Marzo 13, 2010 | Por daniel-gonzalez | # Enlace permanente
Biografía de Luchino Visconti
(Milán, 1906 – Roma, 1976)
De orígenes aristocráticos, en los años treinta se aficiona al cine y,durante una estancia en París, conoce a Jean Renoir y trabaja con él. Debuta como director con “Obsesión (Ossessione)” (1943), adaptación a un ambiente italiano de la novela “El cartero siempre llama dos veces” de James M. Cain.
En su primera película, Visconti recupera el talento de dos famosos actores del periodo fascista, Clara Calamai y Massimo Girotti, y los convierte en protagonistas de una historia llena de sensualidad, ambientada en lugares poco comunes. El resultado es una película de rotura, aborrecida por las autoridades, que anuncia una nueva concepción del cine.
En 1943 es arrestado por sus actividades antifascistas y ha de esperar hasta 1948 para rodar “La tierra tiembla (La terra trema)“, adaptación de una novela de G. Verga, “Los Malavoglia (I Malavoglia)”. Película sobre la historia de una familia, interpretada por actores no profesionales y hablada en siciliano, se caracteriza por una potente plasticidad en la cual el melodrama se une a un sentido aristocrático, no populista, a pesar de sus influencias evidentemente marxistas. Sigue “Bellísima (Bellissima)” (1951) cuya visión del pueblo es gramsciana en el sentido más estricto de la palabra y que representa una feroz crítica del neorrealismo y, a la vez, una superación del mismo.
En ella, se notan las influencias más dispares: Zavattini y “Cinema nuovo”, la Magnani y Hollywood, la Cinecittà de Blasetti y la del bromista Chiari. En cualquier caso, “Bellissima” es una obra fundamental del cine italiano en la cual es posible entrever algunas tenues señales que anuncian el cambio antropológico que se manifestará plenamente durante los años del boom y que Pasolini narrará con dolor.
En uno de sus mejores momentos, Visconti rueda “Senso” (1954), una relectura del Risorgimento exenta de hipocresías y un homenaje insuperable al mundo verdiano. “Senso” es una obra maestra indiscutible en la cual la perfección de la puesta en escena (piénsese a la secuencia inicial en el teatro o al veloz y febril desenlace final) se combina con una dirección ejemplar de los actores.
El periodo más fértil de la creatividad de Visconti se cierra con “Rocco y sus hermanos (Rocco e i suoi fratelli)” (1960), suma y compendio de su arte, expresado en las formas de un melodrama de notables efectos en el cual se narra la desintegración de una familia campesina al llegar a la ciudad. Influido por Mann y Dostoevskij, el director milanés coloca sus trágicos personajes fuera del tiempo y del espacio, entre el mito y la historia, y nos regala imágenes inolvidables entre las cuales destaca la escena del asesinato de Nadia, nueva Carmen, en el Puerto de Hidroaviones.
A partir de entonces, el indiscutible talento de Visconti estará al servicio de películas más o menos académicas, sin ninguna originalidad. Sin embargo, no faltarán obras espléndidas, como “El Gatopardo (Il Gattopardo)” (1963), donde la nostalgia por el pasado y la consciencia ideológica se entrelazan en una narración impecable bajo el aspecto figurativo. Ni faltaran, tampoco, obras de inusual inspiración, como “Ludwig” (1973), una película nocturna y espectral, tenebrosa y turbadora, con lúgubres presagios mortuorios.
En cualquier caso, el lado estético y burgués – con el cual se ganará el mordaz apodo de “duque decorador” – terminará prevaleciendo.
Lejos de las polémicas políticas, dejará de ser autor para volver a ser director: ilustrador de gran categoría para un público culto y exigente, lamentablemente se irá alejando cada vez más del flujo de la historia.
Marzo 7, 2010 | Por daniel-gonzalez | # Enlace permanente
Martin Marcantonio Luciano Scorsese (n. Flushing, Queens, Nueva York; 17 de noviembre de 1942) es un director, guionista, actor y productor de cine estadounidense, ganador de un Óscar, dos Globos de Oro y dos premios BAFTA, así como de otro del Directors Guild of America (Gremio de directores de Estados Unidos), además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. Condecorado con la Legión de honor francesa en 1987.
Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense y los conceptos de culpa y redención católicos romanos,[1] el machismo y la violencia endémica en la sociedad estadounidense. Es también conocido por su afición a la música, mundo al que ha dedicado alguna de sus películas (No Direction Home sobre Bob Dylan y Shine a Light, sobre los Rolling Stones). Scorsese es ampliamente considerado como uno de los directores más influyentes de su generación.[2]
Ganó un premio MFA por su obra como director de cine otorgado por la prestigiosa Escuela de Cine de la Universidad de Nueva York. Tras múltiples nominaciones a lo largo de su carrera, ganó finalmente el Óscar al mejor director por su película The Departed (Los infiltrados), la cual también ganó el Óscar de mejor película en la 79ª edición de los Premios de la Academia celebrados en 2007. El Óscar se lo entregaron Francis Ford Coppola, George Lucas y Steven Spielberg, que son buenos amigos suyos. A su vez, el 17 de enero del año 2010 se le otorgará el galardón honorífico “Cecil B. DeMille” en los premios Globos de Oro por su “sobresaliente contribución al campo del entretenimiento.
Biografía
Inicialmente, Scorsese planeaba ordenarse como sacerdote, lo que se nota en muchas de sus películas, que reflejan una crianza católica. Se sintió atraído por el cine a una edad muy temprana, y admite estar obsesionado con las películas, obsesión que se aprecia en el documental de 1995 A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (Un viaje personal con Martin Scorsese a través de las películas de Estados Unidos). Siendo un niño que enfermaba a menudo, pasaba mucho tiempo de convalecencia en casa, observando desde su ventana lo que ocurría en la calle. Gran parte de su infancia la pasó en cines, lo que contribuyó a su determinación en ser cineasta.
Finales de los 60 y años 70
Martin Scorsese pertenecía a una familia de la clase trabajadora; su padre era planchador de pantalones. Sus padres fueron el tema de su documental Italianamerican, y realizaron numerosas apariciones en las películas de su hijo como actores secundarios. Durante varios años, su madre trabajó como la proveedora oficial de comida en todas las producciones de Scorsese, mientras su padre trabajaba en el departamento de vestuario. En la película Goodfellas (Buenos muchachos o Uno de los nuestros), Scorsese dijo que nadie planchaba cuellos como su padre lo hacía.
Scorsese asistió a la Universidad de Nueva York, obteniendo una licenciatura en la escuela de cine en 1964 y una maestría en la misma disciplina en 1966. De 1967 data su cortometraje The Big Shave. Ese mismo año realizó su primer largometraje, Who’s That Knocking at My Door? (¿Quién llama a mi puerta?) con su compañero de estudios Harvey Keitel, y a partir de entonces formó parte de la “banda” de cineastas de la década de 1970: Francis Ford Coppola, Brian De Palma, George Lucas y Steven Spielberg. De Palma fue quien le presentó a Robert De Niro, lo cual dio pie a una estrecha amistad que los llevó a compartir muchos proyectos.
En este periodo, Scorsese también trabajó como editor de la película Woodstock y realizó el documental Street Scenes (1970).
En 1972, Scorsese dirigió Boxcar Bertha por encargo del productor de películas de serie B Roger Corman, quien había ayudado a muchos directores a comenzar sus carreras, entre los que destacan Francis Ford Coppola, James Cameron y John Sayles. Con Boxcar Bertha, Scorsese aprendió a hacer filmes rápidamente y de forma económica, lo cual le preparó para su primera película con Robert de Niro (aunque éste aún encarnaba a un personaje secundario y el protagonista seguía siendo Keitel), Mean Streets (Malas calles).
Hasta esta película Scorsese no se sentía satisfecho con su trabajo, pero aquí fraguó finalmente un estilo personal e intransferible. La película no resultó un éxito de taquilla, pero llamó poderosamente la atención de la crítica, y Scorsese y De Niro comenzaron a sonar con gran fuerza en los circuitos de Nueva York. Entonces, la actriz Ellen Burstyn escogió a Scorsese para dirigirla en la película Alice Doesn’t Live Here Anymore (Alicia ya no vive aquí), de 1974. Burstyn ganó un Óscar a la mejor actriz por esta película. Scorsese demostraba con este drama realista, que podía moverse en muchos registros sin ningún problema.
A continuación, Scorsese exploraría sus raíces étnicas en el documental Italianamerican, sobre sus padres Charles y Catherine Scorsese.
Dos años después, en 1976, Scorsese asombró al mundo con Taxi Driver. Sobre un libreto de Paul Schrader, uno de los guionistas más brillantes de las últimas décadas del siglo XX en EEUU, quien se inspiró en varias noches noctámbulas que vivió tras su divorcio, Scorsese se vio catapultado al estrellato con esta perturbadora historia, que protagonizó magistralmente un Robert De Niro en plenas facultades tras su gran éxito con El Padrino, parte II. La película se alzaría con la Palma de Oro del Festival de Cannes y generaría un creciente prestigio que se mantiene hasta el día de hoy. Todavía hay un papel de reparto para Harvey Keitel y supuso el descubrimiento de una joven Jodie Foster, quien tendría una de las cuatro nominaciones al Óscar como mejor actriz de reparto.
Su enorme fama le dio coraje para afrontar un atípico musical, su primera película de alto presupuesto: New York, New York. La pareja protagonista estuvo formada nuevamente por De Niro, en su tercera colaboración con el director, y una incombustible Liza Minnelli. Ambos daban cuerpo a un dúo -él saxofonista, ella cantante- que a lo largo de varias décadas mantuvieron una relación amorosa mientras trabajaban juntos en varios espectáculos musicales. Contó con un gran trabajo de decorados a cargo de Boris Leven, Harry Kemm y Robert De Vestel, pero no fue suficiente para atraer al público a las salas y amortizar el alto coste del filme. Este tributo musical a la ciudad natal de Scorsese fue un rotundo fracaso de taquilla, pero su canción principal, “New York, New York” alcanzó la categoría de clásico en la versión cantada por Frank Sinatra.
Para entonces, Scorsese ya había desarrollado una grave adicción a la cocaína. Entre su adicción y la depresión provocada por el último filme, Scorsese aún encontró la creatividad suficiente para hacer The Last Waltz (El último vals, 1978), un documental bellamente fotografiado sobre un concierto de The Band. Ese mismo año, apareció otro documental dirigido por Scorsese, titulado American Boy.
Años 80
Convencido de que estaba haciendo su última película, Scorsese invirtió todas sus energías en Raging bull (Toro Salvaje), sobre la vida y la carrera pugilística del violento y perturbado Jake LaMotta, de nuevo sobre guión de Paul Schrader, que adaptaba libremente las memorias del deportista. Scorsese decidió rodar en blanco y negro, en parte para atenuar el rechazo a la enorme violencia del filme y en parte para hacerlo más realista, pero también perdió así gran potencial comercial. Robert De Niro interpretó con gran talento a LaMotta (ganaría su segundo Óscar por este papel), y Joe Pesci a su hermano. Además, ésta película supone el comienzo de la colaboración con la montadora Thelma Schoonmaker, viuda de Michael Powell, a la que conoció trabajando en los documentales Street Scenes y Woodstock, y que desde entonces ha sido fiel colaboradora en todos sus proyectos y que le ayudaría a cristalizar sus ideas sobre montaje.
La película no alcanzó ningún éxito de público, pero afianzó nuevamente a Scorsese en el podio de los realizadores más poderosos del panorama norteamericano, a la vez que de los más arriesgados, en pleno momento de crisis, con los estudios radicalizando sus ideas y con los autores en estado de sospecha tras los fracasos de directores como Michael Cimino y Francis Ford Coppola. Recuperado por tanto de sus adicciones, Scorsese empezó la nueva década con una película votada la mejor de la década de 1980, por la revista británica Sight and Sound.
Por entonces Scorsese ya le daba vueltas a dos proyectos que tardarían en ver la luz: The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo, 1988) adaptación del libro de Nikos Kazantzakis La última tentación (1951), y Gangs of New York. Originalmente, la primera iba a ser producida bajo el sello Paramount en 1983 con Aidan Quinn en el papel de Jesús y Sting en el de Poncio Pilatos. Sin embargo, Paramount se retiró días antes de comenzar la filmación, argumentando presiones de grupos religiosos, por lo que el proyecto tuvo que esperar casi cinco años. La segunda sería una colosal producción para la que el director no tuvo inversión hasta veinte años después.
Tres años después de su drama sobre el boxeo, Scorsese estrenaría una de sus películas menos conocidas y más reivindicables, la comedia negra King of Comedy (El rey de la comedia), de nuevo interpretada por De Niro, que daba vida a un fanático de un cómico encarnado por Jerry Lewis. Nuevo fracaso de taquilla.
En 1985 regresa a Nueva York para rodar un filme más acorde a lo que generalmente se espera de él, un retrato de los bajos fondos neoyorquinos. After Hours (en España, Jo, ¡qué noche!) representa, en cierta medida, un retorno a ambientes en los que él se maneja a la perfección, aunque esta ocasión se trata de un relato con tintes kafkianos, en el que un pseudo yuppie vive una delirante pesadilla dentro de los límites más perturbadores del Soho. La película obtendría un más que digno resultado en taquilla y le reportaría a Scorsese el premio al mejor director en el Festival de Cannes.
En 1986, dirigió The Color of Money (El color del dinero), protagonizada por Paul Newman, Tom Cruise y Mary Elizabeth Mastrantonio. El filme es una secuela de The Hustler (El buscavidas, de Robert Rossen), en la que Paul Newman ya interpretó al jugador de billar Eddie Felson. En esta ocasión se trata de un homenaje, y a la vez, segunda parte hacia aquel mítico filme, pero en color y proponiendo una aventura plenamente scorsesiana, con un ya maduro Felson redimiéndose de su pasado. Segundo Óscar para Newman, éste como Mejor actor después de que el año anterior ganara uno como homenaje a toda su carrera.
Después, Scorsese dirigió el vídeoclip de la canción “Bad” (1987) para Michael Jackson.
Finalmente Scorsese pudo filmar The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo) en 1988, con un presupuesto modesto pues Scorsese sabía que el filme no iba a arrasar en las taquillas. Sin embargo, no anticipó el furor y la controversia que iban a desatarse cuando el filme fue estrenado al año siguiente. Las protestas en todo el mundo llegaron a la quema de varias salas, y a su prohibición durante más de quince años en algunos países. Por este filme, Scorsese recibió su siguiente nominación al Óscar al mejor director, que tampoco ganó. Sin embargo, el respaldo que varias figuras del mundo político le dieron a esta película otorgó credibilidad y prestigio al filme.
En 1989 se reunió con sus amigos Francis Ford Coppola y Woody Allen para rodar el filme colectivo Historias de Nueva York, para el que cada uno de ellos dirigiría un mediometraje. El primero de ellos es precisamente el de Scorsese, y quizá el mejor: Life Lessons, sobre las relaciones amorosas de un pintor deprimido (interpretado por Nick Nolte), quien intenta inspirarse gracias a la presencia de Rosanna Arquette.
Años 90
Lo primero que se vio en 1990 dirigido por él fue el alabado corto documental Made in Milan, en torno a la figura de Giorgio Armani. Pero ese año Scorsese dirigiría su primera película sobre la mafia desde Malas calles.
Con Goodfellas (Uno de los nuestros) Scorsese regresa al aprendizaje acumulado en Little Italy, para contarnos la historia verídica del ‘ex-mafioso’ Henry Hill, interpretado por el entonces emergente Ray Liotta. En tono elegíaco, crispado y cínico, narra tres décadas en la vida de un trío de gangsters (Liotta, un recuperado Joe Pesci y De Niro) que trabajan para una familia siciliana asentada sobre todo en los alrededores del aeropuerto de Nueva Jersey. Considerada por muchos analistas como una de las películas más importantes sobre la mafia que se han hecho, Uno de los nuestros propone una irónica versión del sueño americano, pervirtiéndolo a través de los ojos de Hill.
La película obtuvo un sinfín de alabanzas, y era la favorita para los premios Óscar, largamente codiciados por Scorsese dada su cinefilia, pero perdió en favor del inferior Dances with Wolves de Kevin Costner (Bailando con lobos), aunque Pesci se alzó con la estatuilla a mejor actor en papel de reparto.
Scorsese prosiguió su carrera haciendo un remake de una película clásica que protagonizó Robert Mitchum en 1962: Cape Fear, (El cabo del terror, El cabo del miedo), contó con De Niro como Max Caddy, Nick Nolte como Sam Bowden, Jessica Lange como su mujer y una debutante Juliette Lewis como la hija de ellos. Resultó el mayor éxito económico de su director hasta la fecha, aunque teniendo en cuenta que iba en principio a ser dirigida por Steven Spielberg mientras él haría La lista de Schindler (luego se intercambiaron proyectos), y teniendo en cuenta que Spielberg ganaría el Óscar por ésta, supuso una nueva decepción más respecto al Óscar.
En 1993 Scorsese regresaría a un cine mucho más personal y arriesgado, con la adaptación de Edith Warthon, en uno de sus textos más célebres: The Age of Innocence (La edad de la inocencia). Con Daniel Day-Lewis, Michelle Pfeiffer y Winona Ryder, muchos se sorprendieron de ver a Scorsese en un proyecto a lo Visconti, no sabiendo quizá lo mucho que admira él al director italiano. La película goza de una gran consideración crítica, y se mantiene hoy como un discurso más de su director dentro de la ciudad de Nueva York.
En 1995 rodó una nueva historia de gangsters, con un dúo conocido (De Niro y Pesci), y la sorprendente aportación de una fenomenal Sharon Stone, Casino, sobre los casinos controlados por la mafia en los años 70 y 80 en la ciudad de Las Vegas. Tres horas de melodrama en la línea de sus aportaciones al género y con un tono melancólico desconocido hasta el momento.
1997 sería el año de otro proyecto no muy bien recibido por sus admiradores, que siempre esperan películas de la mafia: Kundun, sobre la vida y exilio del decimocuarto Dalái Lama, una película que algunos sectores críticos intentan reivindicar.
En 1999 estrenó Bringing Out the Dead, que viene a ser como la otra cara de la moneda de la pesadilla urbana de Taxi driver, con un paramédico (Nicolas Cage) noctámbulo incapaz de olvidar que una noche no pudo salvar a una yonqui e intenta redimirse. La película fue acogida con frialdad.
Década de 2000
En 2002, Scorsese por fin dirigió uno de sus más ansiados proyectos, Gangs of New York, la cual fue su empresa más arriesgada hasta el momento, con presupuesto superior a los cien millones de dólares, el más alto en la carrera de Scorsese. La reacción de la crítica hacia la película fue moderadamente positiva, y a pesar de su alto coste consiguió recuperar gastos e incluso produjo beneficios, por lo que la aventura se saldó con éxito. Además, recibió diez nominaciones al Óscar, incluyendo Mejor película, Mejor director, y Mejor actor (para Daniel Day-Lewis). Scorsese perdió nuevamente, esta vez frente a Roman Polanski y su El Pianista y frente a Chicago. Significó el comienzo de su alianza con Leonardo DiCaprio.
El siguiente filme de Scorsese fue The Aviator (El aviador), película biográfica del excéntrico multimillonario y pionero de la aviación Howard Hughes. El filme fue lanzado a finales de 2004, con polarización de la crítica. Ganó tres Globos de Oro, incluyendo el de Mejor película dramática. En la entrega de los premios Óscar, El aviador fue la película con más nominaciones (once, incluyendo Mejor película, Mejor director y Mejor actor para Leonardo Di Caprio). Esta vez, Scorsese también salió con las manos vacías, al ver a Clint Eastwood llevarse el Óscar al mejor director y a la Mejor película con Million Dollar Baby.
Scorsese es Presidente de Film Foundation, una fundación sin fines de lucro dedicada a la preservación del material fílmico en deterioro.
El 5 de enero de 2005, Scorsese recibió el reconocimiento de la Légion d’honneur de parte del gobierno de Francia, por sus contribuciones al cine.
Después de presentar su documental sobre Bob Dylan en 2005, No Direction Home, sorprendió a todos en 2006 con su galardonada película The Departed (Los infiltrados), con la cual cosechó numerosos elogios. En esta cinta policíaca se reunió nuevamente con Leonardo Di Caprio y, por primera vez, con Jack Nicholson. El 25 de febrero de 2007, la Academia de Artes y Ciencias Cinematograficas de Hollywood le entregaba el Óscar al mejor director (y otros 3 Óscar, entre ellos el de Mejor película) con lo que se hacía justicia con uno de los más grandes directores de los EE. UU., que había sido nominado 8 veces y nunca había ganado, ni como director ni como guionista. Sin embargo muchos seguidores suyos opinan que no es más que un premio de consolación para una película menor en su brillante filmografía.
A finales de 2007 rueda un spot publicitario para la firma de cava Freixenet: The Key to Reserva, traducido al español como La clave Reserva, en el que Scorsese ha realizado un cuidado homenaje a Alfred Hitchcock, especialmente a su película El hombre que sabía demasiado. En la 67 ceremonia de los Globos de oro se le otorgará el premio Cecil B. DeMille por su gran carrera en la industria cinematográfica.
En 2008 realiza el documental Shine a Light, sobre el grupo de rock Rolling Stones. Ese mismo año se anuncia su participación como productor de la serie Boardwalk Empire, ambientada en la época de la Ley seca. Contará con Steve Buscemi, Kelly MacDonald, Michael Pitt, Michael Shannon y Stephen Graham como actores, y además el mismo Scorsese dirigirá el capítulo piloto.[4] [5]
Vida privada
Scorsese ha estado casado con Helen Morris desde 1999, es su quinta esposa. Tienen una hija, Francesca, quien aparece en The Departed y en The Aviator.
Tiene una hija, Catherine, de su primer matrimonio con Laraine Brennan, otra hija, Domenica Cameron-Scorsese, que es actriz, de su segundo matrimonio, con Julia Cameron. Scorsese también estuvo casado con Isabella Rossellini desde 1979 hasta su divorcio en 1982. También contrajo matrimonio con Barbara De Fina en 1985, el cual terminó en divorcio.
Reside habitualmente en Nueva York.
Filmografía
Director
- 2009: Shutter Island .
- 2008: Shine a Light (documental).
- 2007: The Key to Reserva (La clave Reserva).
- 2006: The Departed (Infiltrados, Los infiltrados).
- 2005: No Direction Home: Bob Dylan.
- 2004: The Aviator (El aviador).
- 2004: Lady by the Sea: The Statue of Liberty (documental).
- 2003: The Blues: “Feel Like Going Home” (serie de televisión).
- 2002: Gangs of New York (Pandillas de Nueva York).
- 2001: The Concert for New York City: “The Neighborhood” (musical).
- 1999: Bringing Out the Dead (Al límite, Vidas al límite).
- 1999: Il mio viaggio in Italia (Mi viaje a Italia).
- 1997: Kundun.
- 1995: Casino (Casino, de Scorsese).
- 1995: A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (Un viaje personal con Martin Scorsese a través del cine americano) (documental).
- 1993: The Age of Innocence (La edad de la inocencia).
- 1991: Cape Fear (Cabo de miedo, El cabo del miedo).
- 1990: Goodfellas (Buenos muchachos, Uno de los nuestros).
- 1989: New York Stories: “Life Lessons” (Historias de Nueva York: “Apuntes Del Natural”, Lecciones de Vida).
- 1988: The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo).
- 1987: “Bad” (vídeo musical).
- 1986: The Color of Money (El color del dinero).
- 1986: Amazing Stories: “Mirror, Mirror” (Cuentos asombrosos: “Mirror, Mirror) (Serie de televisión).
- 1985: After Hours (Después de hora, Jo, ¡qué noche!, Después de las horas).
- 1983: The King of Comedy (El rey de la comedia).
- 1980: Raging Bull (Toro salvaje).
- 1978: The Last Waltz (El último vals, El último rock).
- 1978: American Boy: A Profile of: Steven Prince.
- 1977: New York, New York.
- 1976: Taxi Driver.
- 1974: Alice Doesn’t Live Here Anymore (Alicia ya no vive aquí).
- 1974: Italianamerican (documental).
- 1973: Mean Streets (Malas calles, Calles peligrosas).
- 1972: Boxcar Bertha (El tren de Bertha, Bertha: ladrona y fugitiva).
- 1970: Street Scenes (documental).
- 1967: Who’s that knocking at my door? (¿Quién llama a mi puerta?, ¿Quién toca a mi puerta?).
- 1967: The Big Shave (La gran afeitada) (cortometraje).
- 1964: It’s Not Just You, Murray! (cortometraje).
- 1963: What’s a Nice Girl Like You Doing in a Place Like This? (cortometraje).
- 1959: Vesuvius VI (cortometraje).
En el año 2010 se le otorga el premio Cecil B. DeMille por su “sobresaliente contribución al campo del entretenimiento.”
Julio 18, 2008 | Por daniel-gonzalez | # Enlace permanente
Enrique Pinti encabezará la obra teatral Hairspray en Buenos Aires
A mediados de este año se estará presentando “Hairspray” en el renovado Teatro Astral de la Avenida Corrientes • En la adaptación de los guiones está trabajando el propio actor, traduciendo cada unas de las canciones.
El argumento de la obra “Hairspray” habla de la revolución étnica, cultural y sexual que se vivía en los sesenta en los Estados Unidos, más precisamente en la ciudad de Baltimore.
El personaje principal es una simpática joven que a pesar de tener unos kilos de más, ambiciona con poder bailar en un programa musical en el que las estrellas marcan un estilo con sus coreografías. Este musical deja muy en claro como las personas pueden dejar de lado sus prejuicios para poder disfrutar de la vida.
La génesis de “Hairspray” empieza en 1988, cuando el director John Waters –abiertamente gay– quiso reflejar en una satírica comedia todos aquellos elementos que marcaron esa época. Las guiñadas a la comunidad LGBT están marcadas de sobremanera tanto en la obra como en las películas.
Un hecho a tener en cuenta es que en todos los casos, por disposición del propio Waters, Edna (personaje que interpretará Pinti) tiene que ser puesto en escena por un hombre.
Los directores de la versión local serán la misma dupla de Los productores: Ricky Pashkus y Carlos Olivieri. La selección de la simpática protagonista se realizará en un reality de Canal 13 y se verá en breve debido a que los ensayos comienzan ni bien terminen la temporada veraniega de Mar del Plata. Con todo, “Hairspray” estará en escena en julio de este año.
HAIRSPRAY Y LA POLÉMICA EN EE.UU.
El escándalo explotó cuando la comunidad homosexual del país del norte puso el grito en el cielo al enterarse que en la última versión cinematográfica (2007) Edna Turnblad (mamá del personaje principal) fue interpretado por John Travolta, activista de la Iglesia de la Cienciología.
Puntualmente se acusa a esta secta de homófoba, por lo que se rechazó que uno de sus integrantes encarne el papel principal. En tanto, el actor contestó en su momento diciendo que «en ningún caso es una película gay. No interpreto a un gay». Además, aseguró que los cienciólogos no son homófobos, a pesar de que es notorio que la secta ha realizado varios intentos para “curar” la homosexualidad.
Hairspray – La Remake de 2007 con John Travolta
Dir: Alan Shankman
Estrenada en Buenos Aires el 9-08-2007
Por tratarse de una remake de un film no estrenado (ni visto) y los antecedentes de su director, Alan Shankman (“Experta en bodas”, “Una intrusa en la familia”, “Niñera a pruebas de balas”, “Más barato por docena 2”) no era mucho lo que podía esperarse de su nueva realización. Por una vez, las (lógicas) expectativas no se corresponden con lo que brinda “Hairspray”, un poderoso musical que sólo por su banda sonora y coreografía ya justifica su visión. Pero hay mucho más empezando por las actuaciones que deparan más de una sorpresa. En efecto, verlo a John Travolta haciendo de una mujer y madre sumamente obesa que no puede resisitirse frente a la posibilidad de comerse todo lo que se le pase por las narices resulta un deleite. Pero como además Travolta no ha olvidado su exitoso andar por “Fiebre de sábado por la noche”, sus pasos de baile resultan sumamente acertados.
Christopher Walken no desentona como su esposo y tampoco le resulta difícil practicar la danza como ya lo demostrara en oportunidades anteriores. La mayor revelación, sin embargo es la hija Tracy, interpretada por Nikki Blonsky quien, a diferencia de su progenitora en la película, es realmente una gordita. Michelle Pfeiffer compone el personaje más “bitchy” de su carrera, al retratar a Velma, conductora de un programa de televisión con concursos de baile que en nada se parecen (por suerte) a los que diariamente debe sufrir el público televidente local.
La acción transcurre, a inicios de la década del ’60, en la ciudad de Baltimore como lo revela la canción inicial que al igual que el resto de la banda musical fue pergeñada por el virtuoso Marc Shaiman. Gran parte de la acción gira alrededor de “The Corny Collins Show”, un programa televisivo de masivo rating y que recluta gente joven de la zona. Tracy logra que la incorporen pero encuentra enseguida el rechazo de Velma, cuya hija Amber (Brittany Show) parecía el número puesto para ganar el concurso de baile. Ambas jóvenes son además compañeras de clase pero la hija de Travolta en la ficción suele ir en penitencia a otro recinto de la escuela donde la mayoría de los castigados son de raza negra. Justamente el tema del racismo es otra de las vertientes de “Hairspray” en una época en que las tensiones raciales eran más críticas que en la actualidad en los Estados Unidos. Tracy rápidamente logra ser aceptada en el círculo de sus nuevos compañeros y los acompaña en las marchas en pro de la igualdad de razas. Queen Latifah es una de las líderes y entre las demandas figura la de eliminar el enojoso “Día de los negros” en el programa de televisión, que limita la participación de su gente a un día por semana.
Las canciones en su mayoría son las mismas del musical de Broadway y evocan claramente la música que hiciera famoso al sello Motown y a su creador Berry Gordy en Detroit. De hecho en el programa donde concursan los jóvenes se muestran “charts” típicos de esa época ocupando los primeros puestos grupos como “The Marvelettes” con “Please Mr. Postman” (que luego fuera un cover de Los Beatles) y solistas como Elvis Presley. Hay un trío de jóvenes cantantes que recuerdan al cuarteto “The Supremes” y entre los jóvenes sobresalen el excelente bailarín Elijah Kelley y la ascendiente Amanda Bynes, en el rol de la mejor amiga de Tracy. Pero no por pecar de reiterativos, se nos ocurre que la ya nombrada Nikki Bronsky se lleva los mayores laureles al destilar simpatía y cantar y bailar estupendamente. Para los cinéfilos hay un guiño al principio cuando John Waters, el propio director de la primera versión, hace un cameo que sin duda es un reconocimiento a su tarea precursora.
Sin pretender ser un profundo alegato contra la intolerancia racial ni el derecho de quienes son diferentes, para el caso por una cuestión de peso, “Hairspray” logra mantener el interés a lo largo de todo su metraje y será particularmente apreciada por quienes gusten de la música que hizo famoso al sonido de Filadelfia hace ya casi medio siglo.
Este articulo fue publicado 13 de Agosto de 2007 Por Fredy Friedlander
ANYTHING GOES
LA TIENDA DE COMEDIAS MUSICALES DE BUENOS AIRES
FLORIDA 971 – LOCAL 47
“GALERIAS LARRETA”
TELEFONO: 4315-1326
WWW.AGBAIRES.COM
Ultimos Comentarios