versiones para Windows y asi que mucho más artistas lograran utilizarlo.
En este punto de la historia convergen las búsquedas artísticas y técnicas dando origen al arte digital.
EL PRESENTE DEL FOTOMONTAJE Y LA FOTOGRAFIA INTERVENIDA
La fascinación por el relato fantástico perdura desde los tiempos de Oscar Gustav Rejlander; sus fotomontajes y utilerías surgen nuevamente aunque con una precisión inusitada, esto se debe a la naturaleza del formato digital y las herramientas de edición cada vez más avanzadas. El artista digital es fotógrafo, retocador, ilustrador e ilusionista para lograr realidades paralelas, universos oníricos, o composiciones abstractas; su utilería conforma librerías con miles de imágenes capturadas que irá componiendo a su capricho.
“Escape hacia ningún lugar” A. Pees Labory; fotomontaje.
¿Esto existe?¿Dónde está? Se pregunta el público cuando no descubre el engaño pero también disfruta cuando la imagen está evidentemente manipulada.
En este punto quizás sea más adecuado hablar de fotografía intervenida, concepto bastante amplio que quizás debiera abarcar al fotomontaje y el arte digital.
“Biblioteca vanguardista” A. Pées Labory. Fotografía intervenida.
Una fotografía puede ser intervenida digitalmente y mantener la naturaleza de su soporte; puede ser intervenido manualmente ese soporte con otros medios y mantener el aspecto de fotografía pero también se puede imprimir una fotografía sobre otros soportes más adecuados para una intervención manual con medios gráficos tradicionales como lápices, tinta, acrílicos, óleo, etc.
La diferencia entre una intervención digital y otra manual se relaciona con el original producido, el soporte digital permite la copia exacto mientras que el otro asume las características de obra única.
Arte Digital a partir de una fotografía
Las unidades de color ya no son puntos de materia sino un algoritmo, una secuencia matemática, que se ve en la pantalla representado como un punto de color. Ahora es posible descomponer esa secuencia y ordenarla a gusto; el artista ahora tiene los mismos elementos de la pintura de caballete: una paleta de colores, imágenes o fragmentos de ellas y herramientas para ordenarlos en las dos dimensiones de un plano.
El abuso de la manipulación de imagen termina liberándola de su carácter formal, pasa a convertirse en una abstracción, otra entidad independiente con vestigios de lo que alguna vez fue.
“Metalurgia I”, A. Pées Labory, arte digital
Vemos que la fotografía nace a partir de una necesidad puramente artística, como alternativa a la pintura de caballete. Se la emplea evocando a su pariente directo que es la pintura, en consecuencia desde su aparición hasta las primeras décadas del siglo XX queda prendada de los mismos temas que la pintura: el retrato de cuerpo entero, las alegorías clásicas, pero su propia naturaleza la lleva a ser tomada con fines más prácticos a medida que se perfeccionan los medios que la producen, sale del estudio de fotografía para transitar los escenarios y los usos más diversos como la industria gráfica, el periodismo, la ciencia, la comunicación.
Es cuando se logra la digitalización de las imágenes y así aborda el espacio de la virtualidad. A diferencia de los soportes analógicos una imagen digital puede ser vista instantáneamente por cualquier persona en cualquier parte del mundo, a los aspectos formales de cualquier obra se le suma otro relacionado con la comunicación de masas.
Aspectos formales que otrora se valoraban a partir del impresionismo como la descarga de materia, su textura, olor, etc. retornan a los de la pintura clásica que se realizaba por veladuras, resultando en una superficie lo más “fotográfica” posible.
Sin duda esto abre un abanico de posibilidades de experimentación que están ligadas al desarrollo de las tecnologías y la comunicación. La obra es más dinámica que nunca, salió del templo para adornar la casa del burgués, descansó un siglo en los museos y ahora viaja descompuesta en bits para llegar al escritorio virtual de los hogares.
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Fotografía intervenida, antecedentes, presente y futuro. Nota 3 de 4
USO COMERCIAL
La industria gráfica impulsa el desarrollo de nuevas tecnologías.
La industria que más explotó la fotografía y sus derivaciones ha sido la publicidad y mientras no se llegó al formato digital se nutrió de la edición directa sobre el negativo y el trabajo con cámara de banco, como hemos visto. Vimos el desarrollo de las herramientas de edición que son adaptadas para producir sus propias imágenes caracterizadas por su gran semejanza con la realidad
Ilustración al aerógrafo para la revista “Esquire,” Marzo 1944
INICIOS DE LA FOTOGRAFIA DIGITAL
En 1972, Kodak encarga el desarrollo de la primer cámara digital. No depende de rollo ni placa fotográfica sino de un soporte magnético.
No hace falta medir la exposición ni variar los tiempos de revelado para obtener la saturación deseada, ahora se realiza directamente en la pantalla de un mainframe con la posibilidad de ver en el momento el resultado final.
Ahora es posible montar más de una toma fotográfica sobre un fondo independiente, en consecuencia, el editor puede compilar librerías de imágenes con las que luego realizará su composición emulando una toma única.
Se cumple el sueño de Oscar Gustav Rejlander y sus utilerías aunque ahora se pueden almacenar por miles en formatos ópticos.
También es factible el uso del aerógrafo digital que se suma a la galería de filtros de la más variada gama que no solamente emulan el uso de filtros y lentes ópticos sino que dan lugar a una nueva gama de herramientas de emulación de estilos gráficos y pictóricos que posibilitan la mutación de imágenes fotográficas en dibujos y pinturas, pero eso llegaría recién en 1987.
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Fotografía intervenida, antecedentes, presente y futuro. Nota 2 de 4
FOTOMONTAJE GRAFICO
John Heartfield
Naturalmente hábil para el dibujo, en 1908 ingresa en la Escuela Real Bávara de Artes y Oficios siendo influenciado directamente por los diseñadores industriales Albert Weisgerber y Ludwig Hohlwein. Desde 1912 se desempeña diseñando cubiertas para libros.
Es, en esos años, cuando se afianza en la técnica del montaje fotográfico, toda una novedad de la flamante disciplina artística. Basada en el collage clásico, ya los rusos El Lissitski y Rodchenko habían acuñado el término “poligrafía” para definir la combinación de fotografías experimentales, con encuadres y temas atípicos, junto al empleo destacado de la tipografía.
“Monteur-Dada” (Montador-Dadá) como era llamado en el movimiento dadaísta, John Heartfield se aleja, lentamente de esa escuela artística, para darle un mayor compromiso social a sus obras. Fue uno de los primeros en utilizar la fotografía en los afiches políticos comunistas.
En una prestigiosa exposición fotográfica, realizada en Stuttgart en 1929, la sala dedicada a John Heartfield estaba encabezada por uno de sus slogans: “¡Utiliza la fotografía como arma!”. Anticapitalista, antimilitarista y antirreligioso convencido, Heartfield usó sus fotomontajes como balas disparadas al centro del nazismo. “Sus láminas en AIZ y sus carteles formaban parte de acciones políticas más amplias contra el Nazismo y contra la amenaza de la guerra” lo definió Hein Strub.
El Lissitski
El Lisitski (Эль Лисицкий), pseudónimo de Lazar Márkovich Lisitski (Лазарь Маркович Лисицкий, 23 de noviembre de 1890 – 30 de diciembre de 1941) fue un artista ruso, diseñador, fotógrafo, maestro, tipógrafo, y arquitecto. Fue una de las figuras más importantes de la vanguardia rusa, contribuyendo al desarrollo del suprematismo junto a su amigo y mentor, Kazimir Malévich, diseñó numerosas exposiciones y obras de propaganda para la Unión Soviética.
Se le considera uno de los principales representantes del arte abstracto y pionero en su país del constructivismo. Su obra influyó grandemente en los movimientos de la Bauhaus, el constructivismo, y De Stijl, y experimentó con técnicas de producción y recursos estilísticos que posteriormente dominaron el diseño gráfico del siglo XX.
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Fotografía intervenida, antecedentes, presente y futuro. Nota 1 de 4
La fotografía intervenida es una variante de la fotografía tradicional en donde la imagen, obtenida por medios analógicos o digitales es alterada total o parcialmente, cambiando o resaltando su sentido original para mejorar el relato.
Mayor o menor exposición, variaciones en el tiempo de revelado, cambio de lentes, acromatismo o color son parte de las herramientas con las que cuenta un fotógrafo para alterar una captura fotográfica.
Desde un principio la fotografía pretendió emular a la pintura naturalista reproduciendo sus temas, escenas y encuadres
Ante la necesidad de avanzar con la temática naturalista marcada por la pintura de la época y la imposibilidad técnica de trasladar el equipo al exterior, aparecen la utilería y los recursos escenográficos para simular paisajes.
El uso de soportes negativos derivó en la técnica del fotomontaje, esto es, la superposición de negativos para lograr la variedad de escenarios evitando la utilería.
ANTECEDENTES
Fotomontaje: Oscar Gustav Rejlander, (1813 -1875)
Este fotógrafo sueco afincado en Inglaterra, es considerado uno de los pioneros del fotomontaje
Estudió arte en Roma, instalándose posteriormente en Lincoln (Inglaterra). Abandonó su profesión inicial de pintor y retratista de miniaturas, tras comprobar cómo la fotografía conseguía los logros que a él se le negaban.
Su obra fotográfica, realizada en estudio con el empleo de mucha utilería, se centra en los temas de la alegoría, el mito, la historia. Para la obtención de la obra final realiza previos bocetos y luego retoca los negativos (montando, coloreando, etc.) con tal maestría que no se nota el retoque. Esta técnica sería empleada por los fotógrafos de las vanguardias del siglo XX
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Participó en la Exposición de París de 1855, realizando dos años más tarde su obra más conocida, el trabajo alegórico titulado “Los dos caminos de la vida” fue realizada mediante la combinación de 32 negativos. Exhibida por primera vez en Mánchester, para la realización de la obra empleó fondos pintados y realizó fotografías de los personajes por separado, en parejas, en tríos.
“Los dos caminos de la vida”, París, 1855
Trasladó su estudio a Londres en 1862 donde más tarde experimentaría con la doble exposición, el fotomontaje y la manipulación y el retoque fotográfico. Llegó a ser un experto en técnica fotográfica, convirtiéndose en maestro de otros fotógrafos y realizando diversas publicaciones, lo que le valió ser considerado como uno de los padres de la fotografía artística.
Sus obras se enmarcan dentro de la Fotografía academicista donde no se persigue un fin realista sino una recomposición ideal conforme a unas normas prefijadas, ideales y morales establecidas por la clase social conservadora.
Otra de las obras conocidas de Rejlander, sobre todo por las críticas recibidas de sus detractores, es Rejlander el pintor presentando a Rejlander el voluntario, 1871. El autor busca en ella que se vea el truco a fin de que el espectador admire su técnica. La intención de la obra es mostrar la disposición del artista hacia el poder.
b) El retoque fotográfico o edición analógica
Hacia 1880 la fotografía es popular y la industria empieza a desarrollarse rápidamente, sin embargo la edición y retoque solo queda en manos muy expertas que se lanzan a resolver defectos con la ayuda de pinceles, lápices y difuminos con resultados inciertos. Algo muy de moda por entonces era esfumar los fondos y emparejar las manchas del revelado en los plenos negros tarea que a veces se realizaba pulverizando tinta directamente sobre el papel fotográfico.
Aparecen los primeros aerógrafos de tinta.
Una de las desventajas de este sistema era que si se trataba de varias copias había que pintarlas una por una, la solución estaba en editar el negativo y luego imprimir las copias.
“Paint distributor” de John Whipple, 1880
Para la década de 1920, La solución llega con el “borrador de aire” que no pintaba con tinta sino que se lo cargaba con un polvo abrasivo y luego virtualmente se “arenaba” el negativo logrando unos degradados de lo más perfectos.
En combinación con aquel se usa el aerógrafo de tinta, mucho más preciso que sus antecesores con el que también se puede colorear la fotografía.
Para ese entonces, las cámaras fotográficas son portables y los usuarios reparten las especialidades entre operadores y editores. Estos últimos descubren que con estas herramientas de edición es posible realizar ilustraciones, de modo que las posibilidades se van abriendo dando lugar a nuevas especialidades que son rápidamente incorporadas por la industria editorial.
Borrador y aerógrafo Paasche, Chicago,1920
¿Es esto arte? Claves para empezar a comprender
La sensación de no comprender total o parcialmente es la que nos invade cuando estamos frente a una obra de arte contemporánea.
¿Es arte esto que veo y no comprendo? nos preguntamos a menudo.
De tanto mirar vamos naturalizando nuestra mirada y lo conocido empieza a asomar en la medida que practicamos el ejercicio.
Es lo que sucede cuando reconocemos una obra de arte clásico. Sin embargo bien podríamos decir que tan solo lo apreciamos así porque se nos indicó desde siempre que eso era una obra de arte, que alguien alguna vez en el tiempo legitimó y luego solo hubo que repetirlo de generación en generación.
Convengamos que llegamos a este mundo donde todo nos resulta familiar y natural por el solo hecho de que cuando arribamos a él todo estaba allí.
Esta “parte” conocida, está unida a la experiencia (o componente temporal) de nuestra cultura, pero existe otra “parte” que se relaciona con el presente y se produce cuando vemos una obra por primera vez.
El arte actual está hecho de esas “primeras miradas” porque busca ser inédito, desvinculado con el pasado.
Quizás la clave esté es desligarnos de esa asociación con lo conocido culturalmente, para lograr una mirada menos condicionada por el pasado, no para admitir cualquier cosa por el solo hecho de ser desconocida sino para liberar canales más profundos de nuestra percepción.
En definitiva arte es comunicación humana, algunas obras se verán más cercanas y otras incomprensibles como sucede cuando viajamos al extranjero: una sonrisa significa lo mismo en cualquier parte del mundo, no así la palabra escrita. Está en cada uno asumir el desafío; el resultado quizás sea alentador.
POP! La consagración de la Primavera – Muestra en Fundación Osde
Hubo una época en la Argentina en que no se veían escándalos de alcoba (por no decir “de Cabarulo”) en las tapas de los semanarios sino que había espacio para las jóvenes guardias del arte.
Más allá de las ideologías que representaran lo cierto es que esa generación escribió la historia del arte argentino de los ´60. Podría criticarse su banalidad y hedonismo pero no necesariamente el arte debe ser un alegato social que tampoco es garantía de calidad.
Uno se pregunta ¿Qué es arte? o ¿A esto le llaman arte?, bien, sepamos que no solo las instituciones y los críticos de arte sino que también es el tiempo el que legitima una obra para considerarla Arte; en este caso pasaron 44 años, cientos de acontecimientos que cambiaron el curso de la historia y sin embargo allí están, tan frescos e irreverentes como entonces las obras de este osado grupo de “jóvenes alocados” que fueron los primeros en mezclar arte con moda, instalación con multimedia o usar materiales no tradicionales mientras en los museos se mostraban grandes obras de todos los tiempos.
“Revuélquese y viva” – Marta Minujín, 1964
Piano Kitsch, piano pop y piano Cam
Siempre tuve mis prejuicios para con esta etapa del arte argentino pero con un poco más de apertura mental, me entregué al plan de estos artistas que proponía una vida liviana, divertida, despreocupada y pude disfrutar a pleno la muestra.
100 x 100 recomendable, en una sala impecable, con visita guiada y obras muy sorprendentes.
“Soldado del espacio” Juan Stoppani, 1965
El público joven acepta la propuesta y se integra a las obras para disfrutar desde dentro mismo.
Del 18/03/10 al 15/05/10 – Suipacha 658 – 1er piso – Lunes a Sábado de 16 a 20 h.
Curaduría
María José Herrera
Jueves 22 de abril, 18 hs. conferencia “Nosotros cometimos un happening…”
Jueves 6 de mayo a las 18 hs. Encuentro con la curadora, María José Herrera, jefe de investigación del Museo Nacional de Bellas Artes.
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Muestra de Daniel Santoro en la Universidad Nacional de Tres de Febrero, UNTREF
“La piedad – Eva Perón devora las entrañas del Che Guevara”
La primer impresión que tuve al entrar fue que se trataba de una muestra peronista pero haciendo una lectura un poco más profunda me encontré con un alegato no solo peronista sino un relato agudo que se puede disfrutar desde otras ideologías.
Ver a la CGT en un monte del Olimpo con Evita-esfinge, el caballo de Perón transformado en Pegaso o El descamisado gigante parodiando a King Kong en la escena del rascacielos, no deja de ser una crítica también.
Me impresionó.
Vengan a verla; está justo frente a la estación del tren (FGSM)
“Campamento de la juventud peronista”
No se asusten al ingresar si ven un avión en la entrada, es el “Pulqui” de Santoro, jejeje.
UNIVERSIDAD NACIONAL DE TRES DE FEBRERO
lunes a sábados de 11 a 20hs.
visitas participativas: sábados 12 hs y 15:30 hs
Sede Caseros/MUNTREF
Valentín Gómez 4838
(frente a la estación) Caseros (B1678ABJ)
Provincia de Buenos Aires
República Argentina
museo@untref.edu.ar
4759-3528/3578/3537
www.untref.edu.ar/muntref.htm
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